Sådan optager og producerer du musik derhjemme
forsøger du at producere kvalitetsmusik fra et hjemmeoptagelsesstudie? Du valgte det perfekte tidspunkt! Fra Billie Eilish ‘ s når vi alle falder i søvn, hvor skal vi hen? til Charlie ‘s fan-collab hvordan jeg har det nu, til Taylor hurtig’ s folklore, er en række succesrige udgivelser blevet optaget uden for et traditionelt studie.
men disse albums blev stadig lavet med opbakning og økonomiske fordele ved et stort label. Hvad med en person, der ikke har et par hundrede tusind dollars til at installere et avanceret optagestudie i deres hjem? Eller hvem kan ikke ansætte den mest efterspurgte producent? Eller hvem ejer ikke engang en dyr mikrofon?
Hvordan kan du producere en fantastisk lydplade uden at gå til et professionelt studie og uden at dyppe ned i dine besparelser? Vi viser dig hvordan i denne artikel. Men lad os først få en sammenhæng om, hvad det betyder at “producere” musik.
hvad er musikproduktion?
her er det korte svar: Musikproduktion er processen med at fange analoge lydbølger på et reproducerbart medium gennem en optageenhed. Den person, der har specialiseret sig i at fange disse optagelser, kaldes en musikproducent. De fører tilsyn med optagelsesprocessen og forsøger at få musikken til at lyde så godt som muligt, mens de også arbejder med musikeren(E) for at realisere deres kunstneriske vision.
i løbet af de sidste 120 års indspillet musikhistorie er omfanget af en musikproducents engagement skiftet, efterhånden som teknologien er avanceret, og stilistiske tendenser er kommet og gået.
lad os se, hvordan teknologi og tendenser har udviklet sig ved at gå helt tilbage til oprindelsen af indspillet musik.
begyndelsen af musikproduktion
tilbage i slutningen af det 19.århundrede blev Musik skåret direkte i en cylinder, normalt lavet af aluminium, af en maskine kaldet en fonograf. På dette tidspunkt var en producent (et udtryk, der ikke engang var opfundet endnu) simpelthen den, der var til stede for at betjene maskinen. Produktionsopgaver, som de var, udgjorde ikke mere end at vide, hvordan man arbejder udstyret, så kunstneren kunne registrere deres præstationer.
denne begrænsede specialisering fortsatte gennem de tidlige dele af det 20.århundrede med musikindustriens vedtagelse af grammofonen til optagelse og voksmesterdisken som medium. På dette tidspunkt blev al musik optaget live; ikke nødvendigvis foran et publikum, men med Single-take forestillinger. Denne begrænsning betød, at en fejl tvang hele optagelsen til at blive skrottet og genstartet fra bunden.
magnetbånd gør musikproduktionen lettere
magnetbånd debuterede i Anden Verdenskrig, da allierede lydteknikere overvågede tyske radioudsendelser og opdagede, at de på en eller anden måde blev forindspillet i stedet for dikteret live. Efter krigen opdagede amerikanske lydingeniører det nye medium og bragte det tilbage til brug i kommercielle optagelser.
i 1950 ‘ erne havde magnetbånd fortrængt pladediske i den første revolution i historien om indspillet musik. Båndets største fordel i forhold til grammofonoptagelser var dets evne til at blive splejset sammen fra flere optagelser, en proces kendt som “redigering.”
en hel optagelse skal ikke længere skrottes på grund af en flub. Ikke kun det, men bandmedlemmer kunne optage deres individuelle dele separat i modsætning til alle sammen i studiet. Musikere kunne optage flere tager og redigere dem sammen for at få den foretrukne version.
musikproducenten som kreativ direktør
den øgede fleksibilitet ved magnetbåndoptagelse førte til den moderne pladeproducents sande fødsel; det vil sige en person, der ikke kun driver optagemaskinerne, men også giver kreativ og kunstnerisk vejledning i forestillinger, arrangementer og endda sangskrivning. En producents input begynder at påvirke, hvordan den endelige optagelse lyder fra mere end et simpelt teknisk synspunkt.
i 60 ‘erne, producenter som George Martin med Beatles og Phil Spector med R & B kunstnere som Ronettes og Ike og Tina Turner populariserede ideen om pladeproducenten som en væsentlig del af optagelsesprocessen. Spector var især banebrydende for brugen af optagestudiet som sit eget instrument med sin “væg af lyd” produktionsstil; en tæt, orkestral tilgang til popmusik, der påvirkede andre visionære som Beach Boys’ Brian Vilson for yderligere at pynte deres optagelser med mere instrumentering.
(vi skal også her sige, at vores diskussion af Spector som producent på ingen måde overskygger hans handlinger senere i livet, der førte til hans fængsel for mord. Men det er umuligt at tale om musikproduktionens historie uden at nævne Spector og hans indflydelse.)
producenter udvikler deres signaturlyd
da store personligheder som Spector begyndte at væve større over deres optagelser, blev ideen om, at visse producenter kunne skabe en signatur “lyd” udbredt. Eksperimentel popartist Brian Eno så sig efterspurgt som producent for andre kunstnere, der startede midten af 70’erne, efter at hans selvproducerede plader blev populære.
mens mange producenter sidder fast med en eller to genrer, de var komfortable med (eller kun en i tilfælde af producenter som Rudy Van Gelder), forsøgte andre at vove sig ind i enhver genre, de kunne lide. Tom sprang fra genre til genre og indspillede folkekunstnere som Bob Dylan, proto-punkers The Velvet Underground og avantgarde profeten Sun Ra, alt sammen i 1960 ‘ erne alene.
da større musikproducenter i mainstream popmusik voksede deres lyde med avanceret udstyr, trivedes innovatører også rundt om i verden ved at forfalde med begrænset teknologi. I slutningen af 60 ‘ erne Jamaica for eksempel ville producenterne lave en enkelt kopi af en ny sang for at teste dens omsættelighed. Disse kopier blev kendt som” dubs”, og snart lavede producenterne instrumentelle blandinger af sangen til brug i klubber. Denne praksis fødte undergenren af reggae passende kaldet” dub music ” i 70 ‘erne.
i 1980 ‘ erne var en tilsyneladende reaktion på “more is more” – mentaliteten i det foregående tiårs rockoverskud i gang, ledet af producenter som Rick Rubin og Steve Albini. Disse producenter blev efterspurgt for deres minimalistiske optagelsesstilarter, hvor især Albini berømt hævdede, at han bare var ingeniør og simpelthen ramte “Record”. Disse producenters popularitet var primært blandt nyere eller” alternative ” genrer med yngre musikere som metal, punk og hip-hop.
hvordan hip-hop-producenter adskiller sig fra andre genrer
når vi taler om hip-hop, skal vi adressere en differentiering, når vi definerer “musikproduktion”: produktionsteknikkerne, der bruges i hip-hop, elektronisk musik og andre prøve-og beat-fokuserede genrer.
i disse genrer spiller en producent en langt mere aktiv rolle i skabelsen af musikken, end de gør i genrer med fokus på akustiske instrumenter.
ligesom med rock og pop har visse rapproducenter deres egen lyd og ledsagende personligheder, der er større end livet. Dr. Dre banebrydende Vestkysten G-funk lyd med sine passende funky basslines og varemærke klynker synths.
på samme tid og på den anden side af landet gav RSA klanen og dens medlemmers soloprojekter en betydeligt grittier østkyst lyd bestående af prøver fra obskure soul records og lo-fi VHS rips af 70′ ers kampsport flicks.
Hip-hop producenter skaber instrumentals emcees derefter rap over, samtidig med at de giver vejledning til emcee i studiet. De skaber disse beats på et par forskellige måder:
- prøveudtagning af et par sekunder med trommeslag (kaldet “breakbeats”) og/eller melodi og andre kroge fra plader ved hjælp af en pladespiller og daggry
- oprettelse af deres egne beats med udstyr som trommemaskiner, synteser og daggry til at lave digital version af rigtige instrumenter
- optagelse af faktiske live instrumenter
de kombinerer et eller alle disse stykker sammen med andre små berøringer såsom one-shots (engangs enkeltnoter, akkorder eller andre lydeffekter, der bruges til at tilføje variation til en beat loop) til et sammenhængende beat ved hjælp af de samme producenter af blandingsprogrammer i andre genrer bruger. (Vi dækker alle de tekniske programmer senere i denne artikel.)
Hip-hop producenter og beatmakers
du kan også nogle gange se hip-hop producenter benævnt “beatmakers.”Selvom det helt sikkert kan være (og ofte er) det samme, er der en sondring: en beatmaker gør kun det instrumentale.
Beatmakers arbejder alene (eller i hold), normalt uden at være i studiet med emcee. I modsætning hertil kan en hip-hop-producent ikke kun skabe instrumentalerne, men også coache emcee, da de udfører i studiet og giver teknisk ekspertise.
Musikproduktion i den digitale tidsalder
i 90 ‘erne var kvinder begyndt at bryde ind i musikproduktion med banebrydende som Sylvia Massy arbejder på store, platinsælgende plader fra rock fungerer som Tool, Red Hot Chili Peppers og System of a Dun.
90 ‘erne oplevede også den stigende udvikling af digital optagelse og teknik overførsel fra det foregående årti. Store albums som Paul Simon ‘ s Graceland fra 1986 blev optaget til analogt bånd, men overført og blandet på nyt udstyr kaldet en digital lydarbejdsstation. Det blev standard i 90 ‘ ernes optagestudier, og i 00 ‘erne blev langt størstedelen af musikproduktionen helt digital.
musikproduktion som sangskrivning
i dag er musikproducenter ofte kunstnere og sangskrivere, og omvendt også. De tidligere forskelle er brudt sammen.
da elektroniske musikproduktionsværktøjer er blevet allestedsnærværende, skrives flere sange i øjeblikket. De er bygget fra bunden som en produktion.
rytmerne, kroge og andre instrumentale elementer kaldes “The beat”, som tager centrum tidligt i processen. Ofte introduceres en topline sangskriver (eller vokalproducent) for at skabe vokale melodier, tekster og harmonier.
Hvad skal jeg optage musik derhjemme?
al den historie bringer os til i dag, hvor daggry har kombineret med fremskridt inden for computerkraft for at gøre DIY-musikproduktion tilgængelig for næsten enhver, der er fast besluttet på at lave deres egen professionelle lydplade derhjemme.
men det er ikke kun programmer, du skal bruge. Hvis du ønsker at optage musik derhjemme, her er en tjekliste over de ting, du har brug for for at komme i gang:
1.) Computer: hvis du ejer en computer lavet i de sidste par år, er chancerne for, at det vil fungere til musikproduktion. Den vigtigste komponent, du leder efter, er RAM. De fleste daggry kræver mindst 8 gigabyte RAM, hvilket virkelig ikke er meget for nye computere (Min 2015 Macbook har 8 GB RAM, for at give dig en ide). Det er nok hukommelse til at behandle op til 25 lydspor med flere instrumenter og effekter, hvilket er mere end nok for alle, men de mest ambitiøse Brian Vilson disciple.
du vil også have en harddisk med mindst 256 til 500 gigabyte lagerplads, hvilket også er ret standard for moderne computere. Den store plads er at gemme dine lydfiler, som vil være ukomprimeret, så de vil tage en masse plads. Solid state harddiske (SSD ‘ er) er bedre end faktiske diske til skrivning og læsehastighed. SSD er meget mere overkommelig nu, end det var for et par år siden, så hvis du er på et marked for en ny computer til hjemmeoptagelse, behøver du ikke bruge et ton for den ekstra luksus.
2. Dette er det vigtigste program, du vil køre på din computer. Der er masser af daggry med omkostninger, der spænder fra gratis til et par tusind dollars. Mange tilbyder månedlige abonnementer med forskellige niveauer, med dyrere niveauer, der giver dig adgang til flere funktioner.
når det er sagt, tilbyder selv de mest basale niveauer af de fleste daggry 16-spors optagelse og de fleste af de funktioner, du har brug for. Og nogen af de populære vil fungere fint, så længe de er kompatible med din computer:
Audition
Cubase
Garageband
Live
Logic Pro
LUNA
Pro Tools
årsag
sonar
Studio One
3.) Audio interface: dette er fysiske kasser, der tilsluttes din computers USB-port og omdanner analoge lyde (dem fra en stemme eller et instrument) til digitale signaler. De koster generelt et par hundrede dollars og har ligesom daggry for det meste de samme funktioner med mindre forskelle i knaplayout.
her er et par af de Bedst bedømte lydgrænseflader:
Audient iD4 MkII
SSL 2+
Focusrite Scarlett 4I4 3.Gen
Universal Audio UAD Apollo tvilling MkII
Native Instruments Komplete Audio 2
4.) Mikrofon: du har brug for noget at oprette forbindelse til din lydgrænseflade og optage din musik i. Heldigvis kan du købe en kvalitet studio mikrofon til under $100. Der er to hovedtyper af mikrofoner, dynamisk og kondensator. Hver har sin egen foretrukne applikation, så du vil vælge en (eller begge) af følgende i henhold til hvordan du skal bruge den:
Dynamiske mikrofoner bruger en bevægelig spole magnetisk membran. De er gode til at udføre og optage på live koncerter eller optage højt instrumenter som forstærkede guitarer og trommer. Trommesæt er notorisk vanskeligt at optage præcist.
her er de fem bedste dynamiske mikrofoner til omkring $100 ifølge mikrofonentusiastens Mikrorevisioner:I5
Shure SM57
Sennheiser E 835
sE Electronics V7
AKG D5
kondensatormikrofoner bruger en ledende membran, der vibrerer med lydtryk. Deres teknologi gør dem mere nøjagtige end dynamiske mikrofoner, så de er perfekte til præcisionsoptagelse af akustiske instrumenter og vokal. Kondensatormikrofoner kræver også en ekstern strømkilde, da de fungerer på output, men du har allerede en, hvis du har købt en lydgrænseflade.
her er de fem bedste kondensatormikrofoner til omkring $100, også ifølge Mikroanmeldelser:
Audio-Technica AT2020
AKG P120
se Elektronik 1 A
Rode NT-USB Mini
Samson C01
hvis dit budget er lidt højere, kan avancerede kondensatormikrofoner koste op til $1.000.
her er de fem bedste kondensatormikrofoner til $200 til $1.000 ifølge audio superstore søde vand:
United Studio Technologies UT FET47
Rode NTK
Mojave Audio MA-201FET
østrigske Audio OC18
varm lyd-87
5.) Hovedtelefoner: sådan refererer du til det, du optager. Du vil have et par analytiske hovedtelefoner, der er specielt fremstillet til optagelse. Se efter udtryk som” reference”,” studio “eller” professional”, når du handler. Målet er, at ‘telefonerne skal være så flade som muligt i deres frekvensrespons, så din afspilning er en ærlig repræsentation af det, du har optaget. Lær hvordan du vælger de bedste hovedtelefoner.
du kan også bruge specielle højttalere til dette formål kaldet studiemonitorer, men disse har tendens til at være dyrere end hovedtelefoner. De er også meget højere, da de er egentlige højttalere, så de er ikke ideelle til lejlighed.
kan jeg optage musik på min tablet?
hvis din plads virkelig er begrænset, eller du er mest på farten, eller hvis du bare kan lide bekvemmeligheden ved bærbar optagelse enten til din hovedrigg eller en sikkerhedskopi på vejen, kan du optage musik direkte på en tablet.
fremskridt inden for mobilteknologi har ført til, at mobile enheder som en iPad er i stand til at optage kvalitetslyd med intet andet end selve enheden, nogle eftermarkedskomponenter og lydapplikationer. Tabletter har normalt et par hundrede GB lagerplads, og mange har et microSD-kortspor til at udvide det ved at gemme dine filer på eksterne kort.
her er de tre bedste tabletter til mobiloptagelse:
iPad Pro
Microsoft Surface Pro 7
Samsung galakse Tab S7
ligesom med en computer har du brug for en lydgrænseflade for at optage musik på din tablet. IK iRig synes at være den mest anbefalede, og du kan normalt finde den under $50!
og ligesom på en computer har du også brug for en daggry for at behandle og redigere lyden på din tablet. Disse er opdelt mellem iOS (Apple) og Android, så du vil søge efter en kompatibel med dit operativsystem.
kan jeg optage musik på min smartphone?
hvis du ønsker at blive virkelig bærbar, kan du endda optage musik på din smartphone. Du behøver ikke engang mere udstyr end en iPhone eller Android og en lydapp!
to populære musikoptagelsesapps til Android er:
Easy Voice Recorder
RecForge II
to populære musikoptagelsesapps til iPhone er din smartphone, du kan købe en af disse eksterne mikrofoner til under $50:
r LARSDE Mikrofoner VideoMic
Dayton Audio iMM-6
Saramonic Mini SmartMic
Hvordan opretter jeg et hjemmeoptagelsesstudie?
så du har alt dit lydudstyr, og du er klar til at komme på arbejde. Men først skal du finde et passende rum at optage i. Dette bliver dit hjemmestudie.
du ønsker at vælge plads til dit hjemmestudie klogt. Hvis du er i et hus med et ekstra værelse, er du indstillet! Men hvis du er i en lejlighed eller et sted med begrænset plads, kan dit soveværelse uundgåeligt trække dobbeltarbejde som dit optagestudie.
soveværelser (og virkelig ethvert værelse i huset) er ikke lavet til at blive brugt som et hjemmestudie. For at konvertere dit valgte værelse til et passende optagemiljø skal du gøre noget, der hedder Akustisk behandling.
Hvordan behandler jeg mit værelse til akustik?
dit mål med at oprette Akustisk behandling i dit hjemmestudie er at gøre lyden af rummet så flad som muligt. Det betyder at fjerne enhver reverb ved akustisk absorption, så alt der er tilbage er direkte lyd fra dine instrumenter eller stemme.
Følg disse trin for at fjerne enhver reverb fra dit hjemmestudie:
1.) Køb de tre akustiske behandlingsartikler:
- basfælder til at absorbere lave frekvenser
- akustiske paneler til at absorbere mellem / høje frekvenser
- diffusorer til at sprede resterende frekvenser
2.) Gå rundt i dit værelse og klapp dine hænder på hvert sted, du kan stå i. Du lytter efter skarpe ringelyde. Det er dårlig akustik, og de vil virkelig rod med din lydblanding. Hvis du er i en standard fire hjørne soveværelse med et loft på gennemsnitlig højde, chancerne er akustikken vil være på den dårlige side.
3.) Brug Akustisk behandling til at løse følgende akustiske problemer:
- hjørner. Placer basfælder i hjørnerne af dit værelse. Basfælder er det vigtigste stykke akustisk behandlingsudstyr, og hjørner er især problematiske for basklang. Placering af basfælder i hjørnerne eliminerer refleksioner og bruger overskydende bas, der kan lække ind i din blanding.
- vinduer. Placer akustiske paneler på vinduer for at lukke dem af. Glas afspejler meget lyse frekvenser, der kan forårsage problemer med din blanding.
4.) Udfør klaptesten, mens du placerer mere akustisk behandling, indtil du opnår den ønskede lyd. Det er normalt en dejlig, glat rumklang.
5.) Brug diffusorer til at sprede og styre lydrefleksioner, hvis du foretrækker mere rumklang. Du kan kombinere strategisk placering af diffusorer med akustisk behandlingsmateriale for at få den nøjagtige rumstemning, du kan lide.
6.) Brug et refleksionsfilter over din mikrofon, hvis du optager akustiske instrumenter som akustiske guitarer eller vokal. Refleksionsfiltre forhindrer akustikken i at hoppe rundt i dit rum, så du får en intim optagelse i stedet for spredt lyd.
hvordan optager jeg faktisk min musik?
optagelsesprocessen — også kendt som “sporing” — kan være en meget personlig og subjektiv oplevelse.
hvor du placerer mikrofonerne, hvilke effekter og behandling du bruger, hvordan du træffer beslutninger undervejs — disse ting vil variere fra kunstner til kunstner og producent til producent.
hvad der lyder “godt” eller “dårligt” er også ret afhængigt af din genre, så det er sværere at komme med specifikke anbefalinger her. YouTube er dog en guldgrube af optagelsestips, og jeg foreslår, at du søger der, når du sidder fast.
med det sagt har jeg nogle generelle råd, der hjælper dig med at forblive produktiv ved at sætte grænser for dig selv.
Sådan forbedres dine optagelser ved at indstille begrænsninger
i et kreativt rum kan uendelige muligheder gøre os vanvittige.
dette gælder især med digital musikoptagelse, fordi der næsten ikke er nogen grænse for din lagerplads. Hele tiden, hvis du er som mange DIY-kunstnere, har du ikke uendelige timer at bruge optagelse, så tidsbegrænsninger forstærker trykket. I dette miljø kan en begrænsning være netop det, der holder dig sund.
med andre ord, det lønner sig at træffe beslutninger, mens du går.
har du nogensinde set de fem forhindringer? Det er en fantastisk film og en god illustration af, hvordan vilkårlige forhindringer kan hjælpe os med at fokusere og skubbe ud over vores sædvanlige bevægelser.
hvis du er ved at åbne en ny session i din dag, skal du overveje nogle af disse kreative begrænsninger:
1.) Indstil et maksimalt antal numre, før sessionen begynder: det er ikke ualmindeligt i disse dage, at optagelsessessioner har 100 numre. Sikker på, hvis du optager den næste #1 single til Doja Cat og virkelig har brug for at layer 15 kick trommer, gå til det. Men hvis du klemmer i optagetid på ugerne, vil du virkelig have at Sile gennem alle disse spor hver gang du åbner din session?
sæt i stedet en regel for dig selv: ingen sang på dette album vil have mere end spor. Det kunne være 4, 8, 16, 24, … uanset hvad. (Men hvis din session optager mere end 24 spor, begrænser du ikke ligefrem dig selv, er du?)
så tag din minimale hat på. Det vil tvinge dig til at koge tingene ned til deres væsentlige, og spare dig for masser af tid og bekymring, når du kommer til blandingsfasen.
TIP: Hvis du nærmer dig din sporgrænse og stadig har brug for plads til en ekstra kick tromme, kan du måske submiks strygekvartetten eller de seks backing vokal ned til et stereospor. Hvilket bringer os til …
2. Hvis du arbejder med en gruppering af instrumenter, der alle hører til i det samme univers, skal du oprette en underblanding af den gruppering (strenge med strenge, messing med messing, baggrundsvokal med baggrundsvokal, trommer med trommer osv.). Når du har fået den rigtige blanding for hver gruppering, udskrive det til tape (eller gemme på computeren) og forpligte sig til det! Igen vil dette træk spare dig tid og stress, når det kommer til blanding, og åbne flere spor, hvis du har brug for at tilføje flere instrumenter.
tip: hvis du virkelig gætter dine undertegnelser, når det er tid til at oprette den endelige blanding, kan du altid gå tilbage til din session (medmindre du optager analog!) og skabe en ny blanding. Selvom det gør kinda besejre hele formålet med submiks i første omgang.
3.) Indstil regler for instrumentering og sonic palette: inden du begynder en optagelsessession, skal du beslutte, hvilke instrumenter der skal bruges, hvilke effekter, hvilke prøver, hvad der lyder… og hold dig til det for hele projektet uden at introducere andre elementer. Måske vil du have alle trommer til at være en vintage 808, men med en ægte shaker og tamburin. Stor. Lyder sejt. Men du kan ikke tilføje rigtige snare eller bækkener senere! Måske vil du bruge en ren klingende telecaster med nogle forsinkelser. Sødt! Forby dig selv at bruge nogen form for forvrængningspedal til hele albummet, og stole udelukkende på forstærkeren til crunch. Ved at sætte disse grundregler bliver du mere kreativ med de instrumenter, du bruger (for at diversificere sangene på tværs af albummet), og du ender med at give en sammenhæng til projektet som helhed. Disse former for begrænsninger er ofte, hvad der giver store albums en vis “føler.”
4. Del: intet er værre end at lytte tilbage til 20 guitar soloer for at finde de magiske øjeblikke af hver, der kan comped sammen. Voltron spor er for suckas! Vær ikke en robot. Vær et menneske. Sig til dig selv, “jeg har tænkt mig at søm denne guitar solo i 3 tager. Hvis jeg ikke gør det, går jeg videre til noget andet og kommer tilbage senere.”Så hvis du ikke får noget, der lyder rigtigt, skal du slette disse spor. Begynd igen i morgen.
5.) Lad noget ude: Nogle gange kan en sang få et helt nyt liv, når du fjerner et element, du tidligere havde troet afgørende for det samlede arrangement. Hvad hvis du fjernede synth pad fra din seneste hip-hop sang og stolede på tromme loop, bas, og prøver til at gøre arbejdet? Hvad hvis din akustiske guitar, harmonika, og cello vuggevise var faktisk mere interessant uden den akustiske guitar? Eksperimenter med at fjerne ting. Giv sangen et pusterum. Du kan opleve, at mindre er mere.
6.) Forpligte sig til effekter: kan du lide den måde noget lyder, mens det bliver behandlet i overvågning? Måske synger du med noget rumklang, og din vokale præstation reagerer på den effekt. Måske har du en synth lyd med noget snavs på det, og det føles spændende. Stor. Udskriv det! Sæt det i sten, og gå videre. Igen vil blanding ske meget hurtigere, når du har færre beslutninger at tage.
hvordan blander jeg min musik?
når du har optaget alle sporene til din sang, er det næste trin at blande dem alle sammen. Dette resulterer i det, der kaldes en blanding, som er det endelige produkt af alle de forskellige spor i en sang sammensat.
hvorfor skal du blande din egen musik? Fordi lydblanding er en væsentlig del af musikproduktionen, og at lære at gøre det vil gøre dig til en mere selvhjulpen indie-kunstner.
selvom det kan blive lidt teknisk, er der nogle grundlæggende trin, som enhver håbende selvproducent skal følge for at undgå fejl under blanding:
1.) Vælg din daggry: vi har allerede anbefalet nogle daggry til hjemmeoptagelse. De bruges ikke kun til at optage, men også til at blande. Når du har besluttet dig for en daggry, skal du holde dig til den og lære alle dens forviklinger, så du bliver dygtig med dens blandingsfunktioner.
2.) Indstil din blanding session: Du kan bruge en forudindstillet skabelon til dette. Disse skabeloner har tendens til at være rettet mod specifikke genrer som rock eller akustisk, og de sætter rækkefølgen af sporblanding i overensstemmelse hermed. Du kan også oprette din egen blandingsskabelon, der passer til dine behov.
3.) Sørg for, at dine spor er navngivet nøjagtigt: navngivning af lydspor med enkle deskriptorer som “lead vocals” og “acoustic guitar” vil gøre lokalisering af dem, mens de blandes meget lettere.
4.) Farvekode dine spor efter instrument: Brug din daggry til at vælge farver til dine spor efter hvilket instrument de tilhører. Hvis du har tre rytmegitarspor på din sang, skal du kode dem i samme farve, så du hurtigt kan finde dem.
5.) Kombiner dine instrumentspor med en” bus”: dette vil gøre behandlingen af dine spor mere effektiv og skabe en følelse af enhed. For eksempel at lege med effekterne behandling af alle dine vokalspor sammen for at gøre dem afbalancerede i blandingen.
6.) Niveau-match dine spor: Balance niveauerne for alle dine spor. Tag dig tid til at hæve eller slippe niveauerne for hvert spor i din blanding i hele sangen for at tilføje spænding, ro og enhver anden følelse, hvor du vil have det.
7.) Brug stereo til din fordel med panorering: der er en grund til, at stereoblanding overhalede mono for årtier siden. Du kan panorere sporene til venstre eller højre kanal i din blanding for at opnå den ønskede effekt for lytteren. Panorering af en rytmegitar på den ene side og føringen på den anden gør en sang mere interessant og giver en følelse af plads i blandingen. Det giver også indtryk af, at et fuldt band spiller sammen i et rum, selvom det ikke er det.
8.) Behandle dine spor med følgende effekter:
udligning, som er balancen af frekvenser på et bestemt spor. Gå gennem hvert enkelt spor og EKV det til din smag.
komprimering, som hæver eller sænker et spors dynamiske område. Dit mål er at få en jævn blanding, hvor intet går tabt eller er øreknusende højt. Bare ikke engang alt ud til det punkt, hvor det hele er højt, ellers bliver dit spor endnu et offer for loudness-krigen.
Reverb, som er afspejling af lydbølger. Du kontrollerede allerede noget rumklang, da du gjorde Akustisk behandling til dit hjemmestudie. Hvis du helt fladede frekvensresponsen, kan du kunstigt sætte reverb tilbage i din blanding i din daggry. Og hvis du skete på den ønskede mængde naturlig reverb gennem en perfekt placering af akustisk behandling og diffusorer i dit hjemmestudie, så tillykke, du er færdig med effekter!
9.) Del din proces med andre samarbejdspartnere: Hvis du er i et band eller arbejder med samarbejdspartnere, er chancerne for, at denne proces er mere demokrati end diktatur. Selvom du er udnævnt til ansvarlig for teknik, skal du dele filerne, når du blander dem med dine samarbejdspartnere gennem Notetracks.
Afslut din optagelse med mastering
når du har sporet din sang og blandet alle sporene sammen i den endelige blanding, er din sang 99% færdig. Men der er stadig endnu et skridt at gennemføre, før din optagelse er klar til udgivelse:
du skal mestre din optagelse.
Musik mastering er det sidste trin i optagelsesprocessen. Under mastering anvendes yderligere lydbehandlinger til din blanding for at rette problemfrekvenser og forbedre musikaliteten af dit spor.
hvordan mestrer jeg min musik?
der er et par måder, du kan mestre din sang på:
- du kan ansætte en mastering ingeniør. Disse er specialister, der lytter til den endelige blanding og justerer det samlede volumen. Om nødvendigt tilføjer de også efterproduktionseffekter eller yderligere kompression. Mastering ingeniører opkræver normalt omkring $50 til $100 for mindre touch ups og $150 eller mere pr.
- du kan bruge CloudBounce, et automatiseret masteringsprogram, der fungerer lige i din CD Baby-konto! CloudBounce bruger en algoritme, der styres af de indstillinger, du vælger, til at justere niveauerne for din blanding og oprette en endelig master. Mastering med CloudBounce koster kun $ 9,90 pr. Selvom det ikke er så nøjagtigt som en rigtig menneskelig finjustering af hver lille detalje på dit spor, er det en hel del billigere og hurtigere. Hvis du allerede har fundet ud af din blanding selv og bare har brug for en vis niveautilpasning, før du distribuerer din sang, er CloudBounce vejen at gå.
Slip din musik
nu hvor din blanding er blevet din endelige mester, er din sang klar til udgivelse. Tillykke! Det er tid til at introducere din sang til verden.
CD Baby distribuerer musik til mere end 150 digitale platforme og tjener penge på din musik på sociale medier og videoplatforme, så du får betalt overalt, hvor din musik afspilles.
TILMELD DIG NU