Jak nagrywać i produkować muzykę w domu
czy próbujesz produkować wysokiej jakości muzykę z domowego studia nagraniowego? Wybrałeś idealny moment! Od Billie Eilish, kiedy wszyscy zasypiamy, dokąd pójdziemy?, do fan-collab Charliego XCX how I ’ m feeling now, do folkloru Taylor Swift, wiele udanych wydawnictw zostało nagranych poza tradycyjnym studiem.
ale te albumy były nadal tworzone przy wsparciu i korzyściach finansowych dużej wytwórni. A co z kimś, kto nie ma kilkuset tysięcy dolarów na zainstalowanie najnowocześniejszego studia nagraniowego w swoim domu? Albo kto nie może zatrudnić Najbardziej Pożądanego producenta? Albo kto nie ma nawet drogiego mikrofonu?
jak można wyprodukować świetnie brzmiącą płytę bez udania się do profesjonalnego studia i bez zagłębiania się w oszczędności? Pokażemy Ci, jak w tym artykule. Ale najpierw zastanówmy się, co to znaczy „produkować” muzykę.
czym jest produkcja muzyczna?
oto krótka odpowiedź: Produkcja muzyczna to proces przechwytywania analogowych fal dźwiękowych na odtwarzalnym nośniku za pomocą urządzenia rejestrującego. Osoba, która specjalizuje się w nagrywaniu tych nagrań nazywana jest producentem muzycznym. Nadzorują proces nagrywania i starają się, aby muzyka brzmiała jak najlepiej, a jednocześnie współpracują z muzykami, aby zrealizować ich artystyczną wizję.
w ciągu ostatnich 120 lat historii nagrań zakres zaangażowania producenta muzycznego zmienił się wraz z rozwojem technologii i trendami stylistycznymi.
zobaczmy, jak technologia i trendy ewoluowały, wracając do początków nagrywanej muzyki.
początki produkcji muzyki
pod koniec XIX wieku muzyka była cięta bezpośrednio do cylindra, Zwykle wykonanego z aluminium, przez maszynę zwaną fonografem. W tym czasie producentem (termin, który nawet nie został jeszcze wymyślony) był po prostu ten, kto był obecny do obsługi maszyny. Obowiązki produkcyjne, takie jak były, polegały tylko na wiedzy, jak obsługiwać sprzęt, aby artysta mógł nagrywać ich występ.
ta ograniczona specjalizacja kontynuowana była na początku XX wieku wraz z przyjęciem przez przemysł muzyczny gramofonu do nagrywania i płyty Wax master jako nośnika. W tym czasie cała muzyka była nagrywana na żywo; niekoniecznie przed publicznością, ale z występami jednoosobowymi. Ograniczenie to oznaczało, że jeden błąd zmusił całe nagranie do złomowania i ponownego uruchomienia od zera.
Taśma magnetyczna ułatwia produkcję muzyki
Taśma magnetyczna zadebiutowała podczas ii Wojny Światowej, kiedy Inżynierowie Allied audio monitorowali Niemieckie Audycje radiowe i odkryli, że są one w jakiś sposób nagrane, a nie dyktowane na żywo. Po wojnie amerykańscy inżynierowie audio odkryli nowe medium i przywrócili je do użytku w nagraniach komercyjnych.
do lat 50.XX wieku Taśma magnetyczna zastąpiła płyty gramofonowe w pierwszej rewolucji w historii nagrywanej muzyki. Największą przewagą taśmy nad nagraniami gramofonowymi była jej zdolność do łączenia ze sobą wielu nagrań, proces znany jako ” edycja.”
nie trzeba już złomować całego nagrania z powodu jednego fluba. Nie tylko to, ale członkowie zespołu mogli nagrywać swoje poszczególne partie osobno, a nie wszystkie razem w studiu. Muzycy mogli nagrywać wiele ujęć i edytować je razem, aby uzyskać preferowaną wersję.
producent muzyczny jako dyrektor kreatywny
zwiększona elastyczność nagrywania na taśmie magnetycznej doprowadziła do narodzin nowoczesnego producenta płytowego, czyli kogoś, kto nie tylko obsługuje maszyny nagrywające, ale także zapewnia kreatywne i artystyczne doradztwo w zakresie występów, aranżacji, a nawet pisania piosenek. Wkład producenta zaczyna wpływać na to, jak brzmi ostateczne nagranie z więcej niż prostego technicznego punktu widzenia.
do lat 60.producenci tacy jak George Martin z The Beatles i Phil Spector z R& B artyści tacy jak Ronettes oraz Ike i Tina Turner spopularyzowali ideę producenta płyt jako zasadniczą część procesu nagrywania. W szczególności Spector był pionierem wykorzystania studia nagraniowego jako własnego instrumentu dzięki swojemu stylowi produkcji „Wall Of Sound”; gęstemu, orkiestrowemu podejściu do muzyki pop, które wpłynęło na innych wizjonerów, takich jak Brian Wilson z The Beach Boys, aby dodatkowo upiększyć swoje nagrania większą ilością instrumentacji.
(należy tu również zaznaczyć, że nasza dyskusja o Spectorze jako producencie w żaden sposób nie przyćmiła jego działań w późniejszym życiu, które doprowadziły do jego uwięzienia za morderstwo. Nie sposób jednak mówić o historii produkcji muzycznej, nie wspominając o Spectorze i jego wpływach.)
producenci rozwijają swój charakterystyczny dźwięk
gdy ponadprzeciętne osobowości, takie jak Spector, zaczęły powiększać swoje nagrania, idea, że niektórzy producenci mogą stworzyć charakterystyczny „dźwięk”, stała się powszechna. Eksperymentalny artysta pop Brian Eno widział siebie jako producenta dla innych artystów począwszy od połowy lat 70. po tym, jak jego własne płyty zyskały popularność.
podczas gdy wielu producentów trzymało się jednego lub dwóch gatunków, z którymi byli zadowoleni (lub tylko jednego w przypadku producentów jazzowych, takich jak Rudy Van Gelder), inni starali się zaryzykować każdy gatunek, który im się podoba. Tom Wilson przeskakiwał od gatunku do gatunku, nagrywając artystów folkowych, takich jak Bob Dylan, proto-punkerzy The Velvet Underground i awangardowy jazz prophet Sun Ra, wszystko tylko w latach 60.
ponieważ najwięksi producenci muzyki w mainstreamowej muzyce pop rozwijali swoje dźwięki dzięki najnowocześniejszemu sprzętowi, innowatorzy rozwijali się również na całym świecie, dzięki ograniczonej technologii. Na przykład w późnych latach 60. producenci wykonywali jedną kopię nowej piosenki, aby sprawdzić jej zbywalność. Kopie te stały się znane jako „dubs”, a wkrótce producenci tworzyli instrumentalne miksy piosenki do użytku w klubach. Praktyka ta zrodziła sub-gatunek reggae zwany odpowiednio „muzyką dubową” w latach 70.
w latach 80.XX wieku pojawiła się pozorna reakcja na mentalność „more is more” z poprzedniej dekady, którą prowadzili producenci tacy jak Rick Rubin i Steve Albini. Producenci ci stali się poszukiwani ze względu na swój minimalistyczny styl nagrywania, a Albini w szczególności słynął z twierdzenia, że jest tylko inżynierem i po prostu uderza w „Record”. Popularność tych producentów była przede wszystkim wśród nowszych lub” alternatywnych ” gatunków z młodszymi muzykami, takimi jak metal, punk i hip-hop.
jak producenci hip-hopu różnią się od innych gatunków
mówiąc o hip-hopie, powinniśmy zająć się jednym rozróżnieniem, gdy definiujemy „produkcję muzyczną”: technikami produkcji używanymi w hip-hopie, muzyce elektronicznej i innych samplach i gatunkach skupionych na Beacie.
w tych gatunkach producent bierze znacznie aktywniejszą rolę w tworzeniu muzyki niż w gatunkach skupionych na instrumentach akustycznych.
podobnie jak w przypadku rocka i popu, niektórzy producenci rapu mają własne brzmienie i towarzyszące im większe osobowości. Dr. Dre był pionierem brzmienia G-funk z zachodniego wybrzeża z odpowiednio funkowymi liniami basowymi i charakterystycznymi syntezatorami marudzenia.
w tym samym czasie, po drugiej stronie kraju, RZA obdarzała solowe projekty Wu-Tang Clan i jego członków znacznie bardziej wyrazistym brzmieniem ze wschodniego wybrzeża, składającym się z sampli z obscure soul records i zrzutu VHS z filmów o sztukach walki z Lat 70.
producenci Hip-hopu tworzą instrumentale emcees, a następnie rapują, zapewniając jednocześnie wskazówki emcee w studio. Tworzą te bity na kilka różnych sposobów:
- próbkowanie kilku sekund uderzeń perkusji (zwanych „breakbeats”) i/lub melodii i innych haków z płyt za pomocą gramofonu i DAWs
- tworzenie własnych bitów za pomocą sprzętu, takiego jak automaty perkusyjne, syntezatory i DAWs, aby stworzyć cyfrową wersję prawdziwych instrumentów
- nagrywanie rzeczywistych instrumentów na żywo
łączą one wszystkie lub wszystkie te utwory razem z inne drobne akcenty, takie jak one-shoty (jednorazowe pojedyncze nuty, akordy lub inne efekty dźwiękowe używane do dodawania wariacji do pętli rytmu) w spójny rytm przy użyciu tych samych producentów oprogramowania do miksowania w innych gatunkach używać. (Omówimy całe to oprogramowanie inżynierskie w dalszej części tego artykułu.)
producenci Hip-hopu i beatmakerzy
czasami można również zobaczyć producentów hip-hopu określanych jako ” beatmakerzy.”Chociaż z pewnością może być (i często są) to samo, istnieje różnica: beatmaker tworzy tylko instrumental.
Beatmakerzy pracują samodzielnie (lub w zespołach), zwykle nie będąc w studio z emcee. W przeciwieństwie do tego, producent hip-hopowy może nie tylko tworzyć instrumentale, ale także trenować emcee podczas występów w studiu i zapewniać wiedzę inżynierską.
Produkcja Muzyczna w erze cyfrowej
w latach 90.kobiety zaczęły przebijać się do produkcji muzycznej, a pionierzy, tacy jak Sylvia Massy, pracowali nad głównymi, platynowymi płytami z rockowych zespołów, takich jak Tool, Red Hot Chili Peppers i System of a Down.
w latach 90. nastąpił również postęp w dziedzinie cyfrowej rejestracji i inżynierii. Główne albumy, takie jak Graceland Paula Simona z 1986 roku, były nagrywane na taśmę analogową, ale przenoszone i miksowane na nowym sprzęcie zwanym digital audio workstation (DAW). DAWs stał się standardem w studiach nagraniowych lat 90., a do lat 90. zdecydowana większość produkcji muzycznej stała się całkowicie cyfrowa.
Produkcja Muzyczna jako pisanie piosenek
dziś producenci muzyczni często są artystami i autorami piosenek, i na odwrót. Dotychczasowe wyróżnienia uległy rozbiciu.
ponieważ narzędzia do produkcji muzyki elektronicznej stały się wszechobecne, w tej chwili powstaje więcej piosenek. Są budowane od podstaw jako produkcja.
rytmy, haki i inne elementy instrumentalne są określane jako „beat”, który zajmuje centralne miejsce na początku procesu. Często topline songwriter (lub producent wokalny) jest następnie wprowadzany w celu tworzenia melodii wokalnych, tekstów i harmonii.
czego potrzebuję do nagrywania muzyki w domu?
cała ta historia przenosi nas do dnia dzisiejszego, gdzie DAWs połączył się z postępem w mocy obliczeniowej, aby produkcja muzyki DIY była dostępna dla prawie każdego, kto jest zdeterminowany, aby stworzyć własną profesjonalnie brzmiącą płytę w domu.
ale to nie tylko oprogramowanie, którego potrzebujesz. Jeśli chcesz nagrywać muzykę w domu, oto lista rzeczy, których potrzebujesz, aby zacząć:
1.) Komputer: jeśli posiadasz jakikolwiek komputer wykonany w ciągu ostatnich kilku lat, są szanse, że będzie on działał w produkcji muzycznej. Kluczowym elementem, którego szukasz, jest PAMIĘĆ RAM. Większość Daw wymaga co najmniej 8 gigabajtów pamięci RAM, co naprawdę nie jest zbyt wiele dla nowych komputerów (mój Macbook 2015 ma 8GB PAMIĘCI RAM, aby dać ci pomysł). To wystarczająco dużo pamięci, aby przetworzyć do 25 ścieżek audio z wieloma instrumentami i efektami, co jest więcej niż wystarczające dla wszystkich, oprócz najbardziej ambitnych uczniów Briana Wilsona.
będziesz również potrzebował dysku twardego z co najmniej 256 do 500 gigabajtów pamięci, co jest również dość standardem dla nowoczesnych komputerów. Duża przestrzeń jest do przechowywania plików audio, które będą nieskompresowane, więc zajmą dużo miejsca. Dyski twarde półprzewodnikowe (ssd) są lepsze niż rzeczywiste dyski pod względem prędkości zapisu i odczytu. Dysk SSD jest teraz znacznie tańszy niż jeszcze kilka lat temu, więc jeśli jesteś na rynku nowego komputera do nagrywania w domu, nie musisz wydawać tony na dodatkowy luksus.
2.) DAW: jest to główne oprogramowanie, które będziesz uruchamiał na swoim komputerze. Istnieje mnóstwo Daw o kosztach od darmowych do kilku tysięcy dolarów. Wiele z nich oferuje miesięczne subskrypcje z różnymi poziomami, a droższe poziomy zapewniają dostęp do większej liczby funkcji.
to powiedziawszy, nawet najbardziej podstawowe poziomy większości Daw oferują nagrywanie 16-ścieżkowe i większość funkcji, których potrzebujesz. Wszystkie popularne będą działać poprawnie, o ile będą kompatybilne z Twoim komputerem:
Audition
Cubase
Garageband
Live
Logic Pro
LUNA
Pro Tools
reason
sonar
Studio One
3.) Interfejs Audio: są to fizyczne pudełka, które podłączają się do portu USB komputera i zamieniają analogowe dźwięki (te z głosu lub instrumentu) w sygnały cyfrowe. Zazwyczaj kosztują kilkaset dolarów i, podobnie jak DAWs, w większości mają te same funkcje z niewielkimi różnicami w układzie przycisków.
oto kilka z najwyżej ocenianych interfejsów audio:
Audient iD4 MkII
SSL 2+
Focusrite Scarlett 4i4 3rd Gen
Universal Audio UAD Apollo Twin MkII
Native Instruments Komplete Audio 2
4.) Mikrofon: potrzebujesz czegoś do podłączenia do interfejsu audio i nagrywania muzyki. Na szczęście możesz kupić wysokiej jakości mikrofon studyjny za mniej niż $100. Istnieją dwa główne typy mikrofonów, dynamiczny i kondensatorowy. Każdy z nich ma swoje własne preferowane zastosowanie, więc będziesz chciał wybrać jedną (lub obie) z poniższych opcji w zależności od tego, jak zamierzasz go używać:
mikrofony dynamiczne wykorzystują membranę magnetyczną z ruchomą cewką. Świetnie nadają się do wykonywania i nagrywania na koncertach na żywo lub nagrywania głośnych instrumentów, takich jak wzmocnione gitary i perkusja. Zestawy perkusyjne są notorycznie trudne do precyzyjnego nagrania.
Oto pięć najlepszych mikrofonów dynamicznych za około $100 według microphone enthusiast site MicReviews:
Audix i5
Shure SM57
Sennheiser E 835
sE Electronics V7
AKG D5
mikrofony kondensatorowe wykorzystują przewodzącą membranę, która wibruje pod wpływem ciśnienia akustycznego. Ich technologia czyni je bardziej dokładnymi niż dynamiczne mikrofony, dzięki czemu są idealne do precyzyjnego nagrywania instrumentów akustycznych i wokali. Mikrofony skraplacza wymagają również zewnętrznego źródła zasilania, ponieważ działają na wyjściu XLR, ale będziesz mieć je już, jeśli kupisz interfejs audio.
Oto pięć najlepszych mikrofonów pojemnościowych za około $100, również według MicReviews:
Audio-Technica AT2020
AKG P120
sE Electronics X1 a
Rode NT-USB Mini
Samson C01
jeśli twój budżet jest nieco wyższy, najnowocześniejsze mikrofony pojemnościowe mogą kosztować ponad 1000 USD.
Oto pięć najlepszych mikrofonów pojemnościowych za 200 do 1000 dolarów według audio superstore Sweetwater:
United Studio Technologies UT FET47
Rode NTK
Mojave Audio MA-201FET
Austrian audio OC18
Warm Audio WA-87
5.) Słuchawki: w ten sposób odwołujesz się do tego, co nagrywasz. Będziesz chciał parę analitycznych słuchawek wyprodukowanych specjalnie do nagrywania. Szukaj terminów takich jak” reference”,” studio „lub” professional ” podczas zakupów. Celem jest dla ’ Telefony być tak płaskie, jak to możliwe w ich odpowiedzi częstotliwościowej, więc odtwarzanie jest uczciwa reprezentacja tego, co nagrałeś. Dowiedz się, jak wybrać najlepsze słuchawki.
do tego celu można również użyć specjalnych głośników zwanych monitorami studyjnymi, ale są one zwykle droższe niż słuchawki. Są również znacznie głośniejsze, ponieważ są prawdziwymi głośnikami,więc nie są idealne do mieszkania.
Czy mogę nagrywać muzykę na moim tablecie?
jeśli Twoja przestrzeń jest naprawdę ograniczona, lub jesteś w większości w podróży, lub jeśli po prostu lubisz wygodę nagrywania przenośnego dla głównej platformy lub kopii zapasowej w drodze, możesz nagrywać muzykę bezpośrednio na tablecie.
postęp w technologii mobilnej doprowadził do tego, że urządzenia mobilne, takie jak iPad, są w stanie przechwytywać wysokiej jakości dźwięk za pomocą samego urządzenia, niektórych komponentów i aplikacji audio. Tablety zwykle mają kilkaset GB pamięci, a wiele z nich ma gniazdo kart microSD, aby je rozszerzyć, zapisując pliki na kartach zewnętrznych.
oto trzy najlepsze Tablety do nagrywania na komórkę:
iPad Pro
Microsoft Surface Pro 7
Samsung Galaxy Tab S7
podobnie jak w przypadku komputera, do nagrywania muzyki na tablecie potrzebny jest interfejs audio. IK iRig wydaje się być najbardziej zalecane, i zazwyczaj można go znaleźć poniżej $50!
i podobnie jak na komputerze, będziesz również potrzebował DAW do przetwarzania i edycji dźwięku na tablecie. Są one podzielone między iOS (Apple) i Android, więc będziesz chciał poszukać jednego zgodnego z Twoim systemem operacyjnym.
Czy mogę nagrywać muzykę na smartfonie?
jeśli chcesz uzyskać naprawdę przenośny, możesz nawet nagrywać muzykę na smartfonie. Nie potrzebujesz nawet więcej sprzętu niż iPhone lub Android i aplikacja audio!
dwie popularne aplikacje do nagrywania muzyki na Androida to:
łatwy Dyktafon
RecForge II
dwie popularne aplikacje do nagrywania muzyki na iPhone ’ a to:
Røde Reporter
Garageband
jeśli chcesz poprawić jakość nagrywania na smartfona, można kupić jeden z tych zewnętrznych mikrofonów za mniej niż $50:
mikrofony RØDE VideoMic
Dayton Audio iMM-6
Saramonic Mini SmartMic
Jak założyć domowe studio nagrań?
więc masz cały sprzęt audio i jesteś gotowy do pracy. Ale najpierw musisz znaleźć odpowiedni pokój do nagrywania. To będzie twoje domowe studio.
mądrze dobierzesz pokój do swojego domowego studia. Jeśli jesteś w domu z wolnym pokojem, jesteś ustawiony! Ale jeśli jesteś w mieszkaniu lub gdzieś z ograniczoną przestrzenią, twoja sypialnia może nieuchronnie ciągnąć podwójną służbę jako studio nagraniowe.
sypialnie (i tak naprawdę każdy pokój w domu) nie są przeznaczone do użytku jako domowe studio. Aby przekształcić wybrany pokój w odpowiednie środowisko nagrywania, musisz wykonać zabieg akustyczny.
jak dbać o akustykę swojego pokoju?
Twoim celem przy tworzeniu akustyki w domowym studio jest jak najbardziej płaski dźwięk przestrzeni. Oznacza to usunięcie pogłosu poprzez absorpcję akustyczną, więc pozostaje tylko bezpośredni dźwięk z instrumentów lub głosu.
wykonaj następujące kroki, aby usunąć pogłos z domowego studia:
1.) Kupić trzy elementy obróbki akustycznej:
- pułapki Basowe pochłaniające niskie częstotliwości
- panele akustyczne pochłaniające średnie / wysokie częstotliwości
- Dyfuzory rozpraszające Pozostałe częstotliwości
2.) Chodzić po pokoju i klaskać rękami w każdym miejscu, w którym możesz stać. Słuchasz ostrych dźwięków. To jest zła akustyka, i będą naprawdę bałagan z miksu dźwięku. Jeśli jesteś w standardowej sypialni z czterema narożnikami z sufitem o średniej wysokości, są szanse, że akustyka będzie po złej stronie.
3.) Użyj obróbki akustycznej, aby rozwiązać następujące problemy akustyczne:
- narożniki. Umieść pułapki basowe w rogach swojego pokoju. Pułapki basowe są najważniejszym elementem sprzętu do obróbki akustycznej, a narożniki są szczególnie problematyczne dla pogłosu basu. Umieszczenie pułapek basowych w narożnikach eliminuje odbicia i zużywa nadmiar basu, który może wyciekać do miksu.
- okna. Umieść panele akustyczne na oknach, aby je zamknąć. Szkło odbija bardzo jasne częstotliwości, które mogą powodować problemy z mieszanką.
4.) Wykonaj test klaskania, gdy umieścisz więcej obróbki akustycznej, aż do uzyskania pożądanego dźwięku. Zwykle jest to ładny, gładki pogłos.
5.) Użyj dyfuzorów do rozpraszania i kontrolowania odbić dźwięku, jeśli wolisz większy pogłos. Możesz połączyć strategiczne rozmieszczenie dyfuzorów z materiałem do obróbki akustycznej, aby uzyskać odpowiednią atmosferę w pomieszczeniu.
6.) Użyj filtra odbicia nad mikrofonem, jeśli nagrywasz instrumenty akustyczne, takie jak gitary akustyczne lub wokal. Filtry refleksyjne zapobiegają odbijaniu się akustyki w Twojej przestrzeni, dzięki czemu uzyskujesz intymne nagranie zamiast rozproszonego dźwięku.
jak właściwie nagrać swoją muzykę?
proces nagrywania — znany również jako „śledzenie” — może być bardzo osobistym i subiektywnym doświadczeniem.
gdzie umieszczasz mikrofony, jakich efektów i obróbki używasz — jak podejmujesz decyzje po drodze – te rzeczy będą się różnić od artysty do artysty i producenta do producenta.
to, co brzmi „dobrze” lub „źle”, jest również dość zależne od Twojego gatunku, więc trudniej jest tutaj sformułować konkretne zalecenia. Jednak YouTube jest kopalnią porad dotyczących nagrywania i sugeruję, abyś tam szukał za każdym razem, gdy utkniesz.
Mając to na uwadze, mam kilka ogólnych porad, które pomogą Ci pozostać produktywnym, ustalając limity dla siebie.
jak poprawić swoje nagrania, ustawiając ograniczenia
w kreatywnej przestrzeni nieskończone opcje mogą doprowadzić nas do szaleństwa.
jest to szczególnie prawdziwe w przypadku cyfrowego nagrywania muzyki, ponieważ prawie nie ma limitu miejsca na dysku. Przez cały czas, jeśli jesteś jak wielu artystów DIY, nie masz nieskończonych godzin na nagrywanie, więc ograniczenia czasowe zwiększają presję. W tym środowisku ograniczenie może być rzeczą, która utrzymuje cię przy zdrowych zmysłach.
innymi słowy, opłaca się podejmować decyzje na bieżąco.
widziałeś kiedyś pięć przeszkód? To świetny film i świetna ilustracja tego, jak arbitralne przeszkody mogą pomóc nam się skupić i wyjść poza nasze nawykowe ruchy.
jeśli masz zamiar otworzyć nową sesję w DAW, rozważ niektóre z tych ograniczeń twórczych:
1.) Ustaw maksymalną liczbę utworów przed rozpoczęciem sesji: nie jest rzadkością w dzisiejszych czasach, gdy sesje nagraniowe mają 100 utworów. Jasne, jeśli nagrywasz następny singiel #1 dla Doja Cat i naprawdę potrzebujesz warstwy 15 kick drums, idź do niego. Ale jeśli wyciskasz czas nagrywania w weekendy, czy naprawdę chcesz przesiać wszystkie te utwory za każdym razem, gdy otwierasz sesję?
zamiast tego Ustaw regułę dla siebie: żaden utwór na tym albumie nie będzie miał więcej niż X utworów. To może być 4, 8,16, 24, … cokolwiek. (Ale jeśli Twoja sesja zajmuje więcej niż 24 utwory, nie ograniczasz się do końca, prawda?
więc załóż swój minimalistyczny kapelusz. Zmusi cię to do sprowadzenia rzeczy do ich podstawowych elementów i zaoszczędzi Ci dużo czasu i zmartwień, gdy dojdziesz do etapu mieszania.
podpowiedź: jeśli zbliżasz się do swojego limitu utworów i nadal potrzebujesz miejsca na dodatkowy bęben do kopnięcia, może możesz przesłać kwartet smyczkowy lub sześć wokali do ścieżki stereo. Co prowadzi nas do …
2.) Submix, submix, submix: jeśli pracujesz z grupą instrumentów należących do tego samego wszechświata, Utwórz submix tej grupy (struny ze strunami, dęte blaszane z dęte blaszane, wokale w tle z wokalami w tle, perkusja z bębnami itp.). Gdy już masz odpowiedni blend dla każdej grupy, wydrukuj go na taśmie (lub zapisz na komputerze) i zatwierdź go! Ponownie, ten ruch pozwoli Ci zaoszczędzić czas i stres, jeśli chodzi o miksowanie, i otworzyć więcej utworów, jeśli trzeba dodać więcej instrumentów.
podpowiedź: jeśli naprawdę zastanawiasz się nad swoimi submixami, kiedy przychodzi czas na stworzenie ostatecznego miksu, zawsze możesz wrócić do sesji (chyba że nagrywasz analogowo!) i stworzyć nową mieszankę. Chociaż to w ogóle niszczy cały cel ulegania.
3.) Ustal Zasady instrumentacji i palety dźwiękowej: zanim rozpoczniesz sesję nagraniową, zdecyduj, jakie instrumenty będą użyte, jakie efekty, jakie sample, jakie dźwięki… i trzymaj się tego przez cały projekt, nie wprowadzając żadnych innych elementów. Może chcesz, aby wszystkie bębny były vintage 808, ale z prawdziwym shakerem i tamburynem. Świetnie. Brzmi nieźle. Ale nie możesz później dodać prawdziwego werbla ani talerzy! Może chcesz użyć czysto brzmiącego Telecastera z pewnymi opóźnieniami. Super! Zabraniaj sobie używania jakiegokolwiek pedału zniekształceń dla całego albumu i polegaj wyłącznie na wzmacniaczu do cruncha. Ustalając te podstawowe zasady, stajesz się bardziej kreatywny z instrumentami, których używasz (aby urozmaicić utwory w całym albumie), a w rezultacie dajesz spójność projektowi jako całości. Tego rodzaju ograniczenia są często tym, co nadaje wielkim albumom pewien „feel”.”
4.) Daj sobie skończoną ilość ujęć na Część: nic nie jest gorsze niż słuchanie 20 solówek gitarowych, aby znaleźć magiczne momenty każdej z nich, które można połączyć. Voltron tracks są dla frajerów! Nie bądź robotem. Bądź człowiekiem. Powiedz sobie: „mam zamiar przybić tę gitarową solówkę w 3 ujęciach. Jeśli tego nie zrobię, przejdę do czegoś innego i wrócę później.”Następnie, jeśli nie masz czegoś, co brzmi dobrze, usuń te utwory. Zacznij od jutra.
5.) Pominąć coś: Czasami piosenka może nabrać zupełnie nowego życia, gdy usuniesz element, który wcześniej uważałeś za kluczowy dla ogólnej aranżacji. Co by było, gdybyś usunął podkładkę syntezatorową z najnowszej piosenki hip-hopowej i oparł się na pętli perkusyjnej, basie i samplach, aby wykonać pracę? Co jeśli twoja gitara akustyczna, akordeon i wiolonczela kołysanka była bardziej interesująca bez gitary akustycznej? Eksperymentuj z usuwaniem rzeczy. Daj piosence trochę oddechu. Może się okazać, że mniej znaczy więcej.
6.) Zaangażuj się w efekty: czy podoba Ci się sposób, w jaki coś brzmi, gdy jest traktowane w monitorowaniu? Może śpiewasz z jakimś pogłosem i twój głos reaguje na ten efekt. Może masz dźwięk syntezatora z brudem na nim i to jest ekscytujące. Świetnie. Wydrukuj to! Postaw to w kamieniu i ruszaj dalej. Ponownie, mieszanie nastąpi znacznie szybciej, gdy masz mniej decyzji do podjęcia.
jak miksować muzykę?
po nagraniu wszystkich utworów do utworu, następnym krokiem jest zmiksowanie ich wszystkich razem. W efekcie powstaje tzw. mixdown, czyli końcowy produkt wszystkich różnych utworów utworu razem wziętych.
dlaczego warto miksować własną muzykę? Ponieważ miksowanie dźwięku jest istotną częścią produkcji muzycznej, a nauka, Jak to zrobić, uczyni cię bardziej samodzielnym niezależnym artystą.
chociaż może to być trochę techniczne, Istnieje kilka podstawowych kroków, które każdy początkujący self-producent powinien wykonać, aby uniknąć błędów podczas miksowania:
1.) Wybierz DAW: poleciliśmy już kilka Daw do nagrywania w domu. Są używane nie tylko do nagrywania, ale także do miksowania. Gdy już zdecydujesz się na DAW, trzymaj się go i poznaj wszystkie jego zawiłości, aby stać się biegłym w jego funkcjach mieszania.
2.) Skonfiguruj sesję miksowania: W tym celu możesz użyć wstępnie ustawionego szablonu w swoim DAW. Szablony te są zwykle nastawione na określone gatunki, takie jak rock lub akustyka, i odpowiednio ustalają kolejność miksowania utworów. Możesz również stworzyć własny szablon mix, który odpowiada twoim potrzebom.
3.) Upewnij się, że Twoje utwory są dokładnie nazwane: Nazywanie ścieżek dźwiękowych za pomocą prostych deskryptorów, takich jak „wokal prowadzący” i „gitara akustyczna”, znacznie ułatwi ich lokalizowanie podczas miksowania.
4.) Kodowanie kolorów utworów według instrumentu: użyj DAW, aby wybrać kolory utworów według instrumentu, do którego należą. Jeśli masz trzy utwory na gitarze rytmicznej, koduj je w tym samym kolorze, aby szybko je zlokalizować.
5.) Połącz ścieżki instrumentu z „autobusem”: to sprawi, że przetwarzanie utworów będzie bardziej skuteczne i stworzy poczucie jedności. Na przykład, zabawa z efektów przetwarzania wszystkich utworów wokalnych razem, aby je zrównoważone w miksie.
6.) Level-dopasuj swoje utwory: zrównoważyć poziomy dla wszystkich utworów. Poświęć trochę czasu, aby podnieść lub obniżyć poziom każdego utworu w miksie w całym utworze, aby dodać emocji, spokoju i innych emocji tam, gdzie chcesz.
7.) Używaj stereo na swoją korzyść dzięki panoramowaniu: nie bez powodu miks stereo wyprzedził mono dekady temu. Możesz przesuwać ścieżki do lewego lub prawego kanału w miksie, aby osiągnąć pożądany efekt dla słuchacza. Przesunięcie gitary rytmicznej z jednej strony i ołowiu z drugiej sprawia, że utwór jest bardziej interesujący i daje poczucie przestrzeni w miksie. Daje to również wrażenie, że cały zespół gra razem w pokoju, nawet jeśli tak nie jest.
8.) Przetwarzaj utwory z następującymi efektami:
Equalizer (EQ), czyli równowaga częstotliwości na określonym torze. Przejrzyj każdą ścieżkę i dostosuj ją do swoich potrzeb.
kompresja, która podnosi lub obniża zakres dynamiczny ścieżki. Twoim celem jest uzyskanie równomiernej mieszanki, w której nic się nie gubi lub jest wstrząsająco głośno. Po prostu nawet nie wszystko się do punktu, gdzie jest wszystko głośno, lub twój utwór stanie się kolejną ofiarą wojny głośności.
pogłos, czyli odbicie fal dźwiękowych. Kontrolowałeś już trochę pogłosu, kiedy wykonywałeś obróbkę akustyczną w domowym studiu. Jeśli całkowicie spłaszczysz Pasmo przenoszenia, możesz sztucznie przywrócić pogłos do miksu w DAW. A jeśli udało Ci się uzyskać pożądaną ilość naturalnego pogłosu dzięki doskonałemu umieszczeniu obróbki akustycznej i dyfuzorów w domowym studiu, gratulacje, koniec z efektami!
9.) Udostępnij swój proces innym współpracownikom: Jeśli jesteś w zespole lub pracujesz ze współpracownikami, są szanse, że ten proces jest bardziej demokratyczny niż dyktatura. Nawet jeśli zostaniesz wyznaczony do działu inżynierii, udostępniaj pliki podczas mieszania ich ze współpracownikami za pośrednictwem Notetracks.
Zakończ nagrywanie masteringiem
po wyśledzeniu utworu i zmieszaniu wszystkich utworów w końcowym zestawieniu, Twój utwór jest w 99% gotowy. Ale jest jeszcze jeden krok do wykonania, zanim Twoje nagranie będzie gotowe do wydania:
musisz opanować swoje nagranie.
mastering muzyki jest ostatnim krokiem w procesie nagrywania. Podczas masteringu do miksu stosuje się dodatkowe zabiegi audio, aby skorygować problematyczne częstotliwości i poprawić muzykalność utworu.
jak opanować muzykę?
jest kilka sposobów na opanowanie swojej piosenki:
- możesz zatrudnić inżyniera masteringu. Są to specjaliści, którzy słuchają końcowego miksu i dostosowują ogólną głośność. W razie potrzeby dodają również efekty postprodukcyjne lub dodatkową kompresję. Inżynierowie masteringu zwykle pobierają opłaty od 50 do 100 USD za drobne poprawki i 150 USD lub więcej za utwór za pełną obsługę.
- możesz użyć CloudBounce, zautomatyzowanego programu masteringowego, który działa bezpośrednio na twoim koncie CD Baby! CloudBounce używa algorytmu kontrolowanego przez ustawienia, które wybierzesz, aby dostosować poziomy miksowania i utworzyć ostateczny mistrz. Mastering z CloudBounce kosztuje tylko $9.90 za utwór. Chociaż nie jest tak dokładny, jak prawdziwe ludzkie dopracowanie każdego małego szczegółu utworu, jest o wiele tańszy i szybszy. Jeśli sam już wymyśliłeś swoje mixdown i potrzebujesz dopasowania poziomu przed dystrybucją utworu, CloudBounce jest drogą do zrobienia.
Uwolnij swoją muzykę
teraz, gdy miksowanie stało się Twoim ostatecznym mistrzem, twoja piosenka jest gotowa do wydania. Gratulacje! Czas przedstawić światu swoją piosenkę.
CD Baby dystrybuuje muzykę na ponad 150 platformach cyfrowych i monetyzuje Twoją muzykę w mediach społecznościowych i platformach wideo, dzięki czemu otrzymujesz wynagrodzenie z każdego miejsca, w którym odtwarzana jest Twoja muzyka.
ZAREJESTRUJ SIĘ TERAZ