Cum să înregistrați și să produceți Muzică Acasă
încercați să produceți muzică de calitate dintr-un studio de înregistrare acasă? Ai ales momentul perfect! De la Billie Eilish când adormim cu toții, unde mergem?, la Charlie XCX ‘ s Fan-collab cum mă simt acum, la folclorul lui Taylor Swift, o serie de lansări de succes au fost înregistrate în afara unui studio tradițional.
dar aceste albume au fost încă realizate cu sprijinul și beneficiile financiare ale unei case de discuri majore. Ce zici de cineva care nu are câteva sute de mii de dolari pentru a instala un studio de înregistrare de ultimă oră în casa lor? Sau cine nu poate angaja cel mai solicitat producător? Sau cine nu deține nici măcar un microfon scump?
cum poți produce o înregistrare cu sunet excelent fără să te îndrepți către un studio profesionist și fără să te scufunzi în economiile tale? Vă vom arăta cum în acest articol. Dar mai întâi să luăm un context despre ce înseamnă să „produci” Muzică.
ce este producția muzicală?
Iată răspunsul scurt: Producția muzicală este procesul de captare a undelor sonore analogice pe un mediu reproductibil printr-un dispozitiv de înregistrare. Persoana care se specializează în captarea acestor înregistrări se numește producător de muzică. Ei supraveghează procesul de înregistrare și încearcă să facă muzica să sune cât mai bine posibil, în timp ce lucrează și cu muzicianul(muzicienii) pentru a-și realiza viziunea artistică.
în ultimii 120 de ani de istorie a muzicii înregistrate, sfera implicării unui producător de muzică s-a schimbat pe măsură ce tehnologia a avansat și tendințele stilistice au venit și au dispărut.
să vedem cum tehnologia și tendințele au evoluat mergând înapoi la originile muzicii înregistrate.
începuturile producției de muzică
înapoi în secolul al 19-lea, muzica a fost tăiat direct într-un cilindru, de obicei, realizate din aluminiu, de o mașină numită un fonograf. În acest moment, un producător (un termen care nici măcar nu fusese inventat încă) era pur și simplu oricine era prezent să opereze mașinile. Sarcinile de producție, așa cum erau, nu se ridicau la altceva decât să știe cum să lucreze echipamentul, astfel încât artistul să-și poată înregistra performanța.
această specializare limitată a continuat prin primele părți ale secolului 20, odată cu adoptarea de către industria muzicală a gramofonului pentru înregistrare și a discului master wax ca mediu. În acest moment, toată muzica a fost înregistrată live; nu neapărat în fața unui public, CI cu spectacole single-take. Această limitare a însemnat că o greșeală a forțat întreaga înregistrare să fie casată și repornită de la zero.
banda magnetică facilitează producția de muzică
banda magnetică și-a făcut debutul în cel de-al doilea Război Mondial, când inginerii audio aliați au monitorizat emisiunile radio germane și au descoperit că acestea erau cumva preînregistrate în loc să fie dictate live. După război, inginerii audio americani au descoperit noul mediu și l-au adus înapoi pentru a fi utilizat în înregistrări comerciale.
în anii 1950, banda magnetică a înlocuit discurile de discuri în prima revoluție din istoria muzicii înregistrate. Cel mai mare avantaj al benzii față de înregistrările gramofonice a fost capacitatea sa de a fi îmbinate împreună din mai multe înregistrări, un proces cunoscut sub numele de „editare.”
nu ar mai fi nevoie ca o înregistrare întreagă să fie abandonată din cauza unui flub. Nu numai asta, dar membrii trupei își puteau înregistra părțile individuale separat, spre deosebire de toate împreună în studio. Muzicienii ar putea înregistra mai multe preluări și le pot edita împreună pentru a obține versiunea preferată.
producătorul de muzică ca director de creație
flexibilitatea crescută a înregistrării pe bandă magnetică a dus la adevărata naștere a producătorului de discuri modern; adică cineva care nu numai că operează aparatul de înregistrare, ci oferă și îndrumări creative și artistice în spectacole, aranjamente și chiar compoziție. Intrarea unui producător începe să afecteze modul în care înregistrarea finală sună din mai mult decât un simplu punct de vedere tehnic.
în anii ’60, producători precum George Martin cu The Beatles și Phil Spector cu R & B artiști precum Ronettes și Ike și Tina Turner au popularizat ideea producătorului de discuri ca parte esențială a procesului de înregistrare. Spector, în special, a fost pionier în utilizarea studioului de înregistrări ca instrument propriu cu stilul său de producție „Wall of Sound”; o abordare densă, orchestrală a muzicii pop, care a influențat alți vizionari, cum ar fi Beach Boys’ Brian Wilson pentru a-și înfrumuseța în continuare înregistrările cu mai multe instrumente.
(de asemenea, ar trebui să afirmăm aici că discuția noastră despre Spector ca producător nu umbrește în niciun fel acțiunile sale ulterioare în viață care au dus la închisoarea sa pentru crimă. Cu toate acestea, este imposibil să vorbim despre istoria producției muzicale fără a menționa Spector și influența sa.)
producătorii își dezvoltă sunetul de semnătură
pe măsură ce personalități supradimensionate precum Spector au început să se extindă peste înregistrările lor, ideea că anumiți producători ar putea crea un „sunet” de semnătură a devenit predominantă. Artistul pop experimental Brian Eno s-a văzut solicitat ca producător pentru alți artiști începând cu mijlocul anilor’70, după ce înregistrările sale auto-produse au câștigat popularitate.
în timp ce mulți producători au rămas cu unul sau două genuri cu care se simțeau confortabil (sau doar unul în cazul producătorilor de jazz precum Rudy Van Gelder), alții au căutat să se aventureze în orice gen le plăcea. Tom Wilson a sărit de la Gen la Gen, înregistrând artiști populari precum Bob Dylan, proto-punkers The Velvet Underground și avangardist jazz prophet Sun Ra, toate doar în anii 1960.
pe măsură ce producătorii de muzică mai mari din muzica pop de masă și-au crescut sunetele cu echipamente de ultimă generație, inovatorii au prosperat și în întreaga lume, făcându-și datoria cu tehnologie limitată. La sfârșitul anilor ‘ 60 Jamaica, de exemplu, producătorii ar face o singură copie a unei melodii noi pentru a testa comercializarea acesteia. Aceste copii au devenit cunoscute sub numele de” dubs ” și, în curând, producătorii făceau mixuri instrumentale ale melodiei pentru a fi utilizate în cluburi. Această practică a dat naștere sub-genului reggae numit în mod corespunzător „Muzică dub” în anii ’70.
în anii 1980, o reacție aparentă la mentalitatea „mai mult este mai mult” a excesului de rock din deceniul precedent era în curs de desfășurare, condusă de producători precum Rick Rubin și Steve Albini. Acești producători au devenit căutați pentru stilurile lor de înregistrare minimaliste, Albini susținând în special că este doar un inginer și a lovit pur și simplu „Record”. Popularitatea acestor producători a fost în primul rând printre genurile mai noi sau „alternative” cu muzicieni mai tineri precum metal, punk și hip-hop.
cum producătorii de hip-hop sunt diferiți de alte genuri
vorbind despre hip-hop, ar trebui să abordăm o diferențiere atunci când definim „producția muzicală”: tehnicile de producție utilizate în hip-hop, muzică electronică și alte genuri axate pe eșantioane și beat.
în aceste genuri, un producător are un rol mult mai activ în crearea muzicii decât în genurile axate pe instrumente acustice.
la fel ca în cazul rock și pop, anumiți producători de rap au propriul lor sunet și însoțesc personalități mai mari decât viața. Dr. Dre a fost pionierul Coasta De Vest G-funk sunet cu liniile sale de bas funky adecvate și synth-urile whining marca comercială.
în același timp și în cealaltă parte a țării, RZA a înzestrat clanul Wu-Tang și proiectele solo ale membrilor săi cu un sunet considerabil mai grittier de pe coasta de Est, format din mostre din obscure Soul records și Lo-fi VHS rips din filmele de arte marțiale din anii’ 70.
producătorii de Hip-hop creează instrumentele emcees, apoi rap, oferind în același timp îndrumări emcee în studio. Ei creează aceste bătăi în câteva moduri diferite:
- prelevarea de probe de câteva secunde de ritmuri de tobe (numite „breakbeats”) și/sau melodie și alte cârlige de înregistrări folosind o placă turnantă și DAWs
- crearea propriilor ritmuri cu echipamente precum mașini de tobe, sintetizatoare și DAWs pentru a face versiunea digitală a instrumentelor reale
- înregistrarea instrumentelor live reale
combină oricare sau toate aceste piese împreună cu alte atingeri mici, cum ar fi one-shots (note unice unice, acorduri sau alte efecte sonore utilizate pentru a adăuga variație la o buclă de ritm) într-un ritm coeziv folosind aceiași producători de software de amestecare în alte genuri de utilizare. (Vom acoperi toate că software-ul de inginerie mai târziu în acest articol.)
producători de Hip-hop și beatmakers
de asemenea, s-ar putea să vedeți uneori producători de hip-hop denumiți „beatmakers.”În timp ce poate fi cu siguranță (și de multe ori sunt) același lucru, există o distincție: un beatmaker face doar instrumental.
Beatmakers lucrează singuri (sau în Echipe), de obicei fără a fi în studio cu emcee. În schimb, un producător de hip-hop poate nu numai să creeze instrumentele, ci și să antreneze emcee în timp ce cântă în studio și să ofere expertiză inginerească.
producția muzicală în era digitală
până în anii ’90, femeile începuseră să intre în producția muzicală, cu trailblazers precum Sylvia Massy lucrând la discuri majore, vândute cu platină de la rock acts like Tool, The Red Hot Chili Peppers și System of a Down.
anii ’90 au văzut, de asemenea, evoluția crescândă a înregistrării digitale și a ingineriei reportate din deceniul precedent. Albume majore precum Paul Simon ‘ s Graceland din 1986 au fost înregistrate pe bandă analogică, dar transferate și amestecate pe echipamente noi numite stație de lucru audio digitală (Daw). DAWs a devenit standard în studiourile de înregistrare din anii ‘ 90, iar până în anii ’00 marea majoritate a producției muzicale a devenit în întregime digitală.
producție muzicală ca compoziție
astăzi, producătorii de muzică sunt adesea artiști și compozitori și invers. Distincțiile anterioare s-au descompus.
pe măsură ce instrumentele de producție a muzicii electronice au devenit omniprezente, mai multe melodii sunt scrise în acest moment. Sunt construite de la zero ca o producție.
ritmurile, cârligele și alte elemente instrumentale sunt denumite „ritmul”, care ocupă un loc central la începutul procesului. Adesea, un compozitor topline (sau producător vocal) este apoi introdus pentru a crea melodii vocale, versuri și armonii.
de ce am nevoie pentru a înregistra muzică acasă?
tot ceea ce istoria ne aduce până în prezent, unde DAW-urile s-au cuplat cu progrese în puterea de calcul pentru a face producția de muzică DIY accesibilă aproape oricui este hotărât să-și facă propriul record profesional acasă.
dar nu este doar software-ul veți avea nevoie. Dacă doriți să înregistrați muzică acasă, iată o listă de verificare a lucrurilor de care veți avea nevoie pentru a începe:
1.) Computer: dacă dețineți orice computer realizat în ultimii ani, este posibil să funcționeze pentru producția de muzică. Componenta cheie pe care o căutați este RAM. Majoritatea Daw-urilor necesită cel puțin 8 gigabyte de memorie RAM, ceea ce nu este prea mult pentru computerele noi (Macbook-ul meu din 2015 are 8 GB RAM, pentru a vă face o idee). Aceasta este suficientă memorie pentru a procesa până la 25 de piese audio cu mai multe instrumente și efecte, ceea ce este mai mult decât suficient pentru toți, cu excepția celor mai ambițioși discipoli Brian Wilson.
veți dori, de asemenea, un hard disk cu cel puțin 256 până la 500 de gigabyte de stocare, care este, de asemenea, destul de standard pentru computerele moderne. Spațiul mare este de a stoca fișierele audio, care vor fi necomprimate, astfel încât acestea vor ocupa mult spațiu. Hard disk-urile în stare solidă (SSD-urile) sunt mai bune decât discurile reale pentru viteza de scriere și citire. SSD este mult mai accesibil acum decât era chiar acum câțiva ani, așa că, dacă vă aflați pe o piață pentru un computer nou pentru înregistrarea la domiciliu, nu va trebui să cheltuiți o tonă pentru luxul adăugat.
2.) DAW: acesta este software-ul principal pe care îl veți rula pe computer. Există tone de DAWs cu costuri variind de la gratuit la câteva mii de dolari. Multe oferă abonamente lunare cu diferite niveluri, cu niveluri mai scumpe care vă oferă acces la mai multe funcții.
acestea fiind spuse, chiar și cele mai de bază niveluri ale majorității Daw-urilor oferă înregistrare pe 16 piste și majoritatea funcțiilor de care veți avea nevoie. Și oricare dintre cele mai populare va funcționa bine, atâta timp cât acestea sunt compatibile cu computerul:
Audition
Cubase
Garageband
Live
Logic Pro
LUNA
Pro Tools
motiv
sonar
Studio One
3.) Interfață Audio: acestea sunt cutii fizice care se conectează la portul USB al computerului și transformă sunetele analogice (cele de la o voce sau un instrument) în semnale digitale. În general, costă câteva sute de dolari și, la fel ca DAW-urile, au în mare parte aceleași funcții, cu diferențe minore în aspectul butoanelor.
iată câteva dintre cele mai bine cotate Interfețe audio:
Audient iD4 MKII
SSL 2+
Focusrite Scarlett 4I4 3rd Gen
Universal Audio UAD Apollo Twin MkII
instrumente native Komplete Audio 2
4.) Microfon: aveți nevoie de ceva pentru a vă conecta la interfața audio și pentru a înregistra muzica. Din fericire, puteți cumpăra un microfon de studio de calitate pentru sub 100 USD. Există două tipuri principale de microfoane, dinamice și condensatoare. Fiecare are propria aplicație preferată, așa că veți dori să selectați una (sau ambele) dintre următoarele în funcție de modul în care o veți folosi:
microfoanele dinamice utilizează o diafragmă magnetică cu bobină în mișcare. Sunt excelente pentru a interpreta și înregistra la concerte live sau pentru a înregistra instrumente puternice, cum ar fi chitare și tobe amplificate. Seturile de tobe sunt notoriu dificil de înregistrat cu exactitate.
Iată cele mai bune cinci microfoane dinamice pentru aproximativ 100 USD, conform site-ului entuziast al microfonului microreviews:
Audix i5
Shure SM57
Sennheiser E 835
sE Electronics V7
AKG D5
microfoanele cu condensator utilizează o diafragmă conductivă care vibrează cu presiunea acustică. Tehnologia lor le face mai precise decât microfoanele dinamice, deci sunt perfecte pentru înregistrarea de precizie a instrumentelor acustice și vocale. Microfoanele condensatoare necesită, de asemenea, o sursă de alimentare externă, deoarece funcționează pe ieșirea XLR, dar veți avea deja una dacă ați cumpărat o interfață audio.
Iată cele mai bune cinci microfoane cu condensator pentru aproximativ 100 USD, de asemenea, conform Micrreviews:
Audio-Technica AT2020
AKG P120
se Electronics X1 a
Rode NT-USB Mini
Samson C01
dacă bugetul dvs. este puțin mai mare, microfoanele condensatoare de ultimă generație pot costa peste 1.000 USD.
iată primele cinci microfoane cu condensator pentru 200 până la 1.000 USD, conform superstore Audio Sweetwater:
United Studio Technologies UT FET47
Rode NTK
Mojave audio MA-201FET
austriac audio OC18
cald audio WA-87
5.) Căști: acesta este modul în care faceți referire la ceea ce înregistrați. Veți dori o pereche de căști analitice fabricate special pentru înregistrare. Căutați termeni precum” referință”,” studio „sau” profesional ” atunci când faceți cumpărături. Scopul este ca telefoanele să fie cât mai plate posibil în răspunsul lor în frecvență, astfel încât redarea dvs. să fie o reprezentare onestă a ceea ce ați înregistrat. Aflați cum să alegeți cele mai bune căști.
de asemenea, puteți utiliza difuzoare speciale în acest scop numite monitoare de studio, dar acestea tind să fie mai scumpe decât căștile. De asemenea, sunt mult mai puternice, deoarece sunt difuzoare reale, deci nu sunt ideale pentru a trăi în apartament.
pot înregistra muzică pe tabletă?
dacă spațiul dvs. este într-adevăr limitat sau sunteți în mare parte în mișcare sau dacă vă place confortul înregistrării portabile fie pentru platforma principală, fie pentru o copie de rezervă pe drum, puteți înregistra muzică direct pe o tabletă.
progresele în tehnologia mobilă au dus la dispozitive mobile ca un iPad fiind capabil de a capta audio de calitate cu nimic mai mult decât dispozitivul în sine, unele componente post-piață și aplicații audio. Tabletele au în mod normal câteva sute de GB de stocare, iar multe au un slot pentru card microSD pentru a extinde acest lucru salvând fișierele pe carduri externe.
Iată cele mai bune trei tablete pentru înregistrarea mobilă:
iPad Pro
Microsoft Surface Pro 7
Samsung Galaxy Tab S7
la fel ca în cazul unui computer, veți avea nevoie de o interfață audio pentru a înregistra muzică pe tabletă. Ik iRig pare a fi cel mai recomandat și, de obicei, îl puteți găsi Sub 50 USD!
și la fel ca pe un computer, veți avea nevoie și de un DAW pentru a procesa și edita sunetul de pe tabletă. Acestea sunt împărțite între iOS (Apple) și Android, deci veți dori să căutați unul compatibil cu sistemul dvs. de operare.
pot înregistra muzică pe smartphone-ul meu?
dacă doriți să obțineți cu adevărat portabil, puteți înregistra chiar și muzică pe smartphone. Nici măcar nu aveți nevoie de mai mult echipament decât un iPhone sau Android și o aplicație audio!
două aplicații de înregistrare a muzicii populare pentru Android sunt:
Easy Voice Recorder
RecForge II
două aplicații de înregistrare a muzicii populare pentru iPhone sunt:
R reporter de la UNKTOLDE
Garageband
dacă doriți să îmbunătățiți calitatea înregistrării smartphone-ul dvs., puteți cumpăra unul dintre aceste microfoane externe pentru Sub 50 USD:
R Microfoane VideoMic
Dayton Audio iMM-6
Saramonic Mini SmartMic
cum pot configura un studio de înregistrare acasă?
deci ai toate echipamentele audio și ești gata să te apuci de treabă. Dar mai întâi trebuie să găsiți o cameră potrivită pentru a înregistra. Acesta va fi studioul tău de acasă.
veți dori să alegeți camera pentru studioul dvs. de acasă cu înțelepciune. Dacă sunteți într-o casă cu o cameră de rezervă, sunteți gata! Dar dacă vă aflați într-un apartament sau undeva cu spațiu limitat, dormitorul dvs. ar putea fi în mod inevitabil tras dublu ca studio de înregistrare.
dormitoarele (și într-adevăr orice cameră din casă) nu sunt făcute pentru a fi folosite ca studio de acasă. Pentru a vă transforma camera la alegere într-un mediu de înregistrare adecvat, va trebui să faceți ceva numit tratament acustic.
cum tratez camera mea pentru acustică?
obiectivul dvs. în configurarea tratamentului acustic în studioul dvs. de acasă este de a face sunetul spațiului cât mai plat posibil. Asta înseamnă eliminarea oricărui reverb prin absorbție acustică, astfel încât tot ce rămâne este sunetul direct de la instrumentele sau vocea ta.
urmați acești pași pentru a elimina orice reverb din studioul de acasă:
1.) Cumpărați cele trei articole de tratament acustic:
- capcane de bas pentru a absorbi frecvențele joase
- panouri acustice pentru a absorbi frecvențele medii / înalte
- Difuzoare pentru a împrăștia frecvențele rămase
2.) Plimbați-vă în jurul camerei și bateți-vă mâinile în fiecare loc în care puteți sta. Ascultați sunete ascuțite. Acestea sunt acustice proaste, și vor pune într-adevăr cu mixul de sunet. Dacă vă aflați într-un dormitor standard cu patru colțuri, cu un plafon de înălțime medie, este posibil ca acustica să fie pe partea slabă.
3.) Utilizați tratament acustic pentru a rezolva următoarele probleme acustice:
- colțuri. Așezați capcane de bas în colțurile camerei. Capcanele de bas sunt cea mai importantă piesă de echipament de tratament acustic, iar colțurile sunt deosebit de problematice pentru reverbul basului. Plasarea capcanelor de bas în colțuri elimină reflexiile și consumă orice exces de bas care s-ar putea scurge în mixul dvs.
- ferestre. Așezați panouri acustice pe ferestre pentru a le închide. Sticla reflectă frecvențe foarte luminoase care pot cauza probleme cu mixul dvs.
4.) Efectuați testul de aplauze pe măsură ce plasați mai mult tratament acustic până când atingeți sunetul dorit. Este de obicei un reverb frumos, neted.
5.) Utilizați difuzoare pentru a împrăștia și controla reflexiile sunetului dacă preferați mai mult reverb. Puteți combina amplasarea strategică a difuzoarelor cu materialul de tratament acustic pentru a obține ambianța exactă a camerei care vă place.
6.) Folosiți un filtru de reflecție peste microfon dacă înregistrați instrumente acustice precum chitare acustice sau vocale. Filtrele de reflecție împiedică acustica să sară în jurul spațiului dvs., astfel încât să obțineți o înregistrare intimă în loc de sunet împrăștiat.
cum îmi înregistrez efectiv muzica?
procesul de înregistrare — cunoscut și sub numele de „urmărire” — poate fi o experiență foarte personală și subiectivă.
unde plasați microfoanele, ce efecte și procesare utilizați, cum luați decizii pe parcurs — aceste lucruri vor diferi de la artist la artist și producător la producător.
ceea ce sună „bun” sau „rău” este, de asemenea, destul de dependent de genul dvs., deci este mai greu să faceți recomandări specifice aici. Cu toate acestea, YouTube este o mină de aur de sfaturi de înregistrare și vă sugerez să căutați acolo oricând vă blocați.
acestea fiind spuse, am câteva sfaturi generale care vă vor ajuta să rămâneți productivi stabilindu-vă limite.
cum să vă îmbunătățiți înregistrările prin setarea limitărilor
într-un spațiu creativ, opțiunile nesfârșite ne pot înnebuni.
acest lucru este valabil mai ales cu înregistrarea muzicii digitale, deoarece nu există aproape nicio limită pentru spațiul dvs. de stocare. În tot acest timp, dacă sunteți ca o mulțime de artiști DIY, nu aveți ore nesfârșite de petrecut înregistrând, astfel încât restricțiile de timp amplifică presiunea. În acest mediu, o limitare poate fi chiar lucrul care te menține sănătos.
cu alte cuvinte, merită să iei decizii pe măsură ce mergi.
ai văzut vreodată cele cinci obstacole? Este un film minunat și o ilustrare excelentă a modului în care obstacolele arbitrare ne pot ajuta să ne concentrăm și să împingem dincolo de mișcările noastre obișnuite.
dacă sunteți pe cale să deschideți o nouă sesiune în DAW, luați în considerare câteva dintre aceste limitări creative:
1.) Setați un număr maxim de piese înainte de începerea sesiunii: nu este neobișnuit în aceste zile ca sesiunile de înregistrare să aibă 100 de piese. Sigur, dacă înregistrați următorul single #1 Pentru Doja Cat și chiar trebuie să stratificați 15 tobe de lovitură, mergeți la el. Dar dacă strângeți timpul de înregistrare în weekend, chiar doriți să treceți prin toate acele piese de fiecare dată când vă deschideți sesiunea?
în schimb, stabilește o regulă pentru tine: nici o melodie de pe acest album nu va avea mai mult de X piese. Ar putea fi 4, 8, 16, 24,… orice. (Dar dacă sesiunea dvs. ocupă mai mult de 24 de piese, nu vă limitați exact, nu-i așa?)
așa că puneți-vă pălăria minimă. Te va forța să reduci lucrurile la esențialul lor și să economisești mult timp și griji atunci când ajungi la etapa de amestecare.
Sugestie: Dacă vă apropiați de limita piesei și aveți nevoie de spațiu pentru un tambur suplimentar, poate puteți submixa cvartetul de coarde sau cele șase Coruri pe o piesă stereo. Ceea ce ne aduce la…
2.) Submix, submix, submix: dacă lucrați cu o grupare de instrumente care aparțin tuturor aceluiași univers, creați un submix al acelei grupări (corzi cu corzi, alamă cu alamă, voce de fundal cu voce de fundal, tobe cu tobe etc.). După ce ați obținut amestecul potrivit pentru fiecare grupare, imprimați-l pe bandă (sau salvați-l pe computer) și angajați-l! Din nou, această mișcare vă va economisi timp și stres atunci când vine vorba de amestecare și va deschide mai multe piese dacă trebuie să adăugați mai multe instrumente.
sugestie: dacă sunteți într-adevăr a doua ghicitul submixele atunci când vine vorba de timp pentru a crea mixul final, puteți merge întotdeauna înapoi în sesiunea (dacă nu înregistrați analog!) și de a crea un nou amestec. Deși asta învinge cam întregul scop al submixării în primul rând.
3.) Stabiliți reguli pentru instrumentație și paletă sonică: înainte de a începe o sesiune de înregistrare, decideți ce instrumente vor fi utilizate, ce efecte, ce probe, ce sunete… și rămâneți la el pentru întregul proiect fără a introduce alte elemente. Poate vrei ca toate tobele să fie un vintage 808, dar cu un adevărat agitator și tamburină. Grozav. Sună mișto. Dar nu puteți adăuga capcană reală sau chimvale mai târziu! Poate doriți să utilizați un telecaster de sondare curat, cu unele întârzieri. Dulce! Interziceți-vă să utilizați orice fel de pedală de distorsiune pentru întregul album și să vă bazați exclusiv pe amp pentru crunch. Stabilind aceste reguli de bază, devii mai creativ cu instrumentele pe care le folosești (pentru a diversifica melodiile de pe album) și ajungi să dai o coeziune proiectului în ansamblu. Aceste tipuri de limitări sunt adesea ceea ce dă albume mari un anumit „simt.”
4.) Dă-ți o cantitate finită de ia pe parte: nimic nu este mai rău decât a asculta înapoi la 20 solo-uri de chitara pentru a găsi momentele magice ale fiecăruia care pot fi comped împreună. Piesele Voltron sunt pentru suckas! Nu fi robot. Fii om. Spune-ți: „am de gând să unghii acest solo de chitară în 3 Ia. Dacă nu, trec la altceva și mă întorc mai târziu.”Apoi, dacă nu obțineți ceva care sună corect, ștergeți acele piese. Începe din nou mâine.
5.) Lasă ceva afară: Uneori, o melodie poate lua o viață cu totul nouă atunci când eliminați un element pe care l-ați crezut anterior crucial pentru aranjamentul general. Ce se întâmplă dacă ați eliminat synth pad-ul din cea mai recentă melodie hip-hop și v-ați bazat pe bucla de tambur, bas și eșantioane pentru a face munca? Ce se întâmplă dacă chitara acustică, acordeonul și cântecul de leagăn pentru violoncel au fost de fapt mai interesante fără chitara acustică? Experimentați cu eliminarea lucrurilor. Dă-i cântecului o cameră de respirație. S-ar putea găsi că mai puțin este mai mult.
6.) Angajează-te la efecte: îți place modul în care sună ceva în timp ce este tratat în monitorizare? Poate că cânți cu un reverb și performanța vocală răspunde la acest efect. Poate ai un sunet synth cu unele murdărie pe ea și se simte interesant. Grozav. Tipărește-l! Pune-l în piatră, și pentru a muta de-a lungul. Din nou, amestecarea se va întâmpla mult mai repede atunci când aveți mai puține decizii de luat.
cum mixez muzica mea?
după ce ați înregistrat toate piesele pentru melodia dvs., următorul pas este să le amestecați pe toate. Acest lucru are ca rezultat ceea ce se numește mixdown, care este produsul final al tuturor pieselor diferite ale unei melodii puse împreună.
de ce ar trebui să vă amestecați propria muzică? Deoarece mixarea audio este o parte esențială a producției de muzică și învățarea cum să o faceți vă va face un artist indie mai independent.
deși poate deveni un pic tehnic, există câțiva pași de bază pe care orice auto-producător aspirant ar trebui să-i urmeze pentru a evita greșelile în timp ce amestecă:
1.) Alegeți DAW – ul: am recomandat deja câteva Daw-uri pentru înregistrarea la domiciliu. Nu sunt folosite doar pentru a înregistra, ci și pentru a amesteca. Odată ce v-ați decis pe un DAW, stick cu ea și să învețe toate complicațiile sale, astfel încât să devină competenți cu caracteristicile sale de amestecare.
2.) Configurați sesiunea de amestecare: Puteți utiliza un șablon prestabilit în DAW pentru acest lucru. Aceste template-uri tind să fie orientate spre genuri specifice, cum ar fi rock sau acustic, și au stabilit ordinea de cale de amestecare în consecință. De asemenea, puteți crea propriul șablon mix care se potrivește nevoilor dvs.
3.) Asigurați-vă că piesele dvs. sunt denumite cu exactitate: denumirea pieselor audio prin descriptori simpli, cum ar fi „vocea principală” și „chitara acustică”, va facilita localizarea acestora în timp ce amestecați.
4.) Cod de culoare piesele de instrument: utilizați DAW dvs. pentru a alege culorile pentru piesele de ce instrument fac parte. Dacă aveți trei piese de chitară ritmică pe melodia dvs., codificați-le aceeași culoare, astfel încât să le puteți localiza rapid.
5.) Combinați piesele instrumentului cu un” autobuz”: acest lucru va face procesarea pieselor mai eficientă și va crea un sentiment de unitate. De exemplu, jucați-vă cu procesarea efectelor tuturor pieselor vocale împreună pentru a le face echilibrate în mix.
6.) Nivel-potriviți melodiile: echilibrați nivelurile pentru toate piesele. Faceți-vă timp pentru a ridica sau a scădea nivelurile fiecărei piese din mixul dvs. pe tot parcursul melodiei pentru a adăuga emoție, calm și orice altă emoție acolo unde doriți.
7.) Utilizați stereo în avantajul dvs. cu Panoramarea: există un motiv pentru care mixul stereo a depășit mono cu zeci de ani în urmă. Puteți deplasa piesele către canalele din stânga sau din dreapta din mixul dvs. pentru a obține efectul dorit pentru ascultător. Panoramarea unei chitare ritmice pe o parte și a plumbului pe cealaltă face ca o melodie să fie mai interesantă și oferă un sentiment de spațiu în mix. De asemenea, dă impresia că o trupă completă cântă împreună într-o cameră, chiar dacă nu este.
8.) Procesați melodiile cu următoarele efecte:
Egalizator (EQ), care este echilibrul frecvențelor pe o anumită pistă. Du-te prin fiecare piesă în parte și EQ-l pe placul dumneavoastră.
compresie, care ridică sau coboară intervalul dinamic al unei piste. Scopul tau este de a obține un amestec chiar în cazul în care nimic nu se pierde sau este ureche-zguduitor tare. Doar nu chiar totul până la punctul în care totul e tare, sau piesa va deveni o altă victimă a războiului intensitate.
Reverb, care este reflectarea undelor sonore. Ai controlat deja unele reverb când ai făcut tratament acustic la studio acasă. Dacă ați aplatizat complet răspunsul în frecvență, puteți pune în mod artificial reverb înapoi în amestecul dvs. în DAW. Și dacă sa întâmplat la cantitatea dorită de reverb naturale printr-o plasare perfectă de tratament acustic și difuzoare în studio acasă, apoi felicitări, ați terminat cu efecte!
9.) Împărtășiți procesul dvs. cu orice alți colaboratori: Dacă sunteți într-o trupă sau lucrați cu colaboratori, Este posibil ca acest proces să fie mai mult democrație decât dictatură. Chiar dacă sunteți numit responsabil de inginerie, partajați fișierele pe măsură ce le amestecați cu colaboratorii dvs. prin Notetracks.
finalizați înregistrarea cu mastering
după ce ați urmărit melodia și ați amestecat toate piesele împreună în mixarea finală, melodia dvs. este terminată în proporție de 99%. Dar mai este încă un pas de finalizat înainte ca înregistrarea dvs. să fie gata de lansare:
trebuie să vă stăpâniți înregistrarea.
masterizarea muzicii este ultimul pas în procesul de înregistrare. În timpul mastering, tratamente audio suplimentare sunt aplicate mixului dvs. pentru a corecta frecvențele problemei și pentru a spori muzicalitatea piesei dvs.
cum îmi stăpânesc muzica?
există câteva moduri în care vă puteți stăpâni melodia:
- puteți angaja un inginer mastering. Aceștia sunt specialiști care ascultă amestecul final și ajustează volumul total. Dacă este necesar, acestea adaugă, de asemenea, orice efecte post-producție sau compresie suplimentară. Inginerii Mastering percep de obicei aproximativ 50 până la 100 USD pentru atingeri minore și 150 USD sau mai mult pe melodie pentru un tratament complet de servicii.
- puteți utiliza CloudBounce, un program automat de mastering care funcționează chiar în contul dvs. CD Baby! CloudBounce utilizează un algoritm controlat de setările pe care le selectați pentru a ajusta nivelurile mixdown-ului dvs. și pentru a crea un master final. Stăpânirea cu CloudBounce costă doar 9,90 USD pe melodie. Deși nu este la fel de exact ca o reglare fină umană reală a fiecărui mic detaliu al piesei dvs., este mult mai ieftin și mai rapid. Dacă v-ați dat seama deja de mixdown-ul dvs. și aveți nevoie doar de o potrivire a nivelului înainte de a vă distribui melodia, CloudBounce este calea de urmat.
lansează-ți muzica
acum că mixarea ta a devenit maestrul tău final, melodia ta este pregătită pentru lansare. Felicitări! Este timpul să vă prezentați cântecul în lume.
CD Baby distribuie muzică pe mai mult de 150 de platforme digitale și generează bani pentru muzica dvs. pe platformele de socializare și video, astfel încât să fiți plătit de oriunde este redată muzica dvs.
INSCRIE-TE ACUM