Hur man spelar in och producerar musik hemma
försöker du producera kvalitetsmusik från en heminspelningsstudio? Du valde den perfekta tiden! Från Billie Eilish när vi alla somnar, vart går vi?, till Charlie XCX fan-collab how i ’ m feeling now, till Taylor Swifts folklore, har ett antal framgångsrika utgåvor spelats in utanför en traditionell studio.
men dessa album gjordes fortfarande med stöd och ekonomiska fördelar med en stor etikett. Vad sägs om någon som inte har några hundra tusen dollar för att installera en banbrytande inspelningsstudio i sitt hem? Eller vem kan inte anställa den mest efterfrågade producenten? Eller vem äger inte ens en dyr mikrofon?
Hur kan du producera en stor klingande skiva utan rubrik till en professionell studio, och utan att doppa i dina besparingar? Vi visar dig hur i den här artikeln. Men först låt oss få lite sammanhang på precis vad det innebär att ”producera” musik.
vad är Musikproduktion?
här är det korta svaret: Musikproduktion är processen att fånga analoga ljudvågor på ett reproducerbart medium genom en inspelningsenhet. Den som specialiserat sig på att fånga dessa inspelningar kallas en musikproducent. De övervakar inspelningsprocessen och försöker få musiken att låta så bra som möjligt samtidigt som de arbetar med musiker för att förverkliga sin konstnärliga vision.
under de senaste 120 åren av inspelad musikhistoria har omfattningen av en musikproducents engagemang skiftat när tekniken har avancerat och stilistiska trender har kommit och gått.
Låt oss se hur teknik och trender har utvecklats genom att gå långt tillbaka till ursprunget till inspelad musik.
början av Musikproduktion
tillbaka i slutet av 19-talet, musik skars direkt i en cylinder, vanligen tillverkad av aluminium, av en maskin som kallas en fonograf. Vid den här tiden var en producent (en term som inte ens hade uppfunnits ännu) helt enkelt den som var närvarande för att driva maskinen. Produktionsuppgifter, som de var, uppgick till mer än att veta hur man arbetar utrustningen så att konstnären kunde spela in sin prestation.
denna begränsade specialisering fortsatte genom de tidiga delarna av 20-talet med musikbranschens antagande av grammofonen för inspelning och wax master disc som medium. Vid den här tiden spelades all musik in live; inte nödvändigtvis framför en publik, men med enstaka föreställningar. Denna begränsning innebar att ett misstag tvingade hela inspelningen att skrotas och startas om från början.
magnetband gör musikproduktionen enklare
magnetband debuterade under andra världskriget när allierade ljudtekniker övervakade tyska radiosändningar och upptäckte att de på något sätt var förinspelade istället för dikterade live. Efter kriget upptäckte amerikanska ljudtekniker det nya mediet och tog tillbaka det för användning i kommersiella inspelningar.
vid 1950-talet hade magnetbandet ersatt skivskivor i den första revolutionen i historien om inspelad musik. Tape största fördel jämfört med grammofon inspelningar var dess förmåga att skarvas ihop från flera inspelnings tar, en process som kallas ”redigering.”
inte längre skulle en hel inspelning behöva skrotas på grund av en flub. Inte bara det, men bandmedlemmar kunde spela in sina enskilda delar separat i motsats till alla tillsammans i studion. Musiker kan spela in flera tagningar och redigera dem tillsammans för att få den föredragna versionen.
musikproducenten som creative director
den ökade flexibiliteten hos magnetbandsinspelning ledde till den moderna skivproducentens sanna födelse; det vill säga någon som inte bara driver inspelningsmaskineriet utan också ger kreativ och konstnärlig vägledning i föreställningar, arrangemang och till och med låtskrivning. En producents input börjar påverka hur den slutliga inspelningen låter från mer än en enkel teknisk synvinkel.
vid 60-talet populariserade producenter som George Martin med Beatles och Phil Spector med R&B artister som Ronettes och Ike och Tina Turner tanken på skivproducenten som en viktig del av inspelningsprocessen. Spector var särskilt pionjär i användningen av inspelningsstudion som sitt eget instrument med sin produktionsstil ”Wall of Sound”; en tät orkesterinriktning till popmusik som påverkade andra visionärer som Beach Boys Brian Wilson för att ytterligare försköna sina inspelningar med mer instrumentering.
( vi bör också säga här att vår diskussion om Spector som producent inte på något sätt överskuggar hans handlingar senare i livet som ledde till hans fängelse för mord. Men det är omöjligt att prata om musikproduktionens historia utan att nämna Spector och hans inflytande.)
producenter utvecklar sitt signaturljud
som outsized personligheter som Spector började Vävstol större över sina inspelningar, tanken att vissa producenter kunde skapa ett signaturljud ”blev utbredd. Experimentell popartist Brian Eno såg sig efterfrågan som producent för andra artister som började i mitten av 70-talet efter att hans egenproducerade skivor blev populära.
medan många producenter fastnade med en eller två genrer var de bekväma med (eller bara en när det gäller jazzproducenter som Rudy Van Gelder), andra försökte ge sig in i vilken genre de gillade. Tom Wilson hoppade från genre till genre och spelade in folkkonstnärer som Bob Dylan, proto-punkers The Velvet Underground och avantgarde jazzprofeten Sun Ra, allt på 1960-talet ensam.
som större musikproducenter i vanliga popmusik växte sina ljud med state-of-the-art utrustning, innovatörer blomstrade också runt om i världen genom att göra på grund av Begränsad teknik. I slutet av 60-talet Jamaica till exempel skulle producenter göra en enda kopia av en ny låt för att testa dess marknadsförbarhet. Dessa kopior blev kända som” dubs”, och snart gjorde producenterna instrumentala blandningar av låten för användning i klubbar. Denna praxis födde undergenren av reggae som på lämpligt sätt kallades” dub music ” på 70-talet.
vid 1980-talet pågick en till synes reaktion på ”more is more” – mentaliteten under det föregående decenniets rocköverskott, ledd av producenter som Rick Rubin och Steve Albini. Dessa producenter blev eftertraktade för sina minimalistiska inspelningsstilar, med Albini i synnerhet berömt att han bara var ingenjör och helt enkelt slog ”Record”. Dessa producenters popularitet var främst bland nyare eller” alternativa ” genrer med yngre musiker som metal, punk och hiphop.
hur hiphop-producenter skiljer sig från andra genrer
på tal om hiphop bör vi ta itu med en differentiering när vi definierar ”Musikproduktion”: produktionsteknikerna som används i hiphop, elektronisk musik och andra prov-och beat-fokuserade genrer.
i dessa genrer tar en producent en mycket mer aktiv roll i skapandet av musiken än de gör i genrer fokuserade på akustiska instrument.
precis som med rock och pop har vissa rapproducenter sitt eget ljud och medföljande personligheter som är större än livet. Dr. Dre banade väg för Västkusten G-funk sound med sina lämpligt funky baslinjer och varumärke gnällande syntar.
samtidigt och på andra sidan landet gav RZA Wu-Tang Clan och dess medlemmars soloprojekt ett betydligt grittier Östkustljud bestående av prover från obskyra soul records och lo-fi VHS-rips av 70-talets kampsportflikar.
Hip-hop-producenter skapar instrumentalerna emcees sedan rap över, samtidigt som de ger vägledning till emcee i studion. De skapar dessa beats på några olika sätt:
- Sampling några sekunder av Drum beats (kallas ”breakbeats”) och/eller melodi och andra krokar från poster med hjälp av en skivspelare och DAWs
- skapa sina egna beats med utrustning som trummaskiner, syntar och DAWs att göra digital version av verkliga instrument
- inspelning faktiska levande instrument
de kombinerar någon eller alla dessa bitar tillsammans med andra små detaljer som one-shots (engångsnotor, ackord eller andra ljudeffekter som används för att lägga till variation i en beat loop) till ett sammanhängande slag med samma blandningsprogramvaruproducenter i andra genrer använder. (Vi kommer att täcka all den tekniska programvaran senare i den här artikeln.)
Hip-hop producenter och beatmakers
du kan också ibland se hip-hop producenter kallas ”beatmakers.”Även om det säkert kan vara (och ofta är) samma sak, skiljer det sig: en beatmaker gör bara instrumentet.
Beatmakers arbetar på egen hand (eller i lag), vanligtvis utan att vara i studion med emcee. I kontrast, en hip-hop producent kan inte bara skapa instrumental, men också coacha emcee som de utför i studion och ge teknisk expertis.
Musikproduktion i den digitala tidsåldern
vid 90-talet hade kvinnor börjat bryta sig in i musikproduktion, med trailblazers som Sylvia Massy arbetar på stora, platina-säljande skivor från rock acts like Tool, Red Hot Chili Peppers och system of a Down.
90-talet såg också den ökande utvecklingen av digital inspelning och tekniköverföring från det föregående decenniet. Stora album som Paul Simons Graceland från 1986 spelades in på analogt band men överfördes och blandades på ny utrustning som kallades a digital audio workstation (DAW). DAWs blev standard i 90-talets inspelningsstudior, och på 00-talet blev den stora majoriteten av musikproduktionen helt digital.
Musikproduktion som låtskrivande
idag är musikproducenter ofta artister och låtskrivare, och tvärtom också. De tidigare distinktionerna har brutit ner.
eftersom elektroniska musikproduktionsverktyg har blivit allestädes närvarande, skrivs fler låtar just nu. De är byggda från grunden som en produktion.
rytmerna, krokarna och andra instrumentella element kallas ”The beat”, som tar centrum tidigt i processen. Ofta introduceras en topplinje låtskrivare (eller vokalproducent) för att skapa sångmelodier, texter och harmonier.
Vad behöver jag för att spela in musik hemma?
all den historien leder oss till idag, där DAWs har kombinerat med framsteg inom datorkraft för att göra DIY-Musikproduktion tillgänglig för nästan alla som är fast beslutna att göra sin egen professionella ljudskiva hemma.
men det är inte bara programvara du behöver. Om du vill spela in musik hemma, här är en checklista över de saker du behöver för att komma igång:
1.) Dator: om du äger någon dator som gjorts under de senaste åren, är chansen att det kommer att fungera för musikproduktion. Den viktigaste komponenten du letar efter är RAM. De flesta DAWs kräver minst 8 gigabyte RAM, vilket verkligen inte är mycket för nya datorer (MIN 2015 Macbook har 8GB RAM, för att ge dig en uppfattning). Det är tillräckligt med minne för att bearbeta upp till 25 ljudspår med flera instrument och effekter, vilket är mer än tillräckligt för alla utom de mest ambitiösa Brian Wilson-lärjungarna.
du vill också ha en hårddisk med minst 256 till 500 gigabyte lagring, vilket också är ganska standard för moderna datorer. Det stora utrymmet är att lagra dina ljudfiler, som kommer att vara okomprimerade, så att de tar upp mycket utrymme. Solid state hårddiskar (SSD) är bättre än faktiska skivor för skrivning och läshastighet. SSD är mycket billigare nu än för några år sedan, så om du är på en marknad för en ny dator för heminspelning behöver du inte spendera massor för den extra lyxen.
2.) DAW: detta är den viktigaste programvaran du kommer att köra på din dator. Det finns massor av DAWs med kostnader som sträcker sig från gratis till några tusen dollar. Många erbjuder månadsabonnemang med olika nivåer, med dyrare nivåer som ger dig tillgång till fler funktioner.
som sagt, även de mest grundläggande nivåerna i de flesta DAWs erbjuder 16-spårinspelning och de flesta funktioner du behöver. Och någon av de populära kommer att fungera bra så länge de är kompatibla med din dator:
Audition
Cubase
Garageband
Live
Logic Pro
LUNA
Pro Tools
anledning
ekolod
Studio en
3.) Ljudgränssnitt: det här är fysiska lådor som ansluts till datorns USB-port och förvandlar analoga ljud (de från en röst eller ett instrument) till digitala signaler. De kostar i allmänhet några hundra dollar och har, som DAWs, oftast samma funktioner med mindre skillnader i knapplayout.
här är några av de topprankade ljudgränssnitten:
Audient iD4 MkII
SSL 2+
Focusrite Scarlett 4i4 3rd Gen
Universal Audio UAD Apollo Twin MkII
Native Instruments Komplete Audio 2
4.) Mikrofon: du behöver något att ansluta till ditt ljudgränssnitt och spela in din musik i. Lyckligtvis kan du köpa en kvalitetsstudiomikrofon för under $100. Det finns två huvudtyper av mikrofoner, dynamisk och kondensor. Var och en har sin egen föredragna applikation, så du vill välja en (eller båda) av följande beroende på hur du ska använda den:
dynamiska mikrofoner använder ett magnetiskt membran i rörlig spole. De är bra för att utföra och spela in på live-spelningar eller spela in högljudda instrument som förstärkta gitarrer och trummor. Trumset är notoriskt svårt att spela in exakt.
här är de fem bästa dynamiska mikrofonerna för cirka $100 enligt mikrofonentusiasten micreviews:
Audix i5
Shure SM57
Sennheiser e 835
se Electronics V7
AKG D5
kondensatormikrofoner använder ett ledande membran som vibrerar med ljudtryck. Deras teknik gör dem mer exakta än dynamiska mikrofoner, så de är perfekta för precisionsinspelning av akustiska instrument och sång. Kondensatormikrofoner kräver också en extern strömkälla eftersom de fungerar på XLR-utgång, men du har en redan om du köpte ett ljudgränssnitt.
här är de fem bästa kondensatormikrofonerna för cirka $100, även enligt MicReviews:
Audio-Technica AT2020
AKG P120
se Electronics X1 a
Rode NT-USB Mini
Samson C01
om din budget är lite högre, State-of-the-art kondensatormikrofoner kan kosta uppemot $1000.
här är de fem bästa kondensatormikrofonerna för $200 till $1000 enligt audio superstore Sweetwater:
United Studio Technologies ut FET47
Red NTK
Mojave Audio MA-201FET
Österrikiskt ljud OC18
varmt ljud WA-87
5.) Hörlurar: så här refererar du till vad du spelar in. Du vill ha ett par analytiska hörlurar speciellt tillverkade för inspelning. Leta efter termer som” referens”,” studio ”eller” professionell ” när du handlar. Målet är att telefonerna ska vara så platta som möjligt i sitt frekvenssvar så att din uppspelning är en ärlig representation av vad du har spelat in. Lär dig hur du väljer de bästa hörlurarna.
du kan också använda speciella högtalare för detta ändamål som kallas studiomonitorer, men dessa tenderar att vara dyrare än hörlurar. De är också mycket högre eftersom de är faktiska högtalare, så de är inte idealiska för lägenhetsboende.
kan jag spela in musik på min surfplatta?
om ditt utrymme verkligen är begränsat, eller om du är mest på språng, eller om du bara gillar bekvämligheten med bärbar inspelning antingen för din huvudrigg eller en säkerhetskopia på vägen, kan du spela in musik direkt på en surfplatta.
framsteg inom mobilteknik har lett till att mobila enheter som en iPad kan fånga kvalitetsljud med inget annat än själva enheten, vissa eftermarknadskomponenter och ljudapplikationer. Tabletter har normalt några hundra GB lagringsutrymme, och många har en microSD-kortplats för att utöka det genom att spara dina filer på externa kort.
här är de tre bästa tabletterna för mobilinspelning:
iPad Pro
Microsoft Surface Pro 7
Samsung Galaxy Tab S7
precis som med en dator behöver du ett ljudgränssnitt För att spela in musik på din surfplatta. IK iRig verkar vara den mest rekommenderade, och du kan vanligtvis hitta den under $50!
och precis som på en dator behöver du också en DAW för att bearbeta och redigera ljudet på din surfplatta. Dessa är uppdelade mellan iOS (Apple) och Android, så du vill söka efter en kompatibel med ditt operativsystem.
kan jag spela in musik på min smartphone?
om du vill bli riktigt bärbar kan du till och med spela in musik på din smartphone. Du behöver inte ens mer utrustning än en iPhone eller Android och en ljudapp!
två populära musikinspelningsappar för Android är:
Easy Voice Recorder
RecForge II
två populära musikinspelningsappar för iPhone är:
r XHamster Reporter
Garageband
din smartphone, du kan köpa en av dessa externa mikrofoner för Under $50:
r TUBERKULDE Mikrofoner VideoMic
Dayton Audio iMM-6
Saramonic Mini SmartMic
Hur ställer jag in ett hem inspelningsstudio?
så du har alla dina ljudutrustning och du är redo att komma till jobbet. Men först måste du hitta ett lämpligt rum att spela in. Detta kommer att bli ditt hem studio.
du vill välja rummet för din hemstudio klokt. Om du är i ett hus med ett extra rum, är du inställd! Men om du är i en lägenhet eller någonstans med begränsat utrymme, kan ditt sovrum oundvikligen dra dubbel tjänst som din inspelningsstudio.
sovrum (och verkligen alla rum i huset) är inte gjorda för att användas som en hemstudio. För att konvertera ditt val av rum till en lämplig inspelningsmiljö måste du göra något som kallas Akustisk behandling.
hur behandlar jag mitt rum för akustik?
ditt mål med att ställa in Akustisk behandling i din hemstudio är att göra ljudet i utrymmet så platt som möjligt. Det betyder att du tar bort alla reverb genom akustisk absorption, så allt som finns kvar är direkt ljud från dina instrument eller röst.
följ dessa steg för att ta bort alla reverb från din hemstudio:
1.) Köp de tre akustiska behandlingsartiklarna:
- basfällor för att absorbera låga frekvenser
- akustiska paneler för att absorbera mellan – / högfrekvenser
- diffusorer för att sprida återstående frekvenser
2.) Gå runt i ditt rum och klappa händerna på varje plats du kan stå i. Du lyssnar efter skarpa ringsignaler. Det är dålig akustik, och de kommer verkligen att röra med din ljudmix. Om du befinner dig i ett standard fyra hörn sovrum med ett tak på medelhöjd, är chansen att akustiken kommer att vara på den fattiga sidan.
3.) Använd Akustisk behandling för att lösa följande akustiska problem:
- hörn. Placera basfällor i hörnen på ditt rum. Basfällor är den enskilt viktigaste delen av akustisk Behandlingsutrustning, och hörn är särskilt problematiska för basreverb. Att placera basfällor i hörnen eliminerar reflektioner och förbrukar överflödig bas som kan läcka in i din mix.
- fönster. Placera akustiska paneler på fönster för att stänga av dem. Glas reflekterar mycket ljusa frekvenser som kan orsaka problem med din mix.
4.) Utför klapptestet när du placerar mer akustisk behandling tills du uppnår önskat ljud. Det är vanligtvis en fin, slät reverb.
5.) Använd diffusorer för att sprida och styra ljudreflektioner om du föredrar mer reverb. Du kan kombinera strategisk placering av diffusorer med akustiskt behandlingsmaterial för att få den exakta rumsatmosfären du gillar.
6.) Använd ett reflektionsfilter över din mikrofon om du spelar in akustiska instrument som akustiska gitarrer eller sång. Reflektionsfilter hindrar akustiken från att studsa runt ditt utrymme så att du får en intim inspelning istället för spridd ljud.
Hur spelar jag in min musik?
inspelningsprocessen — även känd som ”spårning” – kan vara en mycket personlig och subjektiv upplevelse.
där du placerar mikrofoner, vilka effekter och bearbetning du använder, hur du fattar beslut på vägen — dessa saker kommer att skilja sig från artist till artist, och producent till producent.
vad som låter ”bra” eller ”dåligt” är också ganska beroende av din genre, så det är svårare att göra specifika rekommendationer här. YouTube är dock en guldgruva med inspelningstips och jag föreslår att du söker där när du fastnar.
med det sagt har jag några allmänna råd som hjälper dig att vara produktiv genom att sätta gränser för dig själv.
hur du förbättrar dina inspelningar genom att ställa in begränsningar
i ett kreativt utrymme kan oändliga alternativ göra oss galna.
detta gäller särskilt med digital musikinspelning eftersom det finns nästan ingen gräns för ditt lagringsutrymme. Hela tiden, om du är som många DIY-artister, har du inte oändliga timmar att spendera inspelning, så tiden hindrar förstärkningen av trycket. I denna miljö kan en begränsning vara det som håller dig frisk.
med andra ord lönar det sig att fatta beslut när du går.
har du någonsin sett de fem hindren? Det är en bra film och en bra illustration av hur godtyckliga hinder kan hjälpa oss att fokusera och driva bortom våra vanliga drag.
om du ska öppna en ny session i din DAW, överväga några av dessa kreativa begränsningar:
1.) Ställ in ett maximalt spårräkning innan sessionen börjar: det är inte ovanligt idag att inspelningssessioner har 100 spår. Visst, om du spelar in nästa #1 singel för Doja Cat och verkligen behöver lagra 15 kick trummor, gå för det. Men om du klämmer in inspelningstiden på helgerna, vill du verkligen behöva sikta igenom alla dessa spår varje gång du öppnar din session?
Ställ istället in en regel för dig själv: ingen låt på detta album kommer att ha mer än X spår. Det kan vara 4, 8, 16, 24,… vad som helst. (Men om din session tar upp mer än 24 spår, begränsar du dig inte exakt, eller hur?)
så sätt på din minimala hatt. Det kommer att tvinga dig att koka ner saker till deras väsentligheter, och spara mycket tid och oro när du kommer till blandningssteget.
tips: om du närmar dig din spårgräns och fortfarande behöver plats för en extra kicktrumma, kanske du kan submixa stråkkvartetten eller de sex backing vocals ner till ett stereospår. Vilket leder oss till…
2.) Submix, submix, submix: om du arbetar med en gruppering av instrument som alla hör hemma i samma universum, skapa en submix av den grupperingen (strängar med strängar, mässing med mässing, bakgrundssång med bakgrundssång, trummor med trummor etc.). När du har fått rätt blandning för varje gruppering, skriva ut den till band (eller spara på datorn) och åta sig att det! Igen, detta drag kommer att spara tid och stress när det gäller att blanda, och öppna upp fler spår om du behöver lägga till fler instrument.
tips: om du verkligen gissar dina submixer när det är dags att skapa den slutliga mixen, kan du alltid gå tillbaka till din session (om du inte spelar in analog!) och skapa en ny blandning. Även om det ganska besegra hela syftet med submixing i första hand.
3.) Ange regler för instrumentering och ljudpalett: innan du börjar en inspelningssession bestämmer du vilka instrument som ska användas, vilka effekter, vilka prover, vilka ljud… och håller fast vid det för hela projektet utan att införa några andra element. Kanske vill du att alla trummor ska vara en vintage 808, men med en riktig shaker och tamburin. Stor. Låter coolt. Men du kan inte lägga till riktiga virveltrumma eller cymbaler senare! Kanske vill du använda en ren klingande telecaster med vissa förseningar. Sött! Förbjud dig själv att använda någon form av distorsionspedal för hela albumet, och lita enbart på förstärkaren för crunch. Genom att ställa in dessa grundregler blir du mer kreativ med de instrument du använder (för att diversifiera låtarna över albumet), och du slutar ge en sammanhållning till projektet som helhet. Dessa typer av begränsningar är ofta det som ger stora album en viss ”känsla.”
4.) Ge dig själv en begränsad mängd tar per del: ingenting är värre än att lyssna tillbaka till 20 gitarrsolon för att hitta de magiska ögonblicken för varje som kan comped tillsammans. Voltron spår är för suckas! Var inte en robot. Var en människa. Säg till dig själv, ” Jag ska spika denna gitarrsolo i 3 tar. Om jag inte gör det, går jag vidare till något annat och kommer tillbaka senare.”Sedan, om du inte får något som låter rätt, ta bort dessa spår. Börja igen imorgon.
5.) Lämna något ute: Ibland kan en låt ta ett helt nytt liv när du tar bort ett element som du tidigare trodde var avgörande för det övergripande arrangemanget. Vad händer om du tog bort synth pad från din senaste hip-hop sång och förlitade sig på trumslingan, bas, och prover för att göra jobbet? Vad händer om din akustiska gitarr, dragspel, och cello vaggvisa var faktiskt mer intressant utan akustisk gitarr? Experimentera med att ta bort saker. Ge låten lite andrum. Du kanske upptäcker att mindre är mer.
6.) Begå effekter: gillar du hur något låter medan det behandlas i övervakning? Kanske sjunger du med lite reverb och din vokalprestanda svarar på den effekten. Kanske har du ett synthljud med lite smuts på det och det känns spännande. Stor. Skriv ut det! Ställ den i sten och gå vidare. Återigen kommer blandning att ske mycket snabbare när du har färre beslut att fatta.
hur blandar jag min musik?
när du har spelat in alla spår för din låt är nästa steg att blanda dem alla tillsammans. Detta resulterar i vad som kallas en mixdown, som är den slutliga produkten av alla de olika spåren i en låt tillsammans.
varför ska du blanda din egen musik? Eftersom ljudmixning är en viktig del av musikproduktionen och att lära sig att göra det kommer att göra dig till en mer självständig indieartist.
även om det kan bli lite tekniskt, finns det några grundläggande steg som någon aspirerande självproducent bör följa för att undvika misstag vid blandning:
1.) Välj din DAW: vi rekommenderade redan några DAWs för heminspelning. De används inte bara för att spela in, men också för att blanda. När du väl har bestämt dig för en DAW, håll fast vid det och lär dig alla dess invecklingar så att du blir skicklig med dess blandningsfunktioner.
2.) Ställ in din mixning session: Du kan använda en förinställd mall i din DAW för detta. Dessa mallar tenderar att vara inriktade på specifika genrer som rock eller akustisk, och de ställer in ordningen på spårblandning i enlighet därmed. Du kan också skapa din egen mixmall som passar dina behov.
3.) Se till att dina spår heter exakt: namngivning av ljudspår av enkla deskriptorer som ”lead vocals” och ”acoustic guitar” kommer att göra det lättare att hitta dem medan de blandas.
4.) Färgkod dina spår efter instrument: Använd din DAW för att välja färger för dina spår efter vilket instrument de tillhör. Om du har tre rytmgitarrspår på din låt, koda dem i samma färg så att du snabbt kan hitta dem.
5.) Kombinera dina instrumentspår med en ”buss”: detta kommer att göra bearbetningen av dina spår effektivare och skapa en känsla av enhet. Till exempel, leka med effekterna bearbetning av alla dina vokalspår tillsammans för att göra dem balanserade i mixen.
6.) Nivå-matcha dina spår: balansera nivåerna för alla dina spår. Ta dig tid att höja eller släppa nivåerna på varje spår i din mix genom hela låten för att lägga till spänning, lugn och andra känslor där du vill ha det.
7.) Använd stereo till din fördel med panorering: det finns en anledning stereo mix övertog mono årtionden sedan. Du kan panorera spåren till vänster eller höger kanal i din mix för att uppnå önskad effekt för lyssnaren. Panorering av en rytmgitarr på ena sidan och ledningen på den andra gör en låt mer intressant och ger en känsla av utrymme i mixen. Det ger också intrycket att ett helt band spelar tillsammans i ett rum även om det inte är det.
8.) Bearbeta dina spår med följande effekter:
Equalizer (EQ), vilket är balansen mellan frekvenser på ett visst spår. Gå igenom varje enskilt spår och EQ det efter eget tycke.
komprimering, vilket höjer eller sänker det dynamiska omfånget för ett spår. Ditt mål är att få en jämn blandning där ingenting går vilse eller är öronkrossande högt. Bara inte ens allt ut till den punkt där det är allt högt, eller ditt spår kommer att bli ett annat offer för ljudkriget.
Reverb, vilket är reflektionen av ljudvågor. Du kontrollerade redan lite reverb när du gjorde Akustisk behandling till din hemstudio. Om du helt plattade frekvenssvaret kan du artificiellt sätta reverb tillbaka i din mix i din DAW. Och om du hände på önskad mängd naturlig reverb genom en perfekt placering av akustisk behandling och diffusorer i din hemstudio, gratulerar du, du är klar med effekter!
9.) Dela din process med andra medarbetare: Om du är i ett band eller arbetar med medarbetare är chansen att denna process är mer demokrati än diktatur. Även om du utses till ansvarig för teknik, dela filerna när du blandar dem med dina medarbetare via Notetracks.
avsluta din inspelning med mastering
när du har spårat din låt och blandat alla spåren till den slutliga mixdownen är din låt 99% klar. Men det finns fortfarande ett steg att slutföra innan din inspelning är klar för release:
du måste behärska din inspelning.
musikmastering är det sista steget i inspelningsprocessen. Under mastering tillämpas ytterligare ljudbehandlingar på din mix för att korrigera problemfrekvenser och förbättra musikaliteten i ditt spår.
hur behärskar jag min musik?
det finns några sätt du kan behärska din låt:
- du kan hyra en masteringsingenjör. Det här är specialister som lyssnar på den slutliga blandningen och justerar den totala volymen. Om det behövs lägger de också till efterproduktionseffekter eller ytterligare komprimering. Mastering ingenjörer brukar ta ut ca $ 50 till $100 för mindre touch ups, och $150 eller mer per låt för full service behandling.
- du kan använda CloudBounce, ett automatiserat masteringsprogram som fungerar direkt i ditt CD-Babykonto! CloudBounce använder en algoritm som styrs av inställningar du väljer för att justera nivåerna på din mixdown och skapa en slutlig mästare. Mastering med CloudBounce kostar bara $ 9,90 per låt. Även om det inte är så exakt som en riktig mänsklig finjustering av varje liten detalj i ditt spår, är det mycket billigare och snabbare. Om du redan har räknat ut din mixdown själv och bara behöver lite nivåmatchning innan du distribuerar din låt, CloudBounce är vägen att gå.
Släpp din musik
nu när din mixdown har blivit din sista mästare är din låt redo för release. Grattis! Det är dags att presentera din låt för världen.
CD Baby distribuerar musik till mer än 150 digitala plattformar och tjänar pengar på din musik på sociala medier och videoplattformar så att du får betalt överallt där din musik spelas.
REGISTRERA DIG NU