Como gravar e produzir música em casa
você está tentando produzir música de qualidade a partir de um estúdio de gravação em casa? Você escolheu o momento perfeito! De Billie Eilish, quando todos adormecemos, para onde vamos?, para Charlie XCX’s Fan-collab como estou me sentindo agora, para o folclore de Taylor Swift, vários lançamentos de sucesso foram gravados fora de um estúdio tradicional.
mas esses álbuns ainda eram feitos com o apoio e os benefícios financeiros de uma grande gravadora. E alguém que não tem algumas centenas de milhares de dólares para instalar um estúdio de gravação de ponta em sua casa? Ou quem não pode contratar o produtor mais procurado? Ou quem nem possui um microfone caro?
como você pode produzir um disco de grande som sem ir a um estúdio profissional, e sem mergulhar em suas economias? Vamos mostrar-lhe como neste artigo. Mas primeiro vamos ter algum contexto sobre o que significa “produzir” música.
o que é produção musical?
aqui está a resposta curta: A produção musical é o processo de captura de ondas sonoras analógicas em um meio reproduzível por meio de um dispositivo de gravação. A pessoa especializada em capturar essas gravações é chamada de produtora musical. Eles supervisionam o processo de gravação e tentam fazer a música soar o melhor possível, enquanto também trabalham com o(s) músico (es) para realizar sua visão artística.Nos últimos 120 anos de história da música gravada, o escopo do envolvimento de um produtor musical mudou à medida que a tecnologia avançou e as tendências estilísticas vieram e se foram.Vamos ver como a tecnologia e as tendências evoluíram voltando às origens da música gravada.
o início da produção musical
no final do século 19, a música era cortada diretamente em um cilindro, geralmente feito de alumínio, por uma máquina chamada fonógrafo. Nessa época, um produtor (um termo que ainda não havia sido inventado) era simplesmente quem estava presente para operar o maquinário. Os deveres de produção, como eram, não eram mais do que saber trabalhar o equipamento para que o artista pudesse registrar sua performance.
esta especialização limitada continuou durante as primeiras partes do século 20 com a adoção da indústria musical do Gramofone para gravação e o disco mestre de cera como meio. Neste momento, toda a música foi gravada ao vivo; não necessariamente na frente de um público, mas com apresentações individuais. Essa limitação significava que um erro forçou toda a gravação a ser descartada e reiniciada do zero.
a fita magnética facilita a produção musical
a fita magnética estreou na Segunda Guerra Mundial, quando os engenheiros de áudio aliados monitoraram as transmissões de rádio alemãs e descobriram que elas estavam sendo pré-gravadas em vez de ditadas ao vivo. Após a guerra, os engenheiros de áudio americanos descobriram o novo meio e o trouxeram de volta para uso em gravações comerciais.
na década de 1950, a fita magnética havia suplantado Discos na primeira revolução na história da música gravada. A maior vantagem da fita sobre as gravações de gramofone foi sua capacidade de ser emendada a partir de várias tomadas de gravação, um processo conhecido como “edição.”
não seria mais necessário descartar uma gravação inteira devido a um flub. Não só isso, mas os membros da banda poderiam gravar suas partes individuais separadamente, em oposição a todos juntos no estúdio. Os músicos podem gravar várias tomadas e editá-las juntos para obter a versão preferida.
o produtor musical como diretor criativo
a maior flexibilidade da gravação de fita magnética levou ao verdadeiro nascimento do produtor musical moderno; ou seja, alguém que não apenas opera o maquinário de gravação, mas também fornece orientação criativa e artística nas performances, arranjos e até mesmo composições. A entrada de um produtor começa a afetar como a gravação final soa de um ponto de vista técnico mais do que simples.
nos anos 60, produtores como George Martin com os Beatles e Phil Spector com artistas R &B como The Ronettes e Ike e Tina Turner popularizaram a ideia do produtor musical como parte essencial do processo de gravação. Spector, em particular, foi pioneiro no uso do estúdio de gravação como seu próprio instrumento com seu estilo de produção “Wall of Sound”; uma abordagem densa e orquestral da música pop que influenciou outros visionários como os Beach Boys Brian Wilson para embelezar ainda mais suas gravações com mais instrumentação.
(também devemos afirmar aqui que nossa discussão sobre Spector como produtor de forma alguma ofusca suas ações mais tarde na vida que levaram à sua prisão por assassinato. No entanto, é impossível falar sobre a história da produção musical sem mencionar Spector e sua influência.)
os produtores desenvolvem seu som de assinatura
à medida que personalidades desproporcionais como Spector começaram a se destacar em suas gravações, prevaleceu a ideia de que certos produtores poderiam criar um “som” exclusivo. O artista pop Experimental Brian Eno se viu em demanda como produtor de outros artistas a partir de meados dos anos 70, depois que seus discos autoproduzidos ganharam popularidade.Enquanto muitos produtores ficaram com um ou dois gêneros com os quais se sentiam confortáveis (ou apenas um no caso de produtores de jazz como Rudy Van Gelder), outros procuraram se aventurar em qualquer gênero que desejassem. Tom Wilson saltou de gênero para Gênero, gravando artistas folclóricos como Bob Dylan, proto-punkers The Velvet Underground e avant-garde jazz Profeta Sun Ra, tudo apenas na década de 1960.
à medida que os maiores produtores musicais da música pop mainstream aumentavam seus sons com equipamentos de última geração, os inovadores também prosperaram em todo o mundo, fazendo due com tecnologia limitada. No final dos anos 60 Jamaica, por exemplo, os produtores fariam uma única cópia de uma nova música para testar sua comercialização. Essas cópias ficaram conhecidas como” dubs”, e logo os produtores estavam fazendo mixagens instrumentais da música para uso em clubes. Esta prática deu origem ao subgênero do reggae apropriadamente chamado de “dub music” nos anos 70.Na década de 1980, uma aparente reação à mentalidade” mais é mais ” do excesso de rock da década anterior estava em andamento, liderada por produtores como Rick Rubin e Steve Albini. Esses produtores se tornaram procurados por seus estilos de gravação minimalistas, com Albini em particular alegando que ele era apenas um engenheiro e simplesmente bateu “Record”. A popularidade desses produtores estava principalmente entre os gêneros mais novos ou “alternativos” com músicos mais jovens como metal, punk e hip-hop.
como os produtores de hip-hop são diferentes de outros gêneros
falando de hip-hop, devemos abordar uma diferenciação quando definimos “produção musical”: as técnicas de produção usadas no hip-hop, música eletrônica e outros gêneros de amostra e focados em batidas.
nesses gêneros, um produtor assume um papel muito mais ativo na criação da música do que em gêneros focados em instrumentos acústicos.Assim como o rock e o pop, certos produtores de rap têm seu próprio Som e acompanham personalidades maiores que a vida. Dr. Dre foi pioneira no som G-funk da costa oeste com suas linhas de baixo adequadamente funky e sintetizadores lamentando marca registrada.Ao mesmo tempo e do outro lado do país, RZA estava dotando o clã Wu-Tang e os projetos solo de seus membros com um som consideravelmente mais corajoso da Costa Leste composto por amostras de obscuros soul records e rasgos VHS lo-fi de filmes de artes marciais dos anos 70.
os produtores de Hip-hop criam os emcees instrumentais e depois rap, ao mesmo tempo que fornecem orientação ao emcee no estúdio. Eles criam essas batidas de algumas maneiras diferentes:
- Amostragem de alguns segundos de batidas de tambor (chamado de “breakbeats”) e/ou a melodia e outros ganchos de registros usando uma plataforma giratória e DAWs
- Criar suas próprias batidas com equipamentos como máquinas de ritmos, sintetizadores e DAWs para fazer a versão digital de instrumentos reais
- Gravação ao vivo real instrumentos
Eles combinam qualquer uma ou todas estas peças, juntamente com outros pequenos detalhes, tais como one-shots (um tempo único de notas, acordes ou outros efeitos de som usado para adicionar variação para um beat loop) em uma equipe coesa vencer usando a mesma mistura de produtores de software em outros gêneros usam. (Vamos cobrir todo esse software de engenharia mais adiante neste artigo.)
produtores e beatmakers de Hip-hop
às vezes, você também pode ver produtores de hip-hop chamados de ” beatmakers.”Embora possa certamente ser (e muitas vezes são) a mesma coisa, há uma distinção: um beatmaker só faz o instrumental.
Beatmakers trabalham por conta própria (ou em equipes), geralmente sem estar no estúdio com o emcee. Em contraste, um produtor de hip-hop não só pode criar os instrumentais, mas também treinar o emcee como eles estão se apresentando no estúdio e fornecer experiência em Engenharia.
produção musical na era digital
nos anos 90, as mulheres começaram a entrar na produção musical, com pioneiros como Sylvia Massy trabalhando em grandes discos de platina de bandas de rock como Tool, The Red Hot Chili Peppers e System of a Down.
os anos 90 também viram a crescente evolução da gravação digital e da engenharia passar da década anterior. Grandes álbuns como Paul Simon Graceland de 1986 foram gravados em fita analógica, mas transferidos e misturados em novos equipamentos chamados estação de trabalho de áudio digital (Daw). DAWs tornou-se padrão nos estúdios de gravação dos anos 90 e, nos anos 00, a grande maioria da produção musical tornou-se totalmente digital.
produção musical como composição
hoje, os produtores musicais geralmente são artistas e compositores, e o contrário também. As distinções anteriores foram quebradas.Como as ferramentas de produção de música eletrônica se tornaram onipresentes, mais músicas estão sendo escritas no momento. Eles são construídos a partir do zero como uma produção.
os ritmos, ganchos e outros elementos instrumentais são chamados de “The beat”, que ocupa o centro do palco no início do processo. Muitas vezes, um compositor de linha superior (ou produtor vocal) é então introduzido para criar melodias vocais, letras e harmonias.
o que eu preciso para gravar música em casa?Tudo o que a história nos traz até os dias atuais, onde os DAWs se uniram a avanços no poder da computação para tornar a produção musical DIY Acessível a praticamente qualquer pessoa determinada a fazer seu próprio disco de som profissional em casa.
mas não é apenas um software que você precisa. Se você está procurando gravar música em casa, aqui está uma lista de verificação das coisas que você precisa para começar:
1.) Computador: se você possui algum computador feito nos últimos anos, é provável que funcione para a produção musical. O componente chave que você está procurando é RAM. A maioria dos DAWs requer pelo menos 8 gigabytes de RAM, o que realmente não é muito para computadores novos (meu Macbook de 2015 tem 8 GB de RAM, para lhe dar uma ideia). Isso é memória suficiente para processar até 25 faixas de áudio com vários instrumentos e efeitos, o que é mais do que suficiente para todos, exceto os discípulos mais ambiciosos de Brian Wilson.
você também vai querer um disco rígido com pelo menos 256 a 500 gigabytes de armazenamento, que também é bastante padrão para computadores modernos. O grande espaço é armazenar seus arquivos de áudio, que serão descompactados, para que ocupem muito espaço. Os discos rígidos de Estado Sólido (SSDs) são melhores do que os discos reais para gravação e velocidade de leitura. SSD é muito mais acessível Agora do que era mesmo há alguns anos, por isso, se você está em um mercado para um novo computador para gravação em casa você não vai precisar gastar uma tonelada para o luxo adicional.
2.) DAW: este é o principal software que você estará executando no seu computador. Existem toneladas de DAWs com custos que variam de grátis a alguns milhares de dólares. Muitos oferecem assinaturas mensais com diferentes níveis, com níveis mais caros, obtendo acesso a mais funções.
dito isto, mesmo os níveis mais básicos da maioria dos DAWs oferecem gravação de 16 faixas e a maioria dos recursos que você precisa. E qualquer um dos populares vai funcionar bem desde que sejam compatíveis com o seu computador:
Audição
Cubase
Garageband
Live
Logic Pro
LUNA
Pro Tools
Razão
Sonar
Studio One
3.) Interface de áudio: são caixas físicas que se conectam à porta USB do seu computador e transformam sons analógicos (aqueles de uma voz ou instrumento) em sinais digitais. Eles geralmente custam algumas centenas de dólares e, como DAWs, têm principalmente as mesmas funções com pequenas diferenças no layout dos botões.
Aqui estão alguns dos melhores interfaces de áudio:
da audient iD4 MkII
SSL 2+
Focusrite Scarlett 4i4 3ª Geração
Universal Audio UAD Apollo Twin MkII
Native Instruments Komplete de Áudio 2
4.) Microfone: você precisa de algo para se conectar à sua interface de áudio e gravar sua música em. Felizmente, você pode comprar um microfone de estúdio de qualidade por menos de US $100. Existem dois tipos principais de microfones, dinâmicos e condensadores. Cada um tem seu próprio aplicativo preferido, então você vai querer selecionar um (ou ambos) dos seguintes de acordo com como você vai usá-lo:
microfones dinâmicos usam um diafragma magnético de bobina móvel. Eles são ótimos para tocar e gravar em shows ao vivo ou gravar instrumentos altos, como guitarras amplificadas e bateria. Kits de bateria são notoriamente difíceis de gravar com precisão.
Aqui estão os cinco melhores microfones dinâmicos por cerca de US $100, de acordo com MicReviews do site de entusiastas do microfone:
Audix i5
Shure SM57
Sennheiser e 835
sE Electronics V7
AKG D5
microfones de Condensador usar um condutor de diafragma que vibra com o som de pressão. Sua tecnologia os torna mais precisos do que microfones dinâmicos, então eles são perfeitos para gravação de precisão de instrumentos acústicos e vocais. Os microfones condensadores também requerem uma fonte de energia externa, pois operam na saída XLR, mas você já terá uma se comprou uma interface de áudio.
Aqui estão os cinco melhores microfones de condensador para cerca de us $100, de acordo com MicReviews:
Audio-Technica AT2020
AKG P120
sE Electronics Um X1
Rodou NT-Mini USB
Samson C01
Se o seu orçamento é um pouco maior, o estado-de-o-arte de microfones de condensador pode custar mais de us $1.000.
Aqui estão os cinco principais microfones condensadores por US $ 200 a US $1.000 de acordo com a Superstore de áudio Sweetwater:
United Studio Technologies ut FET47
Rode NTK
Mojave Audio MA-201FET
Austrian Audio OC18
Warm Audio WA-87
5.) Fones de ouvido: é assim que você faz referência ao que está gravando. Você vai querer um par de fones de ouvido analíticos fabricados especificamente para gravação. Procure termos como” referência”,” estúdio “ou” profissional ” ao fazer compras. O objetivo é que os telefones sejam o mais planos possível em sua resposta de frequência, para que sua reprodução seja uma representação honesta do que você gravou. Aprenda a escolher os melhores fones de ouvido.
você também pode usar Alto-falantes especiais para esse fim chamados monitores de estúdio, mas estes tendem a ser mais caros do que fones de ouvido. Eles também são muito mais altos, pois são alto-falantes reais, então não são ideais para morar em apartamentos.
posso gravar música no meu tablet?
se o seu espaço é realmente limitado, ou você está principalmente em movimento, ou se você apenas gosta da conveniência de gravação portátil para o seu equipamento principal ou um backup na estrada, você pode gravar música diretamente em um tablet.
avanços na tecnologia móvel levaram a dispositivos móveis como um iPad ser capaz de capturar áudio de qualidade com nada mais do que o próprio dispositivo, alguns componentes pós-mercado e aplicativos de áudio. Os Tablets normalmente têm algumas centenas de GB de armazenamento, e muitos têm um slot para cartão microSD para expandir isso salvando seus arquivos em cartões externos.
Aqui estão os três melhores tablets para gravação móvel:
iPad Pro
Microsoft Surface Pro 7
Samsung Galaxy Tab S7
assim como um computador, você vai precisar de uma interface de áudio para gravar música em seu tablet. O ik iRig parece ser o mais recomendado, e você geralmente pode encontrá-lo abaixo de US $50!
e assim como em um computador, você também precisará de um DAW para processar e editar o áudio em seu tablet. Estes são divididos entre iOS (Apple) e Android, então você vai querer procurar um compatível com o seu sistema operacional.
posso gravar música no meu smartphone?
se você está olhando para obter realmente portátil, você pode até gravar música em seu smartphone. Você nem precisa de mais equipamentos do que um iPhone ou Android e um aplicativo de áudio!
Dois populares de gravação de música apps para Android são:
Fácil Gravador de Voz
RecForge II
Dois a música popular gravação de aplicativos para iPhone são:
RØDE Repórter
Garageband
Se você quer melhorar a qualidade de gravação em seu smartphone, você pode comprar um desses microfones externos por menos de us $50:
Røde Microfones VideoMic
Dayton Audio iMM-6
Saramonic Mini SmartMic
Como faço para configurar um estúdio de gravação em casa?
então você tem todo o seu equipamento de áudio e você está pronto para começar a trabalhar. Mas primeiro você precisa encontrar uma sala adequada para gravar. Este vai ser o seu estúdio em casa.
você vai querer escolher o quarto para o seu estúdio em casa com sabedoria. Se você está em uma casa com um quarto de reposição, você está pronto! Mas se você estiver em um apartamento ou em algum lugar com espaço limitado, seu quarto pode inevitavelmente estar puxando o dever duplo como seu estúdio de gravação.
quartos (e realmente qualquer cômodo da casa) não são feitos para serem usados como um estúdio doméstico. Para converter sua sala de escolha em um ambiente de gravação adequado, você precisará fazer algo chamado tratamento acústico.
Como faço para tratar meu quarto para acústica?
seu objetivo na criação de tratamento acústico em seu estúdio doméstico é tornar o som do espaço o mais plano possível. Isso significa remover qualquer reverb por absorção acústica, então tudo o que resta é o som direto de seus instrumentos ou voz.
siga estes passos para remover qualquer reverb do seu home studio:
1.) A compra de três itens de tratamento acústico:
- armadilhas de Graves para absorver as baixas frequências
- painéis Acústicos para absorver médias/altas frequências
- Difusores de espalhar as restantes frequências
2.) Ande pelo seu quarto e bata palmas em todos os lugares em que puder ficar. Você está ouvindo sons de toque nítidos. Essa é uma acústica ruim, e eles realmente mexerão com sua mixagem de som. Se você estiver em um quarto padrão de quatro cantos com um teto de altura média, é provável que a acústica esteja do lado ruim.
3.) Use tratamento acústico para resolver os seguintes problemas acústicos:
- cantos. Coloque armadilhas de graves nos cantos do seu quarto. As armadilhas de graves são a peça mais importante do equipamento de tratamento acústico, e os cantos são especialmente problemáticos para a reverberação de graves. Colocar armadilhas de graves nos cantos elimina reflexos e consome qualquer excesso de graves que possam vazar em sua mistura.
- Windows. Coloque painéis acústicos nas janelas para fechá-los. O vidro reflete frequências muito brilhantes que podem causar problemas com sua mistura.
4.) Execute o teste de palmas enquanto coloca mais tratamento acústico até atingir o som desejado. Geralmente é uma reverb agradável e suave.
5.) Use Difusores para espalhar e controlar reflexos de som, se preferir mais reverb. Você pode combinar a colocação estratégica dos difusores com o material acústico do tratamento para obter a ambiência exata da sala que você gosta.
6.) Use um filtro de reflexão sobre o microfone se estiver gravando instrumentos acústicos como guitarras acústicas ou vocais. Os filtros de reflexão evitam que a acústica salte pelo seu espaço para que você obtenha uma gravação íntima em vez de um som disperso.
Como faço para realmente gravar minha música?
o processo de gravação — também conhecido como “rastreamento” – pode ser uma experiência muito pessoal e subjetiva.
onde você coloca os microfones, quais efeitos e processamento você usa, como você toma decisões ao longo do caminho — essas coisas serão diferentes de artista para artista e produtor para produtor.
o que soa ” bom ” ou “ruim” também depende bastante do seu gênero, por isso é mais difícil fazer recomendações específicas aqui. No entanto, o YouTube é uma mina de ouro de dicas de gravação e sugiro que você pesquise lá sempre que ficar preso.
com isso dito, eu tenho alguns conselhos gerais que irão ajudá-lo a permanecer produtivo, estabelecendo limites para si mesmo.
como melhorar suas gravações definindo limitações
em um espaço criativo, infinitas opções podem nos deixar loucos.
isso é especialmente verdadeiro com a gravação de música digital porque quase não há limite para o seu espaço de armazenamento. O tempo todo, se você é como um monte de artistas DIY, você não tem horas intermináveis para passar a gravação, então as restrições de tempo aumentam a pressão. Nesse ambiente, uma limitação pode ser a mesma coisa que o mantém São.
em outras palavras, vale a pena tomar decisões à medida que você avança.
você já viu as cinco obstruções? É um ótimo filme e uma ótima ilustração de como obstáculos arbitrários podem nos ajudar a nos concentrar e ultrapassar nossos movimentos habituais.
se você está prestes a abrir uma nova sessão em seu DAW, considere algumas dessas limitações criativas:
1.) Defina uma contagem máxima de faixas antes do início da sessão: não é incomum nos dias de hoje que as sessões de gravação tenham 100 faixas. Claro, se você está gravando o próximo single # 1 para Doja Cat e realmente precisa colocar 15 kick drums, vá em frente. Mas se você está apertando o tempo de gravação nos fins de semana, você realmente quer ter que vasculhar todas essas faixas toda vez que abrir sua sessão?
em vez disso, defina uma regra para você: nenhuma música deste álbum terá mais de x faixas. Pode ser 4, 8, 16, 24,… tanto faz. (Mas se sua sessão está ocupando mais de 24 faixas, você não está exatamente se limitando, não é?)
então coloque seu chapéu mínimo. Isso vai forçá-lo a ferver as coisas até o essencial, e economizar muito tempo e se preocupar quando você chegar ao estágio de mistura.
Dica: Se você está se aproximando do limite da faixa e ainda precisa de espaço para um kick drum extra, talvez você possa enviar o quarteto de cordas ou os seis backing vocals para uma faixa estéreo. O que nos leva a…
2.) Submix, submix, submix: se você estiver trabalhando com um agrupamento de instrumentos que todos pertencem ao mesmo universo, crie um submix desse agrupamento (cordas com cordas, latão com latão, vocais de fundo com vocais de fundo, bateria com bateria, etc.). Depois de obter a mistura certa para cada agrupamento, imprima-a em fita adesiva (ou salve no computador) e comprometa-se com ela! Novamente, esse movimento economizará tempo e estresse quando se trata de mixagem e abrirá mais faixas se você precisar adicionar mais instrumentos.
dica: se você está realmente adivinhando seus submixes quando chega a hora de criar a mixagem final, você sempre pode voltar para sua sessão (a menos que esteja gravando analógico!) e criar uma nova mistura. Embora isso meio que Derrote todo o propósito de submixar em primeiro lugar.
3.) Definir regras para instrumentação e paleta sonora: Antes de iniciar uma sessão de gravação, decida quais instrumentos serão usados, quais efeitos, quais amostras, quais sons… e cumpri-lo para todo o projeto sem introduzir quaisquer outros elementos. Talvez você queira que todos os tambores sejam um vintage 808, mas com um verdadeiro agitador e pandeiro. Grande. Parece fixe. Mas você não pode adicionar laço real ou pratos mais tarde! Talvez você queira usar um telecaster de som limpo com alguns atrasos. Querido! Proíba-se de usar qualquer tipo de pedal de distorção para todo o álbum e confie apenas no amplificador para crunch. Ao definir essas regras básicas, você fica mais criativo com os instrumentos que está usando (para diversificar as músicas em todo o álbum) e acaba dando uma coesão ao projeto como um todo. Esses tipos de limitações são muitas vezes o que dá grandes álbuns uma certa “sensação.”
4.) Dê a si mesmo uma quantidade finita de tomadas por parte: Nada é pior do que ouvir 20 solos de guitarra para encontrar os momentos mágicos de cada um que podem ser combinados. Voltron faixas são para suckas! Não seja um robô. Seja um humano. Diga a si mesmo: “eu vou pregar este solo de guitarra em 3 tomadas. Se não o fizer, vou passar para outra coisa e voltar mais tarde.”Então, se você não conseguir algo que pareça certo, exclua essas faixas. Comece de novo amanhã.
5.) Deixe algo de fora: Às vezes, uma música pode assumir uma vida totalmente nova quando você remove um elemento que antes considerava crucial para o arranjo geral. E se você removesse o synth pad de sua última música de hip-hop e confiasse no loop de bateria, baixo e amostras para fazer o trabalho? E se o seu violão, acordeão e canção de ninar de violoncelo fosse realmente mais interessante sem o violão? Experimente remover coisas. Dê à música algum espaço para respirar. Você pode achar que menos é mais.
6.) Comprometer-se com efeitos: você gosta da maneira como algo soa enquanto está sendo tratado no monitoramento? Talvez você esteja cantando com alguma reverb e sua performance vocal responda a esse efeito. Talvez você tenha um som de sintetizador com um pouco de sujeira e pareça emocionante. Grande. Imprime! Coloque-o em pedra e siga em frente. Novamente, a mistura acontecerá muito mais rápido quando você tiver menos decisões a tomar.
Como faço para misturar minha música?
depois de gravar todas as faixas da sua música, o próximo passo é misturá-las todas. Isso resulta no que é chamado de mixdown, que é o produto final de todas as diferentes faixas de uma música juntas.
por que você deve misturar sua própria música? Porque a mixagem de áudio é uma parte essencial da produção musical e aprender como fazê-lo fará de você um artista indie mais autossuficiente.
embora possa ficar um pouco técnico, existem algumas etapas básicas que qualquer aspirante a auto-produtor deve seguir para evitar erros durante a mistura:
1.) Escolha o seu DAW: já recomendamos alguns DAWs para gravação em casa. Eles não são usados apenas para gravar, mas também para misturar. Depois de decidir sobre um DAW, fique com ele e aprenda todos os seus meandros para se tornar proficiente com seus recursos de mistura.
2.) Configure sua sessão de mixagem: Você pode usar um modelo predefinido em seu DAW para isso. Esses modelos tendem a ser voltados para gêneros específicos, como rock ou acústico, e eles definem a ordem da mixagem de faixas de acordo. Você também pode criar seu próprio modelo de mixagem que atenda às suas necessidades.
3.) Certifique-se de que suas faixas sejam nomeadas com precisão: nomear faixas de áudio por descritores simples como “vocais principais” e “violão” tornará a localização delas enquanto mistura muito mais fácil.
4.) Código de cores suas faixas por instrumento: Use seu DAW para escolher cores para suas faixas por qual instrumento elas pertencem. Se você tiver três faixas de guitarra rítmica em sua música, codifique-as da mesma cor para que você possa localizá-las rapidamente.
5.) Combine suas faixas de instrumentos com um” ônibus”: isso tornará o processamento de suas faixas mais eficaz e criará uma sensação de unidade. Por exemplo, brincando com o processamento de efeitos de todas as suas faixas vocais juntas para torná-las equilibradas na mistura.
6.) Nível-combine suas faixas: equilibre os níveis para todas as suas faixas. Aproveite o tempo para aumentar ou diminuir os níveis de cada faixa em sua mistura ao longo da música para adicionar emoção, calma e qualquer outra emoção onde você quiser.
7.) Use estéreo para sua vantagem com panning: há uma razão mix estéreo ultrapassou mono décadas atrás. Você pode deslocar as faixas para os canais esquerdo ou direito em sua mistura para alcançar o efeito desejado para o ouvinte. Tocar uma guitarra rítmica de um lado e a liderança do outro torna uma música mais interessante e dá uma sensação de espaço na mixagem. Também dá a impressão de que uma banda completa está tocando juntos em uma sala, mesmo que não seja.
8.) Processe suas faixas com os seguintes efeitos:
Equalizador (EQ), que é o equilíbrio de frequências em uma faixa específica. Passe por cada faixa individual e EQ-lo ao seu gosto.
compressão, que aumenta ou diminui a faixa dinâmica de uma faixa. Seu objetivo é obter uma mistura uniforme onde nada se perde ou é estridente. Só não faça tudo até o ponto em que está tudo alto, ou sua faixa se tornará outra vítima da guerra do volume.
Reverb, que é o reflexo das ondas sonoras. Você já controlou alguma reverb quando fez tratamento acústico em seu estúdio doméstico. Se você achatou completamente a resposta de frequência, pode colocar artificialmente o reverb de volta em sua mistura em seu DAW. E se você aconteceu com a quantidade desejada de reverb natural através de uma colocação perfeita de tratamento acústico e difusores em seu estúdio em casa, então parabéns, você está feito com efeitos!
9.) Compartilhe seu processo com outros colaboradores: Se você está em uma banda ou está trabalhando com colaboradores, é provável que esse processo seja mais democracia do que ditadura. Mesmo se você for nomeado responsável pela engenharia, compartilhe os arquivos enquanto os mistura com seus colaboradores por meio do Notetracks.
termine sua gravação com masterização
depois de rastrear sua música e misturar todas as faixas na mixagem final, sua música está 99% concluída. Mas ainda há mais uma etapa a ser concluída antes que sua gravação esteja pronta para lançamento:
você precisa dominar sua gravação.
masterização de música é o passo final no processo de gravação. Durante a masterização, tratamentos de áudio adicionais são aplicados à sua mixagem para corrigir frequências problemáticas e melhorar a musicalidade da sua faixa.
Como faço para dominar minha música?
existem algumas maneiras de dominar sua música:
- você pode contratar um engenheiro de masterização. São especialistas que ouvem o mix final e ajustam o volume geral. Se necessário, eles também adicionam efeitos de pós-produção ou compactação adicional. Os engenheiros de masterização geralmente cobram cerca de US $50 a US $100 por retoques menores e US $150 ou mais por música para tratamento de serviço completo.
- você pode usar o CloudBounce, um programa de masterização automatizado que funciona diretamente na sua conta CD Baby! CloudBounce usa um algoritmo controlado por configurações que você seleciona para ajustar os níveis de sua mistura e criar um mestre final. Masterização com CloudBounce custa apenas US $ 9,90 por música. Embora não seja tão exato quanto um ajuste fino humano real a cada pequeno detalhe de sua faixa, é muito mais barato e rápido. Se você já descobriu seu mixdown e só precisa de alguma correspondência de nível antes de distribuir sua música, CloudBounce é o caminho a percorrer.
solte sua música
agora que seu mixdown se tornou seu mestre final, sua música está pronta para lançamento. Parabéns! É hora de apresentar sua música ao mundo.
CD Baby distribui música para mais de 150 plataformas digitais e monetiza sua música em mídias sociais e plataformas de vídeo para que você seja pago de todos os lugares em que sua música é reproduzida.
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