Comment enregistrer et produire de la musique à la maison
Essayez-vous de produire de la musique de qualité à partir d’un studio d’enregistrement à domicile? Vous avez choisi le moment idéal! De Billie Eilish Quand Nous Nous Endormons Tous, Où Allons-Nous?, à la collaboration de fans de Charlie XCX how i’m feeling now, au folklore de Taylor Swift, un certain nombre de sorties à succès ont été enregistrées en dehors d’un studio traditionnel.
Mais ces albums ont toujours été réalisés avec le soutien et les avantages financiers d’un label majeur. Qu’en est-il de quelqu’un qui n’a pas quelques centaines de milliers de dollars pour installer un studio d’enregistrement de pointe chez lui? Ou qui ne peut pas embaucher le producteur le plus demandé? Ou qui ne possède même pas un micro cher?
Comment pouvez-vous produire un disque de grande qualité sans vous rendre dans un studio professionnel et sans plonger dans vos économies? Nous allons vous montrer comment dans cet article. Mais d’abord, mettons un peu de contexte sur ce que signifie « produire » de la musique.
Qu’est-ce que la production musicale ?
Voici la réponse courte: La production musicale est le processus de capture d’ondes sonores analogiques sur un support reproductible à travers un dispositif d’enregistrement. La personne spécialisée dans la capture de ces enregistrements s’appelle un producteur de musique. Ils supervisent le processus d’enregistrement et essaient de faire en sorte que la musique sonne aussi bien que possible tout en travaillant avec le ou les musiciens pour réaliser leur vision artistique.
Au cours des 120 dernières années d’histoire de la musique enregistrée, la portée de l’implication d’un producteur de musique a changé à mesure que la technologie a progressé et que les tendances stylistiques ont évolué.
Voyons comment la technologie et les tendances ont évolué en remontant aux origines de la musique enregistrée.
Les débuts de la production musicale
À la fin du XIXe siècle, la musique était découpée directement dans un cylindre, généralement en aluminium, par une machine appelée phonographe. À cette époque, un producteur (un terme qui n’avait même pas encore été inventé) était simplement celui qui était présent pour faire fonctionner la machine. Les tâches de production, telles qu’elles étaient, ne consistaient qu’à savoir travailler l’équipement pour que l’artiste puisse enregistrer sa performance.
Cette spécialisation limitée s’est poursuivie au début du XXe siècle avec l’adoption par l’industrie de la musique du gramophone pour l’enregistrement et du disque maître en cire comme support. À cette époque, toute la musique était enregistrée en direct; pas nécessairement devant un public, mais avec des performances en une seule prise. Cette limitation signifiait qu’une erreur a forcé l’enregistrement entier à être mis au rebut et redémarré à partir de zéro.
La bande magnétique facilite la production musicale
La bande magnétique a fait ses débuts pendant la Seconde Guerre mondiale lorsque les ingénieurs du son alliés ont surveillé les émissions de radio allemandes et ont découvert qu’elles étaient en quelque sorte préenregistrées au lieu d’être dictées en direct. Après la guerre, les ingénieurs du son américains ont découvert le nouveau médium et l’ont ramené pour une utilisation dans des enregistrements commerciaux.
Dans les années 1950, la bande magnétique avait supplanté les disques à disques lors de la première révolution de l’histoire de la musique enregistrée. Le plus grand avantage de la bande sur les enregistrements de gramophone était sa capacité à être épissée à partir de plusieurs prises d »enregistrement, un processus connu sous le nom de « montage. »
Un enregistrement entier n’aurait plus besoin d’être mis au rebut en raison d’un flub. Non seulement cela, mais les membres du groupe pouvaient enregistrer leurs parties individuelles séparément plutôt que toutes ensemble en studio. Les musiciens pouvaient enregistrer plusieurs prises et les éditer ensemble pour obtenir la version préférée.
Le producteur de musique en tant que directeur créatif
La flexibilité accrue de l’enregistrement sur bande magnétique a conduit à la véritable naissance du producteur de disques moderne; c’est-à-dire quelqu’un qui non seulement exploite les machines d’enregistrement, mais fournit également des conseils créatifs et artistiques dans les performances, les arrangements et même l’écriture de chansons. La contribution d’un producteur commence à affecter le son de l’enregistrement final d’un point de vue plus qu’un simple point de vue technique.
Dans les années 60, des producteurs comme George Martin avec les Beatles et Phil Spector avec des artistes R &B comme les Ronettes et Ike et Tina Turner ont popularisé l’idée du producteur de disques comme une partie essentielle du processus d’enregistrement. Spector en particulier a été le pionnier de l’utilisation du studio d’enregistrement comme son propre instrument avec son style de production « Wall of Sound »; une approche orchestrale dense de la musique pop qui a influencé d’autres visionnaires comme Brian Wilson des Beach Boys pour embellir davantage leurs enregistrements avec plus d’instrumentation.
(Nous devrions également affirmer ici que notre discussion sur Spector en tant que producteur n’occulte en rien ses actions ultérieures qui ont conduit à son emprisonnement pour meurtre. Cependant, il est impossible de parler de l’histoire de la production musicale sans mentionner Spector et son influence.)
Les producteurs développent leur son de signature
Alors que des personnalités hors normes comme Spector commençaient à s’étendre sur leurs enregistrements, l’idée que certains producteurs pouvaient créer un « son » de signature s’est répandue. L’artiste pop expérimental Brian Eno s’est vu demandé en tant que producteur pour d’autres artistes à partir du milieu des années 70 après que ses disques auto-produits aient gagné en popularité.
Alors que de nombreux producteurs se sont attachés à un ou deux genres avec lesquels ils étaient à l’aise (ou un seul dans le cas de producteurs de jazz comme Rudy Van Gelder), d’autres ont cherché à s’aventurer dans n’importe quel genre qui leur plaisait. Tom Wilson a sauté de genre en genre, enregistrant des artistes folk comme Bob Dylan, les proto-punkers du Velvet Underground et le prophète du jazz d’avant-garde Sun Ra, le tout dans les années 1960 seulement.
Alors que les plus grands producteurs de musique pop grand public développaient leurs sons avec un équipement de pointe, les innovateurs ont également prospéré dans le monde entier en tirant profit d’une technologie limitée. À la fin des années 60 en Jamaïque par exemple, les producteurs fabriquaient un seul exemplaire d’une nouvelle chanson pour tester sa commercialisation. Ces copies sont devenues connues sous le nom de « dubs », et bientôt les producteurs ont fait des mixages instrumentaux de la chanson pour une utilisation dans les clubs. Cette pratique a donné naissance au sous-genre du reggae appelé à juste titre « dub music » dans les années 70.
Dans les années 1980, une réaction apparente à la mentalité « plus c’est plus » de l’excès de rock de la décennie précédente était en cours, dirigée par des producteurs comme Rick Rubin et Steve Albini. Ces producteurs sont devenus recherchés pour leurs styles d’enregistrement minimalistes, Albini en particulier affirmant qu’il n’était qu’un ingénieur et a simplement frappé « Record ». La popularité de ces producteurs était principalement parmi les genres plus récents ou « alternatifs » avec des musiciens plus jeunes comme le métal, le punk et le hip-hop.
Comment les producteurs de hip-hop sont différents des autres genres
En parlant de hip-hop, nous devrions aborder une différenciation lorsque nous définissons la « production musicale »: les techniques de production utilisées dans le hip-hop, la musique électronique et d’autres genres axés sur les échantillons et les rythmes.
Dans ces genres, un producteur joue un rôle beaucoup plus actif dans la création de la musique que dans les genres axés sur les instruments acoustiques.
Tout comme pour le rock et la pop, certains producteurs de rap ont leur propre son et accompagnent des personnalités plus grandes que nature. Dr. Dre a été le pionnier du son G-funk de la côte ouest avec ses lignes de basse suffisamment funky et ses synthés pleurnichants de marque.
Au même moment et de l’autre côté du pays, RZA dotait le Wu-Tang Clan et les projets solo de ses membres d’un son considérablement plus graveleux sur la côte Est composé d’échantillons de disques soul obscurs et de déchirures VHS lo-fi de films d’arts martiaux des années 70.
Les producteurs de hip-hop créent les emcees instrumentaux puis rappent, tout en fournissant des conseils à l’emcee en studio. Ils créent ces battements de différentes manières:
- Échantillonner quelques secondes de battements de batterie (appelés « breakbeats ») et / ou de mélodie et d’autres crochets à partir d’enregistrements à l’aide d’une platine vinyle et de DAW
- Créer leurs propres battements avec des équipements tels que des boîtes à rythmes, des synthétiseurs et des DAW pour créer une version numérique d’instruments réels
- Enregistrer des instruments réels live
Ils combinent tout ou partie de ces morceaux ensemble avec d’autres petites touches telles que des one-shots (notes uniques uniques, accords ou autres effets sonores utilisés pour ajouter de la variation à une boucle de rythme) dans un rythme cohérent en utilisant les mêmes producteurs de logiciels de mixage dans d’autres genres, utilisez. (Nous aborderons tous ces logiciels d’ingénierie plus loin dans cet article.)
Producteurs de hip-hop et beatmakers
Vous pouvez aussi parfois voir des producteurs de hip-hop appelés « beatmakers. »Alors que peut certainement être (et sont souvent) la même chose, il y a une distinction: un beatmaker ne fait que l’instrumental.
Les beatmakers travaillent seuls (ou en équipe), généralement sans être en studio avec l’emcee. En revanche, un producteur de hip-hop peut non seulement créer les instrumentaux, mais aussi coacher le maître de cérémonie pendant qu’il se produit en studio et fournir une expertise en ingénierie.
Production musicale à l’ère numérique
Dans les années 90, les femmes avaient commencé à percer dans la production musicale, avec des pionnières comme Sylvia Massy travaillant sur des disques majeurs vendus au platine d’artistes rock comme Tool, the Red Hot Chili Peppers et System of a Down.
Les années 90 ont également vu l’évolution croissante de l’enregistrement numérique et de l’ingénierie se reporter à la décennie précédente. Des albums majeurs comme Graceland de Paul Simon de 1986 ont été enregistrés sur bande analogique, mais transférés et mixés sur un nouvel équipement appelé digital audio workstation (DAW). DAWs est devenu la norme dans les studios d’enregistrement des années 90, et dans les années 00, la grande majorité de la production musicale est devenue entièrement numérique.
Production musicale EN TANT QU’écriture de chansons
Aujourd’hui, les producteurs de musique sont souvent des artistes et des auteurs-compositeurs, et l’inverse aussi. Les distinctions précédentes se sont effondrées.
Alors que les outils de production de musique électronique sont devenus omniprésents, de plus en plus de chansons sont écrites en ce moment. Ils sont construits à partir de zéro EN TANT QUE production.
Les rythmes, les crochets et autres éléments instrumentaux sont appelés « le rythme », qui occupe le devant de la scène au début du processus. Souvent, un auteur-compositeur (ou producteur vocal) de premier plan est ensuite introduit afin de créer des mélodies vocales, des paroles et des harmonies.
De quoi ai-je besoin pour enregistrer de la musique à la maison?
Toute cette histoire nous amène à nos jours, où les DAW se sont couplés aux progrès de la puissance de calcul pour rendre la production musicale DIY accessible à presque tous ceux qui sont déterminés à faire leur propre disque professionnel chez eux.
Mais ce n’est pas seulement un logiciel dont vous aurez besoin. Si vous cherchez à enregistrer de la musique à la maison, voici une liste de choses dont vous aurez besoin pour commencer:
1.) Ordinateur: Si vous possédez un ordinateur fabriqué au cours des dernières années, il est probable qu’il fonctionnera pour la production musicale. Le composant clé que vous recherchez est la RAM. La plupart des DAW nécessitent au moins 8 gigaoctets de RAM, ce qui n’est vraiment pas grand-chose pour les ordinateurs neufs (mon Macbook 2015 a 8 Go de RAM, pour vous donner une idée). C’est assez de mémoire pour traiter jusqu’à 25 pistes audio avec plusieurs instruments et effets, ce qui est plus que suffisant pour tous les disciples de Brian Wilson, sauf les plus ambitieux.
Vous aurez également besoin d’un disque dur avec au moins 256 à 500 gigaoctets de stockage, ce qui est également assez standard pour les ordinateurs modernes. Le grand espace est pour stocker vos fichiers audio, qui seront non compressés, ils prendront donc beaucoup de place. Les disques durs à semi-conducteurs (SSD) sont meilleurs que les disques réels pour la vitesse d’écriture et de lecture. Le SSD est beaucoup plus abordable maintenant qu’il ne l’était il y a quelques années, donc si vous êtes sur le marché d’un nouvel ordinateur pour l’enregistrement à domicile, vous n’aurez pas besoin de dépenser une tonne pour le luxe supplémentaire.
2.) DAW: C’est le logiciel principal que vous allez exécuter sur votre ordinateur. Il y a des tonnes de DAW avec des coûts allant de gratuits à quelques milliers de dollars. Beaucoup proposent des abonnements mensuels avec différents niveaux, avec des niveaux plus chers vous donnant accès à plus de fonctions.
Cela dit, même les niveaux les plus basiques de la plupart des DAW offrent un enregistrement 16 pistes et la plupart des fonctionnalités dont vous aurez besoin. Et tous les populaires fonctionneront bien tant qu’ils sont compatibles avec votre ordinateur:
Audition
Cubase
Garageband
Live
Logic Pro
LUNA
Pro Tools
Raison
Sonar
Studio One
3.) Interface audio: Ce sont des boîtiers physiques qui se branchent sur le port USB de votre ordinateur et transforment les sons analogiques (ceux d’une voix ou d’un instrument) en signaux numériques. Ils coûtent généralement quelques centaines de dollars et, comme les DAW, ont pour la plupart les mêmes fonctions avec des différences mineures dans la disposition des boutons.
Voici quelques-unes des interfaces audio les mieux notées :
Audient iD4 MkII
SSL 2 +
Focusrite Scarlett 4i4 3rd Gen
Universal Audio UAD Apollo Twin MkII
Native Instruments Komplete Audio 2
4.) Microphone: Vous avez besoin de quelque chose pour vous connecter à votre interface audio et enregistrer votre musique. Heureusement, vous pouvez acheter un microphone de studio de qualité pour moins de 100 $. Il existe deux principaux types de microphones, dynamiques et à condensateur. Chacun a sa propre application préférée, vous voudrez donc sélectionner l’un (ou les deux) des éléments suivants en fonction de la façon dont vous allez l’utiliser:
Les microphones dynamiques utilisent un diaphragme magnétique à bobine mobile. Ils sont parfaits pour jouer et enregistrer lors de concerts en direct ou pour enregistrer des instruments forts comme des guitares amplifiées et des batteries. Les kits de batterie sont notoirement difficiles à enregistrer avec précision.
Voici les cinq meilleurs microphones dynamiques pour environ 100 $ selon MicReviews site de passionnés de microphones:
Audix i5
Shure SM57
Sennheiser e 835
SE Electronics V7
AKG D5
Les microphones à condensateur utilisent un diaphragme conducteur qui vibre avec la pression acoustique. Leur technologie les rend plus précis que les microphones dynamiques, ils sont donc parfaits pour l’enregistrement de précision des instruments acoustiques et des voix. Les micros à condensateur nécessitent également une source d’alimentation extérieure car ils fonctionnent sur une sortie XLR, mais vous en aurez déjà une si vous avez acheté une interface audio.
Voici les cinq meilleurs microphones à condensateur pour environ 100 $, également selon MicReviews:
Audio-Technica AT2020
AKG P120
Se Electronics X1 A
Rode NT-USB Mini
Samson C01
Si votre budget est un peu plus élevé, les microphones à condensateur à la fine pointe de la technologie peuvent coûter plus de 1 000 $.
Voici les cinq meilleurs microphones à condensateur pour 200 $ à 1 000 according selon le superstore audio Sweetwater:
United Studio Technologies UT FET47
Rode NTK
Mojave Audio MA-201fet
Audio autrichien OC18
Warm Audio WA-87
5.) Casque: C’est ainsi que vous référencez ce que vous enregistrez. Vous aurez besoin d’une paire d’écouteurs analytiques spécialement fabriqués pour l’enregistrement. Recherchez des termes comme « référence », « studio » ou « professionnel » lors de vos achats. L’objectif est que les téléphones soient aussi plats que possible dans leur réponse en fréquence afin que votre lecture soit une représentation honnête de ce que vous avez enregistré. Apprenez à choisir les meilleurs écouteurs.
Vous pouvez également utiliser à cette fin des haut-parleurs spéciaux appelés moniteurs de studio, mais ceux-ci ont tendance à être plus chers que les écouteurs. Ils sont également beaucoup plus forts car ce sont de véritables haut-parleurs, ils ne sont donc pas idéaux pour la vie en appartement.
Puis-je enregistrer de la musique sur ma tablette ?
Si votre espace est vraiment limité, ou si vous êtes principalement en déplacement, ou si vous aimez simplement la commodité de l’enregistrement portable pour votre plate-forme principale ou une sauvegarde sur la route, vous pouvez enregistrer de la musique directement sur une tablette.
Les progrès de la technologie mobile ont permis à des appareils mobiles comme un iPad de capturer un son de qualité avec rien de plus que l’appareil lui-même, certains composants après-vente et des applications audio. Les tablettes ont normalement quelques centaines de Go de stockage, et beaucoup ont un emplacement pour carte microSD pour l’étendre en enregistrant vos fichiers sur des cartes externes.
Voici les trois meilleures tablettes pour l’enregistrement mobile:
iPad Pro
Microsoft Surface Pro 7
Samsung Galaxy Tab S7
Tout comme avec un ordinateur, vous aurez besoin d’une interface audio pour enregistrer de la musique sur votre tablette. L’IK iRig semble être le plus recommandé, et vous pouvez généralement le trouver en dessous de 50 $!
Et tout comme sur un ordinateur, vous aurez également besoin d’un DAW pour traiter et éditer l’audio sur votre tablette. Ceux-ci sont répartis entre iOS (Apple) et Android, vous voudrez donc en rechercher un compatible avec votre système d’exploitation.
Puis-je enregistrer de la musique sur mon smartphone ?
Si vous cherchez à être vraiment portable, vous pouvez même enregistrer de la musique sur votre smartphone. Vous n’avez même pas besoin de plus d’équipement qu’un iPhone ou Android et une application audio!
Deux applications d’enregistrement de musique populaires pour Android sont:
Enregistreur vocal facile
RecForge II
Deux applications d’enregistrement de musique populaires pour iPhone sont:
RØDE Reporter
Garageband
Si vous souhaitez améliorer la qualité d’enregistrement sur sur votre smartphone, vous pouvez acheter l’un de ces microphones externes pour moins de 50 $:
Microphones RØDE VideoMic
Dayton Audio iMM-6
Saramonic Mini SmartMic
Comment configurer un studio d’enregistrement à domicile ?
Vous avez donc tout votre équipement audio et vous êtes prêt à vous mettre au travail. Mais vous devez d’abord trouver une pièce appropriée pour enregistrer. Ce sera votre home studio.
Vous voudrez choisir judicieusement la pièce pour votre home studio. Si vous êtes dans une maison avec une pièce de rechange, vous êtes prêt! Mais si vous êtes dans un appartement ou quelque part avec un espace limité, votre chambre à coucher pourrait inévitablement faire double emploi avec votre studio d’enregistrement.
Les chambres (et vraiment n’importe quelle pièce de la maison) ne sont pas faites pour être utilisées comme home studio. Pour convertir la pièce de votre choix en un environnement d’enregistrement approprié, vous devrez faire quelque chose appelé traitement acoustique.
Comment traiter l’acoustique de ma pièce ?
Votre objectif en mettant en place un traitement acoustique dans votre home studio est de rendre le son de l’espace aussi plat que possible. Cela signifie supprimer toute réverbération par absorption acoustique, de sorte qu’il ne reste plus qu’un son direct de vos instruments ou de votre voix.
Suivez ces étapes pour supprimer toute réverbération de votre home studio:
1.) Achetez les trois articles de traitement acoustique:
- Pièges à basses pour absorber les basses fréquences
- Panneaux acoustiques pour absorber les moyennes/hautes fréquences
- Diffuseurs pour diffuser les fréquences restantes
2.) Promenez-vous dans votre chambre et frappez des mains à chaque endroit où vous pouvez vous tenir debout. Vous écoutez des sons de sonnerie aigus. Ce sont de mauvaises acoustiques, et elles vont vraiment gâcher votre mixage sonore. Si vous êtes dans une chambre standard à quatre coins avec un plafond de hauteur moyenne, il y a de fortes chances que l’acoustique soit du mauvais côté.
3.) Utiliser un traitement acoustique pour résoudre les problèmes acoustiques suivants:
- Coins. Placez des pièges à basses dans les coins de votre pièce. Les pièges à basses sont la pièce la plus importante de l’équipement de traitement acoustique, et les coins sont particulièrement problématiques pour la réverbération des basses. Placer des pièges de basses dans les coins élimine les reflets et consomme tout excès de basses qui pourrait s’infiltrer dans votre mix.
- Fenêtres. Placez des panneaux acoustiques sur les fenêtres pour les fermer. Le verre reflète des fréquences très lumineuses qui peuvent causer des problèmes avec votre mélange.
4.) Effectuez le test clap lorsque vous effectuez un traitement acoustique supplémentaire jusqu’à ce que vous obteniez le son souhaité. C’est généralement une belle réverbération douce.
5.) Utilisez des diffuseurs pour diffuser et contrôler les réflexions sonores si vous préférez plus de réverbération. Vous pouvez combiner le placement stratégique des diffuseurs avec un matériau de traitement acoustique pour obtenir l’ambiance exacte de la pièce que vous aimez.
6.) Utilisez un filtre de réflexion sur votre microphone si vous enregistrez des instruments acoustiques tels que des guitares acoustiques ou des voix. Les filtres de réflexion empêchent l’acoustique de rebondir dans votre espace, ce qui vous permet d’obtenir un enregistrement intime au lieu d’un son dispersé.
Comment puis-je réellement enregistrer ma musique?
Le processus d’enregistrement – également appelé « suivi » – peut être une expérience très personnelle et subjective.
Où vous placez les micros, quels effets et traitements vous utilisez, comment vous prenez des décisions en cours de route — ces choses différeront d’un artiste à l’autre et d’un producteur à l’autre.
Ce qui sonne « bon » ou « mauvais » dépend également assez de votre genre, il est donc plus difficile de faire des recommandations spécifiques ici. Cependant, YouTube est une mine d’or de conseils d’enregistrement et je vous suggère d’y rechercher chaque fois que vous êtes coincé.
Cela dit, j’ai quelques conseils généraux qui vous aideront à rester productif en vous fixant des limites.
Comment améliorer vos enregistrements en définissant des limitations
Dans un espace créatif, des options infinies peuvent nous rendre fous.
Cela est particulièrement vrai avec l’enregistrement de musique numérique car votre espace de stockage n’est presque pas limité. Pendant ce temps, si vous êtes comme beaucoup d’artistes DIY, vous n’avez pas d’heures interminables à passer à enregistrer, donc les contraintes de temps augmentent la pression. Dans cet environnement, une limitation peut être la chose même qui vous garde sain d’esprit.
En d’autres termes, il est payant de prendre des décisions au fur et à mesure.
Avez-vous déjà vu Les Cinq Obstructions? C’est un excellent film, et une excellente illustration de la façon dont les obstacles arbitraires peuvent nous aider à nous concentrer et à dépasser nos mouvements habituels.
Si vous êtes sur le point d’ouvrir une nouvelle session dans votre DAW, considérez certaines de ces limitations créatives :
1.) Définissez un nombre maximum de pistes avant le début de la session: Il n’est pas rare de nos jours que les sessions d’enregistrement aient 100 pistes. Bien sûr, si vous enregistrez le prochain single #1 pour Doja Cat et que vous avez vraiment besoin de superposer 15 grosses caisses, allez-y. Mais si vous réduisez le temps d’enregistrement le week-end, voulez-vous vraiment avoir à passer au crible toutes ces pistes chaque fois que vous ouvrez votre session?
Au lieu de cela, définissez une règle pour vous-même: aucune chanson de cet album n’aura plus de X pistes. Ça pourrait être 4, 8, 16, 24, whatever peu importe. (Mais si votre session prend plus de 24 pistes, vous ne vous limitez pas exactement, n’est-ce pas?)
Alors mettez votre chapeau minimal. Cela vous obligera à réduire les choses à l’essentiel, et vous fera gagner beaucoup de temps et d’inquiétude lorsque vous arriverez à la phase de mélange.
Conseil: si vous approchez de votre limite de piste et que vous avez encore besoin d’une grosse caisse supplémentaire, vous pouvez peut-être mélanger le quatuor à cordes ou les six chœurs sur une piste stéréo. Ce qui nous amène à…
2.) Submix, submix, submix: Si vous travaillez avec un regroupement d’instruments qui appartiennent tous au même univers, créez un sous-mélange de ce regroupement (cordes avec cordes, cuivres avec cuivres, voix de fond avec voix de fond, batterie avec batterie, etc.). Une fois que vous avez le bon mélange pour chaque groupe, imprimez-le sur bande (ou enregistrez-le sur l’ordinateur) et engagez-le! Encore une fois, ce mouvement vous fera gagner du temps et du stress en matière de mixage, et ouvrira plus de pistes si vous devez ajouter plus d’instruments.
Indice: si vous êtes vraiment en train de douter de vos sous-mixages quand vient le temps de créer le mix final, vous pouvez toujours revenir dans votre session (sauf si vous enregistrez de l’analogique!) et créer un nouveau mélange. Bien que cela contrarie un peu tout le but du sous-mélange en premier lieu.
3.) Définissez des règles pour l’instrumentation et la palette sonore: Avant de commencer une session d’enregistrement, décidez quels instruments seront utilisés, quels effets, quels échantillons, quels sons… et respectez-les pour l’ensemble du projet sans introduire d’autres éléments. Peut-être que vous voulez que tous les tambours soient un vintage 808, mais avec un vrai shaker et un tambourin. Grand. Ça a l’air cool. Mais vous ne pouvez pas ajouter de vraie caisse claire ou de cymbales plus tard! Peut-être que vous voulez utiliser une telecaster au son propre avec quelques retards. Doux! Interdisez-vous d’utiliser n’importe quel type de pédale de distorsion pour tout l’album, et comptez uniquement sur l’ampli pour le crunch. En établissant ces règles de base, vous devenez plus créatif avec les instruments que vous utilisez (afin de diversifier les chansons à travers l’album), ET vous finissez par donner une cohésion au projet dans son ensemble. Ce genre de limitations est souvent ce qui donne aux grands albums une certaine « sensation ». »
4.) Donnez-vous une quantité finie de prises par partie: Rien n’est pire que de réécouter 20 solos de guitare pour trouver les moments magiques de chacun qui peuvent être compilés ensemble. Les pistes Voltron sont pour les suckas! Ne sois pas un robot. Soyez un humain. Dites-vous: « Je vais clouer ce solo de guitare en 3 prises. Si je ne le fais pas, je passe à autre chose et je reviens plus tard. »Ensuite, si vous n’obtenez pas quelque chose qui sonne bien, supprimez ces pistes. Recommencez demain.
5.) Laissez quelque chose de côté: Parfois, une chanson peut prendre une toute nouvelle vie lorsque vous supprimez un élément que vous pensiez auparavant crucial pour l’arrangement global. Et si vous retiriez le pad de synthé de votre dernière chanson hip-hop et que vous vous fiiez à la boucle de batterie, à la basse et aux échantillons pour faire le travail? Et si votre berceuse de guitare acoustique, d’accordéon et de violoncelle était en fait plus intéressante sans la guitare acoustique? Expérimentez avec la suppression des choses. Donnez un peu de répit à la chanson. Vous trouverez peut-être que moins c’est plus.
6.) S’engager dans les effets: Aimez-vous la façon dont quelque chose sonne pendant qu’il est traité dans la surveillance? Peut-être que vous chantez avec de la réverbération et que votre performance vocale répond à cet effet. Peut-être que vous avez un son de synthé avec un peu de saleté dessus et que c’est excitant. Grand. Imprimez-le ! Mettez-le dans la pierre et avancez. Encore une fois, le mélange se fera beaucoup plus rapidement lorsque vous aurez moins de décisions à prendre.
Comment mixer ma musique ?
Après avoir enregistré toutes les pistes de votre chanson, l’étape suivante consiste à les mixer toutes ensemble. Il en résulte ce qu’on appelle un mixage, qui est le produit final de toutes les différentes pistes d’une chanson mises ensemble.
Pourquoi mixer sa propre musique ? Parce que le mixage audio est une partie essentielle de la production musicale et apprendre à le faire fera de vous un artiste indépendant plus autonome.
Bien que cela puisse devenir un peu technique, il y a quelques étapes de base que tout auto-producteur en herbe devrait suivre pour éviter les erreurs lors du mélange:
1.) Choisissez votre DAW: Nous avons déjà recommandé certains DAW pour l’enregistrement à domicile. Ils ne sont pas seulement utilisés pour enregistrer, mais aussi pour mixer. Une fois que vous avez choisi un DAW, respectez-le et apprenez toutes ses subtilités afin de maîtriser ses fonctionnalités de mélange.
2.) Configurez votre session de mixage: Vous pouvez utiliser un modèle prédéfini dans votre DAW pour cela. Ces modèles ont tendance à être orientés vers des genres spécifiques comme le rock ou l’acoustique, et ils définissent l’ordre de mixage des pistes en conséquence. Vous pouvez également créer votre propre modèle de mix qui convient à vos besoins.
3.) Assurez-vous que vos pistes sont nommées avec précision: Nommer les pistes audio par de simples descripteurs comme « chant principal » et « guitare acoustique » facilitera la localisation de celles-ci lors du mixage.
4.) Code couleur de vos pistes par instrument: Utilisez votre DAW pour choisir les couleurs de vos pistes par l’instrument auquel elles appartiennent. Si vous avez trois pistes de guitare rythmique sur votre chanson, codez-les de la même couleur afin de pouvoir les localiser rapidement.
5.) Combinez vos pistes d’instrument avec un « bus »: Cela rendra le traitement de vos pistes plus efficace et créera un sentiment d’unité. Par exemple, jouer avec le traitement des effets de toutes vos pistes vocales ensemble pour les équilibrer dans le mix.
6.) Niveau – faites correspondre vos pistes: Équilibrez les niveaux pour toutes vos pistes. Prenez le temps d’augmenter ou de baisser les niveaux de chaque piste de votre mix tout au long de la chanson pour ajouter de l’excitation, du calme et toute autre émotion là où vous le souhaitez.
7.) Utilisez la stéréo à votre avantage avec le panoramique: Il y a une raison pour laquelle le mixage stéréo a dépassé le mono il y a des décennies. Vous pouvez faire un panoramique des pistes vers les canaux gauche ou droit de votre mixage pour obtenir l’effet souhaité pour l’auditeur. Le panoramique d’une guitare rythmique d’un côté et du lead de l’autre rend une chanson plus intéressante et donne un sentiment d’espace dans le mix. Cela donne également l’impression qu’un groupe complet joue ensemble dans une pièce même si ce n’est pas le cas.
8.) Traitez vos pistes avec les effets suivants:
Égaliseur (EQ), qui est l’équilibre des fréquences sur une piste spécifique. Parcourez chaque piste individuelle et ÉGALISEZ-la à votre guise.
Compression, qui augmente ou abaisse la plage dynamique d’une piste. Votre objectif est d’obtenir un mélange uniforme où rien ne se perd ou est extrêmement bruyant. Il suffit de ne même pas tout au point où tout est bruyant, ou votre piste deviendra une autre victime de la guerre du volume.
Réverbération, qui est la réflexion des ondes sonores. Vous avez déjà contrôlé une certaine réverbération lorsque vous avez effectué un traitement acoustique dans votre home studio. Si vous avez complètement aplati la réponse en fréquence, vous pouvez remettre artificiellement la réverbération dans votre mix dans votre DAW. Et si vous avez obtenu la quantité de réverbération naturelle souhaitée grâce à un placement parfait du traitement acoustique et des diffuseurs dans votre home studio, félicitations, vous en avez terminé avec les effets!
9.) Partagez votre processus avec d’autres collaborateurs: Si vous êtes dans un groupe ou que vous travaillez avec des collaborateurs, il y a de fortes chances que ce processus soit plus démocratique que dictatorial. Même si vous êtes nommé en charge de l’ingénierie, partagez les fichiers au fur et à mesure que vous les mélangez avec vos collaborateurs via Notetracks.
Terminez votre enregistrement avec le mastering
Après avoir suivi votre chanson et mixé toutes les pistes ensemble dans le mixage final, votre chanson est terminée à 99%. Mais il reste encore une étape à franchir avant que votre enregistrement soit prêt pour la sortie :
Vous devez maîtriser votre enregistrement.
Le mastering musical est la dernière étape du processus d’enregistrement. Pendant le mastering, des traitements audio supplémentaires sont appliqués à votre mixage pour corriger les fréquences problématiques et améliorer la musicalité de votre piste.
Comment maîtriser ma musique ?
Il existe plusieurs façons de maîtriser votre chanson:
- Vous pouvez embaucher un ingénieur de mastering. Ce sont des spécialistes qui écoutent le mixage final et ajustent le volume global. Si nécessaire, ils ajoutent également des effets de post-production ou une compression supplémentaire. Les ingénieurs de mastering facturent généralement entre 50 et 100 dollars pour les retouches mineures et 150 dollars ou plus par chanson pour un traitement complet.
- Vous pouvez utiliser CloudBounce, un programme de mastering automatisé qui fonctionne directement dans votre compte CD Baby! CloudBounce utilise un algorithme contrôlé par les paramètres que vous sélectionnez pour ajuster les niveaux de votre mixage et créer un master final. Le mastering avec CloudBounce ne coûte que 9,90 $ par chanson. Bien que ce ne soit pas aussi exact qu’un vrai réglage humain de chaque petit détail de votre piste, c’est beaucoup moins cher et plus rapide. Si vous avez déjà compris vous-même votre mixage et que vous avez juste besoin d’une correspondance de niveau avant de distribuer votre chanson, CloudBounce est la voie à suivre.
Libérez votre musique
Maintenant que votre mixage est devenu votre maître final, votre chanson est prête pour la sortie. Félicitations! Il est temps de présenter votre chanson au monde.
CD Baby distribue de la musique sur plus de 150 plateformes numériques et monétise votre musique sur les réseaux sociaux et les plateformes vidéo afin que vous soyez payé partout où votre musique est jouée.
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