Cómo Grabar y Producir Música en casa
¿Está tratando de producir música de calidad desde un estudio de grabación doméstico? Has elegido el momento perfecto! De Billie Eilish Cuando Todos Nos Durmamos, ¿A Dónde Vamos?, para la colaboración de fans de Charlie XCX, how i’m feeling now, para el folclore de Taylor Swift, se han grabado varios lanzamientos exitosos fuera de un estudio tradicional.
Pero esos álbumes todavía se hicieron con el respaldo y los beneficios financieros de un sello importante. ¿Qué hay de alguien que no tiene unos pocos cientos de miles de dólares para instalar un estudio de grabación de vanguardia en su casa? ¿O quién no puede contratar al productor más demandado? ¿O quién ni siquiera tiene un micrófono caro?
¿Cómo puede producir un disco de gran sonido sin dirigirse a un estudio profesional y sin sumergirse en sus ahorros? Te mostraremos cómo hacerlo en este artículo. Pero primero vamos a tener un poco de contexto sobre lo que significa «producir» música.
¿Qué es la producción musical?
Aquí está la respuesta corta: La producción musical es el proceso de capturar ondas de sonido analógicas en un medio reproducible a través de un dispositivo de grabación. La persona que se especializa en capturar estas grabaciones se llama productor musical. Supervisan el proceso de grabación y tratan de hacer que la música suene lo mejor posible mientras trabajan con los músicos para hacer realidad su visión artística.
En los últimos 120 años de historia de la música grabada, el alcance de la participación de un productor musical ha cambiado a medida que la tecnología ha avanzado y las tendencias estilísticas han ido y venido.
Veamos cómo la tecnología y las tendencias han evolucionado remontándose a los orígenes de la música grabada.
Los inicios de la producción musical
A finales del siglo XIX, la música se cortaba directamente en un cilindro, generalmente hecho de aluminio, por una máquina llamada fonógrafo. En ese momento, un productor (un término que ni siquiera se había inventado todavía) era simplemente quien estaba presente para operar la maquinaria. Las tareas de producción, como eran, no eran más que saber cómo trabajar el equipo para que el artista pudiera grabar su rendimiento.
Esta especialización limitada continuó a través de las primeras partes del siglo XX con la adopción de la industria musical del gramófono para la grabación y el disco maestro de cera como medio. En este momento, toda la música se grababa en vivo; no necesariamente frente a un público, sino con actuaciones de una sola toma. Esta limitación significaba que un error obligó a que toda la grabación se desechara y se reiniciara desde cero.
La cinta magnética facilita la producción musical
La cinta magnética hizo su debut en la Segunda Guerra Mundial cuando los ingenieros de audio aliados monitorearon transmisiones de radio alemanas y descubrieron que de alguna manera estaban siendo pregrabadas en lugar de dictadas en vivo. Después de la guerra, los ingenieros de audio estadounidenses descubrieron el nuevo medio y lo trajeron de vuelta para su uso en grabaciones comerciales.
En la década de 1950, la cinta magnética había suplantado a los discos de grabación en la primera revolución en la historia de la música grabada. La mayor ventaja de la cinta sobre las grabaciones de gramófono era su capacidad de ser empalmada a partir de múltiples tomas de grabación, un proceso conocido como «edición».»
Ya no sería necesario desechar una grabación completa debido a un flub. No solo eso, sino que los miembros de la banda podían grabar sus partes individuales por separado en lugar de todas juntas en el estudio. Los músicos podían grabar varias tomas y editarlas juntas para obtener la versión preferida.
El productor musical como director creativo
La mayor flexibilidad de la grabación en cinta magnética llevó al verdadero nacimiento del productor de discos moderno; es decir, alguien que no solo opera la maquinaria de grabación, sino que también proporciona orientación creativa y artística en las actuaciones, arreglos e incluso composición de canciones. La entrada de un productor comienza a afectar cómo suena la grabación final desde algo más que un simple punto de vista técnico.
En los años 60, productores como George Martin con The Beatles y Phil Spector con artistas de R& B como the Ronettes e Ike y Tina Turner popularizaron la idea del productor discográfico como una parte esencial del proceso de grabación. Spector, en particular, fue pionero en el uso del estudio de grabación como instrumento propio con su estilo de producción «Wall of Sound»; un enfoque orquestal denso de la música pop que influyó en otros visionarios como Brian Wilson de The Beach Boys para embellecer aún más sus grabaciones con más instrumentación.
(También debemos afirmar aquí que nuestra discusión de Spector como productor de ninguna manera eclipsa sus acciones posteriores en la vida que lo llevaron a su encarcelamiento por asesinato. Sin embargo, es imposible hablar de la historia de la producción musical sin mencionar a Spector y su influencia.)
Los productores desarrollan su sonido distintivo
A medida que personalidades de gran tamaño como Spector comenzaron a asomarse más sobre sus grabaciones, la idea de que ciertos productores podrían crear un «sonido» distintivo se hizo prevalente. El artista pop experimental Brian Eno se vio a sí mismo en demanda como productor de otros artistas a partir de mediados de los años 70 después de que sus discos de producción propia ganaran popularidad.
Mientras que muchos productores se quedaron con uno o dos géneros con los que se sentían cómodos (o solo uno en el caso de los productores de jazz como Rudy Van Gelder), otros buscaron aventurarse en cualquier género que les agradara. Tom Wilson saltó de género en género, grabando artistas folk como Bob Dylan, proto-punkers the Velvet Underground y el profeta del jazz vanguardista Sun Ra, todo solo en la década de 1960.
A medida que los productores de música más grandes en la música pop convencional crecieron sus sonidos con equipos de última generación, los innovadores también prosperaron en todo el mundo al aprovechar la tecnología limitada. A finales de los años 60 en Jamaica, por ejemplo, los productores hacían una sola copia de una nueva canción para probar su comerciabilidad. Esas copias se conocieron como» dubs», y pronto los productores hicieron mezclas instrumentales de la canción para su uso en clubes. Esta práctica dio origen al subgénero del reggae apropiadamente llamado «música dub» en los años 70.
En la década de 1980, una aparente reacción a la mentalidad de «más es más» del exceso de rock de la década anterior estaba en marcha, dirigida por productores como Rick Rubin y Steve Albini. Estos productores se convirtieron en buscados por sus estilos de grabación minimalistas, con Albini en particular afirmando que era solo un ingeniero y simplemente golpeó «Record». La popularidad de estos productores fue principalmente entre los géneros más nuevos o «alternativos» con músicos más jóvenes como el metal, el punk y el hip-hop.
Cómo los productores de hip-hop son diferentes de otros géneros
Hablando de hip-hop, debemos abordar una diferenciación cuando definimos «producción musical»: las técnicas de producción utilizadas en el hip-hop, la música electrónica y otros géneros centrados en muestras y ritmos.
En estos géneros, un productor toma un papel mucho más activo en la creación de la música que en los géneros enfocados en instrumentos acústicos.
Al igual que con el rock y el pop, ciertos productores de rap tienen su propio sonido y acompañan a personalidades más grandes que la vida. Dr. Dre fue pionero en el sonido G-funk de la Costa Oeste con sus líneas de bajo adecuadamente funky y sintetizadores llorones característicos.
Al mismo tiempo y en el otro lado del país, RZA estaba dotando a Wu-Tang Clan y sus proyectos en solitario de sus miembros con un sonido considerablemente más arenoso de la Costa Este compuesto de samples de oscuros registros de soul y lo-fi VHS de películas de artes marciales de los 70.
Los productores de hip-hop crean los maestros de ceremonias instrumentales y luego rap, al tiempo que brindan orientación al maestro de ceremonias en el estudio. Crean estos ritmos de varias maneras diferentes:
- Muestreo de unos segundos de ritmos de batería (llamados «breakbeats») y/o melodía y otros ganchos de registros utilizando un plato giratorio y DAWs
- Crear sus propios ritmos con equipos como cajas de ritmos, sintetizadores y DAWs para hacer una versión digital de instrumentos reales
- Grabar instrumentos reales en vivo
Combinan cualquiera o todas estas piezas juntas con otros pequeños toques, como un solo disparo (notas únicas de una sola vez, acordes u otros efectos de sonido utilizados para agregar variación a un bucle de compás) en un ritmo cohesivo utilizando los mismos productores de software de mezcla en otros géneros de uso. (Cubriremos todo ese software de ingeniería más adelante en este artículo.)
Productores de hip-hop y beatmakers
Es posible que a veces también vea a los productores de hip-hop referidos como «beatmakers».»Aunque ciertamente puede ser (y a menudo es) lo mismo, hay una distinción: un beatmaker solo hace lo instrumental.
Los beatmakers trabajan por su cuenta (o en equipo), generalmente sin estar en el estudio con el maestro de ceremonias. En contraste, un productor de hip-hop no solo puede crear los instrumentales, sino también entrenar al maestro de ceremonias mientras actúan en el estudio y proporcionar experiencia en ingeniería.
Producción musical en la era digital
En los años 90, las mujeres habían comenzado a entrar en la producción musical, con pioneros como Sylvia Massy trabajando en discos de platino de bandas de rock como Tool, the Red Hot Chili Peppers y System of a Down.
Los años 90 también vieron la creciente evolución de la grabación digital y el arrastre de ingeniería de la década anterior. Grandes álbumes como Graceland de Paul Simon de 1986 se grabaron en cinta analógica, pero se transfirieron y mezclaron en un nuevo equipo llamado digital audio workstation (DAW). DAWs se convirtió en estándar en los estudios de grabación de los años 90, y en los años 00 la gran mayoría de la producción musical se convirtió en completamente digital.
Producción musical COMO composición
Hoy en día, los productores de música a menudo SON artistas y compositores, y al revés también. Las distinciones anteriores se han roto.
A medida que las herramientas de producción de música electrónica se han vuelto omnipresentes, se están escribiendo más canciones en este momento. Se construyen desde cero como una producción.
Los ritmos, ganchos y otros elementos instrumentales se conocen como «el ritmo», que toma el centro del escenario al principio del proceso. A menudo, se presenta a un compositor (o productor vocal) de línea superior para crear melodías vocales, letras y armonías.
¿Qué necesito para grabar música en casa?
Toda esa historia nos lleva a la actualidad, donde los DAWs se han unido a los avances en la potencia informática para hacer que la producción musical de bricolaje sea accesible para casi cualquier persona decidida a hacer su propio disco de sonido profesional en casa.
Pero no solo necesitará software. Si estás buscando grabar música en casa, aquí tienes una lista de las cosas que necesitarás para empezar:
1.) Ordenador: Si tienes un ordenador fabricado en los últimos años, lo más probable es que funcione para la producción musical. El componente clave que está buscando es RAM. La mayoría de los DAWs requieren al menos 8 gigabytes de RAM, lo que en realidad no es mucho para computadoras nuevas (mi Macbook de 2015 tiene 8 GB de RAM, para darte una idea). Es suficiente memoria para procesar hasta 25 pistas de audio con múltiples instrumentos y efectos, lo que es más que suficiente para todos, excepto para los discípulos más ambiciosos de Brian Wilson.
También querrá un disco duro con al menos 256 a 500 gigabytes de almacenamiento, que también es bastante estándar para las computadoras modernas. El gran espacio es para almacenar sus archivos de audio, que no se comprimirán, por lo que ocuparán mucho espacio. Los discos duros de estado sólido (SSD) son mejores que los discos reales para la velocidad de escritura y lectura. SSD es mucho más asequible ahora de lo que era incluso hace unos años, por lo que si está buscando un nuevo ordenador para grabar en casa, no necesitará gastar una tonelada para el lujo adicional.
2.) DAW: Este es el software principal que ejecutarás en tu computadora. Hay toneladas de DAWs con costos que van desde gratis hasta unos pocos miles de dólares. Muchos ofrecen suscripciones mensuales con diferentes niveles, con niveles más caros que le permiten acceder a más funciones.
Dicho esto, incluso los niveles más básicos de la mayoría de los DAWs ofrecen grabación de 16 pistas y la mayoría de las funciones que necesitará. Y alguno de los más populares funcionará bien siempre y cuando sean compatibles con su equipo:
Audition
Cubase
Garageband
Live
Logic Pro
LUNA
Pro Tools
Razón
Sonar
Studio One
3.) Interfaz de audio: Estas son cajas físicas que se conectan al puerto USB de su computadora y convierten los sonidos analógicos (los de una voz o un instrumento) en señales digitales. Por lo general, cuestan unos pocos cientos de dólares y, al igual que los DAWs, en su mayoría tienen las mismas funciones con pequeñas diferencias en el diseño de los botones.
Aquí están algunas de las interfaces de audio mejor valoradas:
Audient iD4 MkII
SSL 2+
Focusrite Scarlett 4i4 3rd Gen
Universal Audio UAD Apollo Twin MkII
Native Instruments Komplete Audio 2
4. Micrófono: Necesita algo para conectarse a su interfaz de audio y grabar su música. Afortunadamente, puedes comprar un micrófono de estudio de calidad por menos de $100. Hay dos tipos principales de micrófonos dinámicos y de condensador. Cada uno tiene su propia aplicación preferida, por lo que querrá seleccionar una (o ambas) de las siguientes de acuerdo con cómo la va a usar:
Los micrófonos dinámicos usan un diafragma magnético de bobina móvil. Son excelentes para tocar y grabar en conciertos en vivo o grabar instrumentos fuertes como guitarras amplificadas y baterías. Los kits de batería son notoriamente difíciles de grabar con precisión.
Aquí están los cinco mejores micrófonos dinámicos por alrededor de $100 según el sitio de entusiastas de micrófonos MicReviews:
Audix i5
Shure SM57
Sennheiser e 835
SE Electronics V7
AKG D5
Los micrófonos de condensador utilizan un diafragma conductor que vibra con presión de sonido. Su tecnología los hace más precisos que los micrófonos dinámicos, por lo que son perfectos para la grabación de precisión de instrumentos acústicos y voces. Los micrófonos de condensador también requieren una fuente de alimentación externa, ya que funcionan con salida XLR, pero ya tendrá uno si compró una interfaz de audio.
Aquí están los cinco mejores micrófonos de condensador por alrededor de $100, también de acuerdo con MicReviews:
Audio-Technica AT2020
AKG P120
SE Electronics X1 A
Rode NT-USB Mini
Samson C01
Si su presupuesto es un poco más alto, los micrófonos de condensador de última generación pueden costar más de $1,000.
Aquí están los cinco mejores micrófonos de condensador por $200 a 1 1,000 según audio superstore Sweetwater:
United Studio Technologies UT FET47
Rode NTK
Mojave Audio MA-201fet
Austrian Audio OC18
Warm Audio WA-87
5. Auriculares: Así es como haces referencia a lo que estás grabando. Querrás un par de auriculares analíticos fabricados específicamente para grabar. Busque términos como» referencia»,» estudio «o» profesional » al comprar. El objetivo es que los teléfonos sean lo más planos posible en su respuesta de frecuencia para que su reproducción sea una representación honesta de lo que ha grabado. Aprende a elegir los mejores auriculares.
También puede usar altavoces especiales para este propósito, llamados monitores de estudio, pero estos tienden a ser más caros que los auriculares. También son mucho más fuertes, ya que son altavoces reales, por lo que no son ideales para vivir en un apartamento.
¿Puedo grabar música en mi tableta?
Si su espacio es realmente limitado, o está en su mayoría en movimiento, o si simplemente le gusta la comodidad de la grabación portátil, ya sea para su equipo principal o una copia de seguridad en la carretera, puede grabar música directamente en una tableta.
Los avances en la tecnología móvil han llevado a que dispositivos móviles como un iPad puedan capturar audio de calidad con nada más que el propio dispositivo, algunos componentes de posventa y aplicaciones de audio. Las tabletas normalmente tienen unos pocos cientos de GB de almacenamiento, y muchas tienen una ranura para tarjetas microSD para expandirlo guardando sus archivos en tarjetas externas.
Aquí están las tres mejores tabletas para grabación móvil:
iPad Pro
Microsoft Surface Pro 7
Samsung Galaxy Tab S7
Al igual que con un ordenador, necesitarás una interfaz de audio para grabar música en tu tablet. El IK iRig parece ser el más recomendado, y por lo general se puede encontrar por debajo de 5 50!
Y al igual que en una computadora, también necesitará un DAW para procesar y editar el audio en su tableta. Estos se dividen entre iOS (Apple) y Android, por lo que querrá buscar uno compatible con su sistema operativo.
¿Puedo grabar música en mi smartphone?
Si estás buscando ser realmente portátil, incluso puedes grabar música en tu teléfono inteligente. ¡Ni siquiera necesitas más equipo que un iPhone o Android y una aplicación de audio!
Dos aplicaciones populares de grabación de música para Android son:
Grabadora de voz fácil
RecForge II
Dos aplicaciones populares de grabación de música para iPhone son:
RØDE Reporter
Garageband
Si desea mejorar la calidad de grabación en su teléfono inteligente, puede comprar uno de estos micrófonos externos por menos de 5 50:
Micrófonos RØDE VideoMic
Dayton Audio iMM-6
Saramonic Mini SmartMic
¿Cómo configuro un estudio de grabación en casa?
Para que tengas todo tu equipo de audio y estés listo para ponerte a trabajar. Pero primero necesitas encontrar una habitación adecuada para grabar. Este va a ser tu estudio casero.
Usted querrá elegir la habitación para su estudio en casa sabiamente. Si estás en una casa con una habitación libre, ¡listo! Pero si estás en un apartamento o en algún lugar con espacio limitado, es posible que tu dormitorio esté haciendo una doble tarea como estudio de grabación.
Los dormitorios (y en realidad cualquier habitación de la casa) no están hechos para ser utilizados como estudio doméstico. Para convertir la habitación de su elección en un entorno de grabación adecuado, deberá hacer algo llamado tratamiento acústico.
¿Cómo trato mi habitación para la acústica?
Su objetivo al configurar el tratamiento acústico en su estudio doméstico es hacer que el sonido del espacio sea lo más plano posible. Eso significa eliminar cualquier reverberación por absorción acústica, por lo que todo lo que queda es el sonido directo de sus instrumentos o voz.
Siga estos pasos para eliminar cualquier reverberación de su estudio doméstico:
1.) Compre los tres artículos de tratamiento acústico:
- Trampas de graves para absorber frecuencias bajas
- Paneles acústicos para absorber frecuencias medias / altas
- Difusores para dispersar las frecuencias restantes
2. Camina por tu habitación y aplaude en cada lugar en el que puedas pararte. Estás escuchando sonidos de timbre agudos. Esas son malas acústicas, y realmente arruinarán tu mezcla de sonido. Si se encuentra en una habitación estándar de cuatro esquinas con un techo de altura media, es probable que la acústica sea pobre.
3.) Utilice el tratamiento acústico para resolver los siguientes problemas acústicos:
- Esquinas. Coloque trampas para graves en las esquinas de su habitación. Las trampas de graves son la pieza más importante del equipo de tratamiento acústico, y las esquinas son especialmente problemáticas para la reverberación de graves. Colocar trampas de graves en las esquinas elimina los reflejos y consume cualquier exceso de graves que pueda filtrarse en la mezcla.
- Windows. Coloque paneles acústicos en las ventanas para cerrarlas. El vidrio refleja frecuencias muy brillantes que pueden causar problemas con su mezcla.
4.) Realice la prueba de clap a medida que coloca más tratamiento acústico hasta lograr el sonido deseado. Por lo general, es una reverberación agradable y suave.
5.) Utilice difusores para dispersar y controlar los reflejos de sonido si prefiere más reverberación. Puede combinar la colocación estratégica de difusores con material de tratamiento acústico para obtener el ambiente de habitación exacto que desee.
6.) Utilice un filtro de reflexión sobre el micrófono si está grabando instrumentos acústicos como guitarras acústicas o voces. Los filtros de reflexión evitan que la acústica rebote alrededor de su espacio para que obtenga una grabación íntima en lugar de un sonido disperso.
¿Cómo grabo realmente mi música?
El proceso de grabación, también conocido como» seguimiento», puede ser una experiencia muy personal y subjetiva.
Dónde colocas los micrófonos, qué efectos y procesamiento usas, cómo tomas decisiones en el camino, esas cosas diferirán de artista a artista y de productor a productor.
Lo que suena «bueno » o» malo » también depende bastante de tu género, por lo que es más difícil hacer recomendaciones específicas aquí. Sin embargo, YouTube es una mina de oro de consejos de grabación y le sugiero que busque allí cada vez que se quede atascado.
Dicho esto, tengo algunos consejos generales que lo ayudarán a mantenerse productivo al establecer límites para usted mismo.
Cómo mejorar tus grabaciones estableciendo limitaciones
En un espacio creativo, un sinfín de opciones pueden volvernos locos.
Esto es especialmente cierto con la grabación de música digital porque casi no hay límite en el espacio de almacenamiento. Mientras tanto, si eres como muchos artistas de bricolaje, no tienes interminables horas para grabar, por lo que las restricciones de tiempo aumentan la presión. En este entorno, una limitación puede ser lo que te mantiene cuerdo.
En otras palabras, vale la pena tomar decisiones sobre la marcha.
¿Alguna vez ha visto Las Cinco Obstrucciones? Es una gran película, y una gran ilustración de cómo los obstáculos arbitrarios pueden ayudarnos a enfocarnos e ir más allá de nuestros movimientos habituales.
Si estás a punto de abrir una nueva sesión en tu DAW, considera algunas de estas limitaciones creativas:
1.) Establezca un número máximo de pistas antes de que comience la sesión: No es raro en estos días que las sesiones de grabación tengan 100 pistas. Claro, si estás grabando el próximo sencillo #1 para Doja Cat y realmente necesitas poner 15 bombos, adelante. Pero si estás exprimiendo el tiempo de grabación los fines de semana, ¿realmente quieres tener que examinar todas esas pistas cada vez que abres tu sesión?
En su lugar, establezca una regla para usted mismo: ninguna canción de este álbum tendrá más de X pistas. Podría ser 4, 8, 16, 24, whatever lo que sea. (Pero si tu sesión ocupa más de 24 pistas, no te estás limitando exactamente, ¿verdad?)
Así que ponte el sombrero mínimo. Te obligará a reducir las cosas a lo esencial, y te ahorrará mucho tiempo y preocupaciones cuando llegues a la etapa de mezcla.
Sugerencia: si te estás acercando al límite de pistas y aún necesitas espacio para un bombo extra, tal vez puedas submezclar el cuarteto de cuerdas o los seis coros en una pista estéreo. Lo que nos lleva a…
2. Submezcla, submezcla, submezcla: Si está trabajando con una agrupación de instrumentos que pertenecen al mismo universo, cree una submezcla de esa agrupación (cuerdas con cuerdas, latón con latón, coros con coros, tambores con tambores, etc.).). Una vez que tenga la mezcla correcta para cada agrupación, imprímala en cinta (o guárdela en la computadora) y comprométase con ella. Una vez más, este movimiento le ahorrará tiempo y estrés a la hora de mezclar, y abrirá más pistas si necesita agregar más instrumentos.
Pista: si realmente estás dudando de tus submezclas a la hora de crear la mezcla final, siempre puedes volver a tu sesión (¡a menos que estés grabando de forma analógica!) y crear una nueva mezcla. Aunque eso derrota el propósito de la submezcla en primer lugar.
3.) Establece reglas para la instrumentación y la paleta sonora: Antes de comenzar una sesión de grabación, decide qué instrumentos se utilizarán, qué efectos, qué samples, qué sonidos without y apégate a ellos durante todo el proyecto sin introducir ningún otro elemento. Tal vez quieras que todos los tambores sean un vintage 808, pero con una verdadera coctelera y pandereta. Gran. Suena cool. ¡Pero no puedes agregar verdadera caja o platillos más tarde! Tal vez quieras usar una telecaster de sonido limpio con algunos retrasos. ¡Órale! Prohibirte usar cualquier tipo de pedal de distorsión para todo el álbum, y confiar únicamente en el amplificador para crujir. Al establecer estas reglas básicas, te vuelves más creativo con los instrumentos que estás usando (para diversificar las canciones a lo largo del álbum), Y terminas dando cohesión al proyecto en su conjunto. Este tipo de limitaciones son a menudo lo que da a los grandes álbumes una cierta sensación.»
4.) Date una cantidad finita de tomas por pieza: Nada es peor que volver a escuchar 20 solos de guitarra para encontrar los momentos mágicos de cada uno que se pueden compaginar juntos. ¡Las huellas de Voltron son para tontos! No seas un robot. Sé un humano. Di a ti mismo ,»Voy a clavar este solo de guitarra en 3 tomas. Si no lo hago, pasaré a otra cosa y volveré más tarde.»Luego, si no obtienes algo que suene bien, borra esas pistas. Empieza de nuevo mañana.
5.) Deja algo fuera: A veces, una canción puede tomar una vida completamente nueva cuando eliminas un elemento que habías pensado que era crucial para el arreglo general. ¿Qué pasaría si eliminaras el sintetizador de tu última canción de hip-hop y confiaras en el loop de batería, el bajo y las muestras para hacer el trabajo? ¿Y si tu guitarra acústica, acordeón y canción de cuna para violonchelo fueran más interesantes sin la guitarra acústica? Experimenta con la eliminación de cosas. Dale a la canción un poco de espacio para respirar. Puede que descubras que menos es más.
6.) Comprometerse con los efectos: ¿Te gusta la forma en que suena algo mientras se está tratando en el monitoreo? Tal vez estés cantando con algo de reverberación y tu interpretación vocal responda a ese efecto. Tal vez tengas un sonido de sintetizador con algo de suciedad y se sienta emocionante. Gran. ¡Imprímelo! Ponlo en piedra y muévete. Una vez más, la mezcla ocurrirá mucho más rápido cuando tenga menos decisiones que tomar.
¿Cómo mezclo mi música?
Después de haber grabado todas las pistas de tu canción, el siguiente paso es mezclarlas todas juntas. Esto da como resultado lo que se llama una mezcla, que es el producto final de todas las diferentes pistas de una canción juntas.
¿Por qué deberías mezclar tu propia música? Porque la mezcla de audio es una parte esencial de la producción musical y aprender a hacerlo te convertirá en un artista independiente más autosuficiente.
Si bien puede ser un poco técnico, hay algunos pasos básicos que cualquier aspirante a autoproductor debe seguir para evitar errores al mezclar:
1.) Elija su DAW: Ya recomendamos algunos DAW para grabación en casa. No solo se usan para grabar, sino también para mezclar. Una vez que haya decidido un DAW, quédese con él y aprenda todas sus complejidades para que sea competente con sus características de mezcla.
2.) Configurar su sesión de mezcla: Puedes usar una plantilla preestablecida en tu DAW para esto. Estas plantillas tienden a estar orientadas a géneros específicos como el rock o la acústica, y establecen el orden de mezcla de pistas en consecuencia. También puede crear su propia plantilla de mezcla que se adapte a sus necesidades.
3.) Asegúrese de que sus pistas se nombran con precisión: Nombrar pistas de audio por descriptores simples como «voz principal» y «guitarra acústica» hará que la localización de los mientras se mezclan sea mucho más fácil.
4.) Código de colores de tus pistas por instrumento: Usa tu DAW para elegir colores para tus pistas por el instrumento al que pertenecen. Si tienes tres pistas de guitarra rítmica en tu canción, codifícalas del mismo color para que puedas localizarlas rápidamente.
5.) Combine sus pistas de instrumentos con un» bus»: Esto hará que el procesamiento de sus pistas sea más efectivo y creará una sensación de unidad. Por ejemplo, jugar con el procesamiento de efectos de todas las pistas vocales juntas para que estén equilibradas en la mezcla.
6.) Iguala el nivel de tus pistas: Equilibra los niveles de todas tus pistas. Tómese el tiempo para subir o bajar los niveles de cada pista de su mezcla a lo largo de la canción para agregar emoción, calma y cualquier otra emoción donde lo desee.
7.) Use estéreo a su favor con la panorámica: Hay una razón por la que la mezcla estéreo superó a la mono hace décadas. Puedes desplazar las pistas a los canales izquierdo o derecho de tu mezcla para lograr el efecto deseado para el oyente. Hacer una panorámica de una guitarra rítmica por un lado y el plomo por el otro hace que una canción sea más interesante y da una sensación de espacio en la mezcla. También da la impresión de que una banda completa está tocando juntos en una habitación, incluso si no lo es.
8.) Procesa tus pistas con los siguientes efectos:
Ecualizador (EQ), que es el equilibrio de frecuencias en una pista específica. Ir a través de cada pista individual y ecualizarlo a su gusto.Compresión
, que eleva o reduce el rango dinámico de una pista. Tu objetivo es conseguir una mezcla uniforme en la que nada se pierda o sea escandalosamente ruidoso. Simplemente no lo hagas todo hasta el punto en que todo esté ruidoso, o tu pista se convertirá en otra víctima de la guerra de la sonoridad.
Reverb, que es el reflejo de las ondas de sonido. Ya controlaste algo de reverberación cuando hiciste un tratamiento acústico en tu estudio doméstico. Si aplanaste completamente la respuesta de frecuencia, puedes volver a poner reverberación artificialmente en tu mezcla en tu DAW. Y si se encontró con la cantidad deseada de reverberación natural a través de una colocación perfecta de tratamiento acústico y difusores en su estudio doméstico, ¡felicidades, ya terminó con los efectos!
9.) Comparta su proceso con otros colaboradores: Si estás en una banda o estás trabajando con colaboradores, lo más probable es que este proceso sea más democracia que dictadura. Incluso si está a cargo de la ingeniería, comparta los archivos a medida que los mezcla con sus colaboradores a través de hojas de notas.
Termina tu grabación con masterización
Después de haber rastreado tu canción y mezclado todas las pistas en la mezcla final, tu canción está terminada en un 99%. Pero aún queda un paso más por completar antes de que su grabación esté lista para el lanzamiento:
Necesita dominar su grabación.
La masterización de música es el paso final en el proceso de grabación. Durante la masterización, se aplican tratamientos de audio adicionales a la mezcla para corregir las frecuencias problemáticas y mejorar la musicalidad de la pista.
¿Cómo domino mi música?
Hay algunas maneras de dominar tu canción:
- Puedes contratar a un ingeniero de masterización. Estos son especialistas que escuchan la mezcla final y ajustan el volumen general. Si es necesario, también añaden efectos de postproducción o compresión adicional. Los ingenieros de masterización generalmente cobran entre 5 50 y 1 100 por retoques menores y 1 150 o más por canción por tratamiento de servicio completo.
- ¡Puedes usar CloudBounce, un programa de masterización automatizado que funciona directamente en tu cuenta de CD Baby! CloudBounce utiliza un algoritmo controlado por ajustes que seleccionas para ajustar los niveles de tu mezcla y crear un master final. Masterizar con CloudBounce solo cuesta 9 9.90 por canción. Si bien no es tan exacto como un humano real afinando cada pequeño detalle de tu pista, es mucho más barato y rápido. Si ya has descubierto tu mezcla por ti mismo y solo necesitas igualar niveles antes de distribuir tu canción, CloudBounce es el camino a seguir.
Lanza tu música
Ahora que tu mezcla se ha convertido en tu maestro final, tu canción está lista para el lanzamiento. Felicidades! Es hora de presentar tu canción al mundo.
CD Baby distribuye música a más de 150 plataformas digitales y monetiza tu música en redes sociales y plataformas de vídeo para que te paguen desde cualquier lugar donde se reproduzca tu música.
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