Wie man Musik zu Hause aufnimmt und produziert
Versuchen Sie, qualitativ hochwertige Musik aus einem Heimstudio zu produzieren? Du hast den perfekten Zeitpunkt gewählt! Billie Eilish: When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, zu Charlie XCX ‚Fan-Collab how i’m feeling now, zu Taylor Swifts Folklore, Eine Reihe erfolgreicher Veröffentlichungen wurden außerhalb eines traditionellen Studios aufgenommen.
Aber diese Alben wurden immer noch mit der Unterstützung und den finanziellen Vorteilen eines Major-Labels gemacht. Was ist mit jemandem, der nicht ein paar hunderttausend Dollar hat, um ein hochmodernes Aufnahmestudio in seinem Haus zu installieren? Oder wer kann nicht den gefragtesten Produzenten einstellen? Oder wer besitzt nicht einmal ein teures Mikrofon?
Wie können Sie eine großartig klingende Platte produzieren, ohne in ein professionelles Studio zu gehen und ohne in Ihre Ersparnisse einzutauchen? Wir zeigen Ihnen, wie in diesem Artikel. Aber lassen Sie uns zuerst einen Kontext darüber bekommen, was es bedeutet, Musik zu „produzieren“.
Was ist Musikproduktion?
Hier ist die kurze Antwort: Musikproduktion ist der Prozess der Erfassung analoger Schallwellen auf einem reproduzierbaren Medium durch ein Aufnahmegerät. Die Person, die sich auf die Aufnahme dieser Aufnahmen spezialisiert hat, wird als Musikproduzent bezeichnet. Sie beaufsichtigen den Aufnahmeprozess und versuchen, die Musik so gut wie möglich klingen zu lassen, während sie gleichzeitig mit den Musikern zusammenarbeiten, um ihre künstlerische Vision zu verwirklichen.
In den letzten 120 Jahren der Musikgeschichte hat sich der Umfang des Engagements eines Musikproduzenten verschoben, da die Technologie fortgeschritten ist und stilistische Trends gekommen und gegangen sind.
Lassen Sie uns sehen, wie sich Technologie und Trends entwickelt haben, indem wir zu den Ursprüngen der aufgezeichneten Musik zurückkehren.
Die Anfänge der Musikproduktion
Im späten 19.Jahrhundert wurde Musik von einer Maschine namens Phonograph direkt in einen Zylinder geschnitten, der normalerweise aus Aluminium bestand. Zu dieser Zeit war ein Produzent (ein Begriff, der noch nicht einmal erfunden worden war) einfach derjenige, der anwesend war, um die Maschinen zu bedienen. Produktionsaufgaben, wie sie waren, belief sich auf nicht mehr als zu wissen, wie die Ausrüstung zu arbeiten, so dass der Künstler ihre Leistung aufzeichnen konnte.
Diese begrenzte Spezialisierung setzte sich bis in die frühen Teile des 20.Jahrhunderts fort, als die Musikindustrie das Grammophon für die Aufnahme und die Wax Master Disc als Medium einsetzte. Zu dieser Zeit wurde die gesamte Musik live aufgenommen; nicht unbedingt vor Publikum, sondern mit Single-Take-Performances. Diese Einschränkung bedeutete, dass ein Fehler die gesamte Aufnahme zwang, verschrottet und von Grund auf neu gestartet zu werden.
Magnetband erleichtert die Musikproduktion
Magnetband debütierte im Zweiten Weltkrieg, als alliierte Toningenieure deutsche Radiosendungen überwachten und feststellten, dass sie irgendwie aufgezeichnet wurden, anstatt live diktiert zu werden. Nach dem Krieg entdeckten amerikanische Toningenieure das neue Medium und brachten es für kommerzielle Aufnahmen zurück.
In den 1950er Jahren hatte Magnetband Schallplatten in der ersten Revolution in der Geschichte der Musikaufzeichnung verdrängt. Der größte Vorteil des Bandes gegenüber Grammophonaufnahmen war seine Fähigkeit, aus mehreren Aufnahmen zusammengefügt zu werden, ein Prozess, der als „Bearbeiten“ bezeichnet wird.“
Eine komplette Aufnahme müsste nicht mehr wegen eines Flubs verschrottet werden. Nicht nur das, sondern die Bandmitglieder konnten ihre einzelnen Parts separat aufnehmen, im Gegensatz zu allen zusammen im Studio. Musiker konnten mehrere Takes aufnehmen und zusammen bearbeiten, um die bevorzugte Version zu erhalten.
Der Musikproduzent als Creative Director
Die erhöhte Flexibilität der Magnetbandaufnahme führte zur wahren Geburt des modernen Plattenproduzenten; das heißt, jemand, der nicht nur die Aufnahmemaschine bedient, sondern auch kreative und künstlerische Anleitung bei den Aufführungen, Arrangements und sogar beim Songwriting bietet. Der Input eines Produzenten beeinflusst, wie die endgültige Aufnahme aus mehr als nur technischer Sicht klingt.
In den 60er Jahren machten Produzenten wie George Martin mit den Beatles und Phil Spector mit R& B Künstler wie The Ronettes und Ike und Tina Turner die Idee des Plattenproduzenten als wesentlichen Bestandteil des Aufnahmeprozesses populär. Spector war insbesondere Pionier bei der Verwendung des Aufnahmestudios als eigenes Instrument mit seinem Produktionsstil „Wall of Sound“; eine dichte, orchestrale Herangehensweise an Popmusik, die andere Visionäre wie Brian Wilson von den Beach Boys beeinflusste, um ihre Aufnahmen mit mehr Instrumentierung weiter zu verschönern.
(Wir sollten hier auch feststellen, dass unsere Diskussion über Spector als Produzenten in keiner Weise seine späteren Handlungen überschattet, die zu seiner Inhaftierung wegen Mordes führten. Es ist jedoch unmöglich, über die Geschichte der Musikproduktion zu sprechen, ohne Spector und seinen Einfluss zu erwähnen.)
Produzenten entwickeln ihren Signature-Sound
Als übergroße Persönlichkeiten wie Spector begannen, sich über ihre Aufnahmen auszubreiten, wurde die Idee, dass bestimmte Produzenten einen Signature- „Sound“ erzeugen könnten, vorherrschend. Der experimentelle Popkünstler Brian Eno sah sich ab Mitte der 70er Jahre als Produzent für andere Künstler gefragt, nachdem seine selbst produzierten Platten an Popularität gewonnen hatten.
Während viele Produzenten bei einem oder zwei Genres blieben, mit denen sie sich wohl fühlten (oder nur bei Jazzproduzenten wie Rudy Van Gelder), versuchten andere, sich in jedes Genre zu wagen, das ihnen gefiel. Tom Wilson sprang von Genre zu Genre und nahm allein in den 1960er Jahren Folk-Künstler wie Bob Dylan, die Protopunkerband The Velvet Underground und den Avantgarde-Jazz-Propheten Sun Ra auf.
Als größere Musikproduzenten in der Mainstream-Popmusik ihre Sounds mit modernster Ausrüstung erweiterten, florierten Innovatoren auch auf der ganzen Welt, indem sie mit begrenzter Technologie Geld verdienten. In den späten 60er Jahren, zum Beispiel, Produzenten würden eine einzelne Kopie eines neuen Songs machen, um seine Marktfähigkeit zu testen. Diese Kopien wurden als „Dubs“ bekannt,und bald produzierten die Produzenten Instrumentalmischungen des Songs für den Einsatz in Clubs. Diese Praxis brachte das Subgenre des Reggae hervor, das in den 70er Jahren angemessen als „Dub Music“ bezeichnet wurde.
In den 1980er Jahren schien eine Reaktion auf die „Mehr ist mehr“ -Mentalität des Rock-Exzesses des vorigen Jahrzehnts im Gange zu sein, angeführt von Produzenten wie Rick Rubin und Steve Albini. Diese Produzenten wurden für ihre minimalistischen Aufnahmestile gesucht, Insbesondere Albini behauptete, er sei nur ein Ingenieur und habe einfach „Record“ getroffen. Die Popularität dieser Produzenten lag hauptsächlich bei neueren oder „alternativen“ Genres mit jüngeren Musikern wie Metal, Punk und Hip-Hop.
Wie sich Hip-Hop-Produzenten von anderen Genres unterscheiden
Wenn wir von Hip-Hop sprechen, sollten wir eine Unterscheidung ansprechen, wenn wir „Musikproduktion“ definieren: die Produktionstechniken, die in Hip-Hop, elektronischer Musik und anderen Sample- und Beat-fokussierten Genres verwendet werden.
In diesen Genres spielt ein Produzent eine viel aktivere Rolle bei der Erstellung der Musik als in Genres, die sich auf akustische Instrumente konzentrieren.
Genau wie bei Rock und Pop haben bestimmte Rap-Produzenten ihren eigenen Sound und begleitende überlebensgroße Persönlichkeiten. Dr. Dre Pionier der Westküste G-Funk-Sound mit seinen entsprechend funky Basslines und Marke jammern Synths.
Zur gleichen Zeit und auf der anderen Seite des Landes stattete RZA den Wu-Tang Clan und die Soloprojekte seiner Mitglieder mit einem wesentlich düstereren Ostküsten-Sound aus, der aus Samples von obskuren Soul-Platten und Lo-Fi-VHS-Rips von Kampfkunstfilmen der 70er Jahre bestand.
Hip-Hop-Produzenten erstellen die Instrumentals Moderatoren dann rappen über, während auch die Beratung der Moderatoren im Studio. Sie erstellen diese Beats auf verschiedene Arten:
- Sampling einiger Sekunden von Drum-Beats („Breakbeats“ genannt) und / oder Melodien und anderen Hooks von Schallplatten mit einem Plattenspieler und DAWs
- Erstellen eigener Beats mit Geräten wie Drum-Machines, Synthesizern und DAWs, um eine digitale Version von echten Instrumenten zu erstellen
- Aufnahme tatsächlicher Live-Instrumente
Sie kombinieren einige oder alle dieser Stücke mit andere kleine Details wie One-Shots (einmalige Einzelnoten, Akkorde oder andere Soundeffekte, mit denen ein Beat-Loop variiert werden kann) werden mit derselben Mischsoftware zu einem zusammenhängenden Beat. in anderen Genres verwenden. (Wir werden all diese Engineering-Software später in diesem Artikel behandeln.)
Hip-Hop-Produzenten und Beatmaker
Manchmal werden Hip-Hop-Produzenten auch als „Beatmaker“ bezeichnet.“ Während es sicherlich dasselbe sein kann (und oft auch ist), gibt es einen Unterschied: Ein Beatmaker macht nur das Instrumental.
Beatmaker arbeiten alleine (oder in Teams), meist ohne mit dem Moderator im Studio zu sein. Im Gegensatz dazu kann ein Hip-Hop-Produzent nicht nur die Instrumentals erstellen, sondern auch den Moderator coachen, während er im Studio auftritt, und technisches Fachwissen bereitstellen.
Musikproduktion im digitalen Zeitalter
In den 90er Jahren hatten Frauen begonnen, in die Musikproduktion einzusteigen, wobei Wegbereiter wie Sylvia Massy an großen, Platinum-Selling-Platten von Rock-Acts wie Tool, the Red Hot Chili Peppers und System of a Down arbeiteten.
In den 90er Jahren wurde auch die zunehmende Entwicklung der digitalen Aufzeichnung und Technik aus dem vorangegangenen Jahrzehnt übernommen. Große Alben wie Paul Simons Graceland von 1986 wurden auf analogem Band aufgenommen, aber auf neuen Geräten namens Digital Audio Workstation (DAW) übertragen und gemischt. DAWs wurden in den Aufnahmestudios der 90er Jahre zum Standard, und in den 00er Jahren wurde die überwiegende Mehrheit der Musikproduktion vollständig digital.
Musikproduktion ALS Songwriting
Musikproduzenten sind heute oft Künstler und Songwriter, und umgekehrt auch. Die bisherigen Unterscheidungen sind gebrochen.
Da elektronische Musikproduktionswerkzeuge allgegenwärtig geworden sind, werden derzeit mehr Songs geschrieben. Sie werden von Grund auf als Produktion gebaut.
Die Rhythmen, Hooks und andere instrumentale Elemente werden als „The Beat“ bezeichnet, der früh im Prozess im Mittelpunkt steht. Oft wird dann ein Topline-Songwriter (oder Gesangsproduzent) eingeführt, um Gesangsmelodien, Texte und Harmonien zu erstellen.
Was brauche ich, um zu Hause Musik aufzunehmen?
All diese Geschichte bringt uns in die Gegenwart, wo DAWs mit Fortschritten in der Rechenleistung gekoppelt haben, um DIY-Musikproduktion für fast jeden zugänglich zu machen, der entschlossen ist, seine eigene professionell klingende Platte zu Hause zu machen.
Aber es ist nicht nur Software, die Sie benötigen. Wenn Sie Musik zu Hause aufnehmen möchten, finden Sie hier eine Checkliste mit den Dingen, die Sie für den Einstieg benötigen:
1.) Computer: Wenn Sie einen Computer besitzen, der in den letzten Jahren hergestellt wurde, funktioniert er wahrscheinlich für die Musikproduktion. Die Schlüsselkomponente, die Sie suchen, ist RAM. Die meisten DAWs benötigen mindestens 8 Gigabyte RAM, was für neue Computer wirklich nicht viel ist (mein Macbook 2015 hat 8 GB RAM, um Ihnen eine Idee zu geben). Das ist genug Speicher, um bis zu 25 Audiospuren mit mehreren Instrumenten und Effekten zu verarbeiten, was mehr als genug für alle außer den ehrgeizigsten Brian Wilson-Schülern ist.
Sie möchten auch eine Festplatte mit mindestens 256 bis 500 Gigabyte Speicher, was auch für moderne Computer ziemlich Standard ist. Der große Platz dient zum Speichern Ihrer Audiodateien, die unkomprimiert werden, sodass sie viel Platz beanspruchen. Solid-State-Festplatten (SSDs) sind besser als tatsächliche Discs für Schreib- und Lesegeschwindigkeit. SSD ist jetzt viel günstiger als noch vor ein paar Jahren, also wenn Sie in einem Markt für einen neuen Computer für Home Recording sind, müssen Sie keine Tonne für den zusätzlichen Luxus ausgeben.
2.) DAW: Dies ist die Hauptsoftware, die Sie auf Ihrem Computer ausführen werden. Es gibt Tonnen von DAWs mit Kosten von kostenlos bis zu ein paar tausend Dollar. Viele bieten monatliche Abonnements mit unterschiedlichen Ebenen an, Mit teureren Ebenen erhalten Sie Zugriff auf mehr Funktionen.
Das heißt, selbst die grundlegendsten Ebenen der meisten DAWs bieten 16-Spur-Aufnahme und die meisten Funktionen, die Sie benötigen. Und alle gängigen funktionieren einwandfrei, solange sie mit Ihrem Computer kompatibel sind:
Audition
Cubase
Garageband
Live
Logic Pro
LUNA
Pro Tools
Grund
Sonar
Studio Ein
3.) Audio Interface: Dies sind physische Boxen, die an den USB-Anschluss Ihres Computers angeschlossen werden und analoge Sounds (die einer Stimme oder eines Instruments) in digitale Signale umwandeln. Sie kosten in der Regel ein paar hundert Dollar und haben wie DAWs meist die gleichen Funktionen mit geringfügigen Unterschieden im Tastenlayout.
Hier sind einige der am besten bewerteten Audio-Interfaces:
Audient iD4 MkII
SSL 2+
Focusrite Scarlett 4i4 3rd Gen
Universal Audio UAD Apollo Twin MkII
Native Instruments Komplete Audio 2
4.) Mikrofon: Sie müssen etwas zu verbinden ihre audio-interface und nehmen sie ihre musik in. Glücklicherweise können Sie ein hochwertiges Studiomikrofon für unter 100 US-Dollar kaufen. Es gibt zwei Haupttypen von Mikrofonen, dynamische und Kondensator. Jedes hat seine eigene bevorzugte Anwendung, daher sollten Sie eine (oder beide) der folgenden Optionen auswählen, je nachdem, wie Sie es verwenden möchten:
Dynamische Mikrofone verwenden eine Magnetmembran mit beweglicher Spule. Sie eignen sich hervorragend für Auftritte und Aufnahmen bei Live-Gigs oder für die Aufnahme lauter Instrumente wie verstärkte Gitarren und Schlagzeug. Drum-Kits sind notorisch schwierig, genau aufzunehmen.
Hier sind die fünf besten dynamischen Mikrofone für rund 100 US-Dollar laut microphone Enthusiast Site MicReviews:
Audix i5
Shure SM57
Sennheiser e 835
sE Electronics V7
AKG D5
Kondensatormikrofone verwenden eine leitfähige Membran, die mit Schalldruck vibriert. Ihre Technologie macht sie genauer als dynamische Mikrofone, so dass sie perfekt für die präzise Aufnahme von akustischen Instrumenten und Gesang sind. Kondensatormikrofone benötigen auch eine externe Stromquelle, da sie am XLR-Ausgang betrieben werden, aber Sie haben bereits eine, wenn Sie ein Audio-Interface gekauft haben.
Hier sind die fünf besten Kondensatormikrofone für rund 100 US-Dollar, auch laut MicReviews:
Audio-Technica AT2020
AKG P120
sE Electronics X1 A
Rode NT-USB Mini
Samson C01
Wenn Ihr Budget etwas höher ist, können hochmoderne Kondensatormikrofone bis zu 1.000 US-Dollar kosten.
Hier sind die fünf besten Kondensatormikrofone für 200 bis 1.000 US-Dollar laut Audio Superstore Sweetwater:
Vereinigten Studio Technologien UT147
Ritt NTK
Mojave Audio MA-201fet
Österreichischen Audio OC18
Warme Audio WA-87
5.) Kopfhörer: So referenzierst du, was du aufnimmst. Sie möchten ein Paar analytische Kopfhörer, die speziell für die Aufnahme hergestellt wurden. Suchen Sie beim Einkaufen nach Begriffen wie „Referenz“, „Studio“ oder „professional“. Das Ziel ist, dass die Telefone in ihrem Frequenzgang so flach wie möglich sind, damit Ihre Wiedergabe eine ehrliche Darstellung dessen ist, was Sie aufgenommen haben. Erfahren Sie, wie Sie die besten Kopfhörer auswählen.
Sie können für diesen Zweck auch spezielle Lautsprecher verwenden, sogenannte Studiomonitore, die jedoch tendenziell teurer sind als Kopfhörer. Sie sind auch viel lauter, da es sich um echte Lautsprecher handelt, sodass sie nicht ideal für das Wohnen in Wohnungen sind.
Kann ich Musik auf meinem Tablet aufnehmen?
Wenn Ihr Platz wirklich begrenzt ist oder Sie meistens unterwegs sind oder wenn Sie einfach die Bequemlichkeit der tragbaren Aufnahme für Ihr Hauptgerät oder ein Backup unterwegs mögen, können Sie Musik direkt auf ein Tablet aufnehmen.
Fortschritte in der mobilen Technologie haben dazu geführt, dass mobile Geräte wie ein iPad in der Lage sind, Audioqualität nur mit dem Gerät selbst, einigen Aftermarket-Komponenten und Audioanwendungen aufzunehmen. Tablets verfügen normalerweise über einige hundert GB Speicher, und viele verfügen über einen microSD-Kartensteckplatz, um diesen zu erweitern, indem Sie Ihre Dateien auf externen Karten speichern.
Hier sind die drei besten Tablets für mobile Aufnahmen:
iPad Pro
Microsoft Surface Pro 7
Samsung Galaxy Tab S7
Genau wie bei einem Computer benötigen Sie ein Audiointerface, um Musik auf Ihrem Tablet aufzunehmen. Der IK iRig scheint der am meisten empfohlene zu sein, und Sie können ihn normalerweise unter 50 US-Dollar finden!
Und genau wie auf einem Computer benötigen Sie auch eine DAW, um das Audio auf Ihrem Tablet zu verarbeiten und zu bearbeiten. Diese sind zwischen iOS (Apple) und Android aufgeteilt, daher sollten Sie nach einem suchen, das mit Ihrem Betriebssystem kompatibel ist.
Kann ich Musik auf meinem Smartphone aufnehmen?
Wenn Sie wirklich tragbar werden möchten, können Sie sogar Musik auf Ihrem Smartphone aufnehmen. Sie brauchen nicht einmal mehr Ausrüstung als ein iPhone oder Android und eine Audio-App!
Zwei beliebte Musik-Aufnahme-Apps für Android sind:
Easy Voice Recorder
RecForge II
Zwei beliebte Musik-Aufnahme-Apps für iPhone sind:
RØDE Reporter
Garageband
Wenn Sie die Aufnahmequalität auf Ihrem iPhone verbessern möchten Ihr Smartphone, können Sie eines dieser externen Mikrofone für unter $ 50 kaufen:
RØDE Microphones VideoMic
Dayton Audio iMM-6
Saramonic Mini SmartMic
Wie richte ich ein Heimstudio ein?
Sie haben also Ihre gesamte Audioausrüstung und können sich an die Arbeit machen. Aber zuerst müssen Sie einen geeigneten Raum finden, in dem Sie aufnehmen können. Dies wird Ihr Heimstudio sein.
Sie sollten den Raum für Ihr Heimstudio mit Bedacht auswählen. Wenn Sie in einem Haus mit einem freien Zimmer sind, sind Sie fertig! Aber wenn Sie in einer Wohnung oder irgendwo mit begrenztem Platz sind, könnte Ihr Schlafzimmer unweigerlich doppelte Aufgabe als Ihr Aufnahmestudio ziehen.
Schlafzimmer (und wirklich jeder Raum im Haus) sind nicht dazu gedacht, als Heimstudio genutzt zu werden. Um den Raum Ihrer Wahl in eine geeignete Aufnahmeumgebung umzuwandeln, müssen Sie eine sogenannte akustische Behandlung durchführen.
Wie behandle ich meinen Raum akustisch?
Ihr Ziel bei der Einrichtung einer akustischen Behandlung in Ihrem Heimstudio ist es, den Klang des Raums so flach wie möglich zu gestalten. Das bedeutet, dass Sie jeglichen Hall durch akustische Absorption entfernen müssen, sodass nur noch direkter Klang von Ihren Instrumenten oder Ihrer Stimme übrig bleibt.
Befolgen Sie diese Schritte, um Hall aus Ihrem Heimstudio zu entfernen:
1.) Kaufen die drei akustische behandlung artikel:
- Bassfallen zur Absorption niedriger Frequenzen
- Akustikplatten zur Absorption mittlerer / hoher Frequenzen
- Diffusoren zur Streuung verbleibender Frequenzen
2.) Gehen Sie durch Ihr Zimmer und klatschen Sie an jeder Stelle, an der Sie stehen können, in die Hände. Sie hören auf scharfe Klingeltöne. Das sind schlechte Akustik, und sie werden wirklich Chaos mit Ihrem Sound-Mix. Wenn Sie sich in einem Standard-Schlafzimmer mit vier Ecken und einer Decke von durchschnittlicher Höhe befinden, ist die Akustik wahrscheinlich schlecht.
3.) Verwenden akustische behandlung zu lösen die folgenden akustische probleme:
- Ecken. Platzieren Sie Bassfallen in den Ecken Ihres Zimmers. Bassfallen sind das wichtigste akustische Behandlungsgerät, und Ecken sind besonders problematisch für Basshall. Wenn Sie Bassfallen in den Ecken platzieren, werden Reflexionen vermieden und überschüssiger Bass verbraucht, der in Ihren Mix gelangen könnte.
- Fenster. Platzieren Sie Akustikplatten an Fenstern, um sie zu schließen. Glas reflektiert sehr helle Frequenzen, die Probleme mit Ihrem Mix verursachen können.
4.) Führen Sie den Klatschtest durch, während Sie eine weitere akustische Behandlung durchführen, bis Sie den gewünschten Klang erzielen. Es ist normalerweise ein schöner, sanfter Hall.
5.) Verwenden Sie Diffusoren, um Schallreflexionen zu streuen und zu steuern, wenn Sie mehr Hall bevorzugen. Sie können die strategische Platzierung von Diffusoren mit akustischem Behandlungsmaterial kombinieren, um genau das Raumambiente zu erhalten, das Sie mögen.
6.) Verwenden Sie einen Reflexionsfilter über Ihrem Mikrofon, wenn Sie akustische Instrumente wie Akustikgitarren oder Gesang aufnehmen. Reflexion filter halten die akustik von prellen um ihre raum so sie erhalten eine intime aufnahme statt verstreut sound.
Wie nehme ich meine Musik auf?
Der Aufnahmevorgang – auch „Tracking“ genannt – kann eine sehr persönliche und subjektive Erfahrung sein.
Wo Sie die Mikrofone platzieren, welche Effekte und Verarbeitungen Sie verwenden, wie Sie unterwegs Entscheidungen treffen — diese Dinge unterscheiden sich von Künstler zu Künstler und Produzent zu Produzent.
Was „gut“ oder „schlecht“ klingt, hängt auch ziemlich von Ihrem Genre ab, daher ist es schwieriger, hier spezifische Empfehlungen abzugeben. YouTube ist jedoch eine Goldmine an Aufzeichnungstipps, und ich schlage vor, dass Sie dort suchen, wenn Sie nicht weiterkommen.
Vor diesem Hintergrund habe ich einige allgemeine Ratschläge, die Ihnen helfen, produktiv zu bleiben, indem Sie sich selbst Grenzen setzen.
So verbessern Sie Ihre Aufnahmen, indem Sie Einschränkungen festlegen
In einem kreativen Raum können uns endlose Optionen verrückt machen.
Dies gilt insbesondere für digitale Musikaufnahmen, da der Speicherplatz fast unbegrenzt ist. Die ganze Zeit, wenn Sie wie viele DIY-Künstler sind, haben Sie nicht endlose Stunden Aufnahme zu verbringen, so Zeitbeschränkungen verstärken den Druck. In dieser Umgebung kann eine Einschränkung genau das sein, was Sie gesund hält.
Mit anderen Worten, es lohnt sich, Entscheidungen zu treffen, während Sie gehen.
Hast du jemals die fünf Hindernisse gesehen? Es ist ein großartiger Film und eine großartige Illustration, wie willkürliche Hindernisse uns helfen können, uns zu konzentrieren und über unsere gewohnten Bewegungen hinauszugehen.
Wenn Sie im Begriff sind, eine neue Session in Ihrer DAW zu eröffnen, sollten Sie einige dieser kreativen Einschränkungen beachten:
1.) Legen Sie eine maximale Anzahl von Titeln fest, bevor die Sitzung beginnt: Es ist heutzutage nicht ungewöhnlich, dass Aufnahmesitzungen 100 Titel haben. Sicher, wenn du die nächste # 1 Single für Doja Cat aufnimmst und wirklich 15 Kick Drums schichten musst, mach es. Aber wenn Sie an den Wochenenden die Aufnahmezeit verkürzen, möchten Sie wirklich jedes Mal, wenn Sie Ihre Session öffnen, all diese Tracks durchsuchen müssen?
Legen Sie stattdessen eine Regel für sich selbst fest: kein Song auf diesem Album wird mehr als X Tracks haben. Es könnte 4, 8, 16, 24, … was auch immer sein. (Aber wenn deine Session mehr als 24 Tracks einnimmt, beschränkst du dich nicht gerade, oder?)
Also zieh deinen minimalen Hut auf. Es wird Sie zwingen, die Dinge auf das Wesentliche zu reduzieren, und Sie sparen viel Zeit und Sorgen, wenn Sie zur Mischphase kommen.
Tipp: Wenn Sie sich Ihrem Tracklimit nähern und noch Platz für eine zusätzliche Kickdrum benötigen, können Sie vielleicht das Streichquartett oder die sechs Backing-Vocals zu einer Stereospur submixen. Das bringt uns zu…
2.) Submix, Submix, submix: Wenn Sie mit einer Gruppe von Instrumenten arbeiten, die alle zum selben Universum gehören, erstellen Sie einen Submix dieser Gruppe (Streicher mit Streichern, Blechbläser mit Blechbläsern, Hintergrundgesang mit Hintergrundgesang, Schlagzeug mit Schlagzeug usw.). Sobald Sie die richtige Mischung für jede Gruppierung haben, drucken Sie sie auf Band (oder speichern Sie sie auf dem Computer) und verpflichten Sie sich dazu! Auch dieser Schritt spart Ihnen Zeit und Stress beim Mischen und öffnet mehr Spuren, wenn Sie mehr Instrumente hinzufügen müssen.
Hinweis: wenn Sie Ihre Submixe wirklich hinterfragen, wenn es darum geht, den endgültigen Mix zu erstellen, können Sie jederzeit in Ihre Session zurückkehren (es sei denn, Sie nehmen analog auf!) und erstellen Sie eine neue Mischung. Obwohl das irgendwie den ganzen Zweck des Submixings zunichte macht.
3. Legen Sie Regeln für die Instrumentierung und die Klangpalette fest: Bevor Sie mit einer Aufnahmesession beginnen, entscheiden Sie, welche Instrumente verwendet werden, welche Effekte, welche Samples, welche Sounds … und halten Sie sich für das gesamte Projekt daran, ohne andere Elemente einzuführen. Vielleicht möchten Sie, dass alle Trommeln ein Vintage 808 sind, aber mit einem echten Shaker und Tamburin. Groß. Klingt cool. Aber Sie können später keine echten Snare oder Becken hinzufügen! Vielleicht möchten Sie eine sauber klingende Telecaster mit einigen Verzögerungen verwenden. Süß! Verbieten Sie sich, jede Art von Verzerrungspedal für das gesamte Album zu verwenden, und verlassen Sie sich ausschließlich auf den Verstärker für Crunch. Indem Sie diese Grundregeln festlegen, werden Sie kreativer mit den Instrumenten, die Sie verwenden (um die Songs auf dem Album zu diversifizieren), UND Sie geben dem Projekt als Ganzes einen Zusammenhalt. Diese Art von Einschränkungen sind oft das, was großen Alben ein gewisses „Gefühl“ verleiht.“
4.) Gib dir eine begrenzte Anzahl von Takes pro Part: Nichts ist schlimmer, als 20 Gitarrensoli anzuhören, um die magischen Momente von jedem zu finden, die zusammen gespielt werden können. Voltron Tracks sind für suckas! Sei kein Roboter. Sei ein Mensch. Sag dir selbst: „Ich werde dieses Gitarrensolo in 3 Takes nageln. Wenn nicht, gehe ich zu etwas anderem über und komme später wieder.“ Wenn Sie dann nichts bekommen, was richtig klingt, löschen Sie diese Titel. Fang morgen wieder an.
5.) Etwas weglassen: Manchmal kann ein Lied ein ganz neues Leben annehmen, wenn Sie ein Element entfernen, das Sie zuvor für das Gesamtarrangement für entscheidend gehalten hatten. Was wäre, wenn Sie das Synthesizer-Pad aus Ihrem neuesten Hip-Hop-Song entfernen und sich auf den Drum-Loop, den Bass und die Samples verlassen würden, um die Arbeit zu erledigen? Was wäre, wenn Ihre Akustikgitarre, Ihr Akkordeon und Ihr Cello-Schlaflied ohne die Akustikgitarre tatsächlich interessanter wären? Experimentieren Sie mit dem Entfernen von Dingen. Gib dem Song etwas Luft zum Atmen. Sie könnten feststellen, dass weniger mehr ist.
6. Commit to effects: Magst du die Art und Weise, wie etwas klingt, während es im Monitoring behandelt wird? Vielleicht singen Sie mit etwas Hall und Ihre Gesangsleistung reagiert auf diesen Effekt. Vielleicht haben Sie einen Synthesizer-Sound mit etwas Schmutz drauf und es fühlt sich aufregend an. Groß. Drucken Sie es aus! Setze es in Stein und bewege dich weiter. Auch hier geschieht das Mischen viel schneller, wenn Sie weniger Entscheidungen treffen müssen.
Wie mische ich meine Musik?
Nachdem du alle Tracks für deinen Song aufgenommen hast, ist der nächste Schritt, sie alle zusammen zu mischen. Dies führt zu einem sogenannten Mixdown, bei dem es sich um das Endprodukt aller verschiedenen Tracks eines Songs handelt.
Warum sollten Sie Ihre eigene Musik mischen? Da das Mischen von Audio ein wesentlicher Bestandteil der Musikproduktion ist und Sie lernen, wie Sie dies tun, werden Sie zu einem eigenständigeren Indie-Künstler.
Obwohl es ein bisschen technisch werden kann, gibt es einige grundlegende Schritte, die jeder aufstrebende Selbstproduzent befolgen sollte, um Fehler beim Mischen zu vermeiden:
1.) Wählen Sie Ihre DAW: Wir haben bereits einige DAWs für Home Recording empfohlen. Sie werden nicht nur zum Aufnehmen, sondern auch zum Mischen verwendet. Sobald Sie sich für eine DAW entschieden haben, bleiben Sie dabei und lernen Sie alle Feinheiten kennen, damit Sie mit den Mischfunktionen vertraut sind.
2.) Richten Sie Ihre Mixing-Session ein: Sie können hierfür ein voreingestelltes Template in Ihrer DAW verwenden. Diese Vorlagen sind in der Regel auf bestimmte Genres wie Rock oder Akustik ausgerichtet und legen die Reihenfolge des Track-Mixings entsprechend fest. Sie können auch Ihre eigene Mix-Vorlage erstellen, die Ihren Anforderungen entspricht.
3.) Stellen Sie sicher, dass Ihre Tracks genau benannt sind: Die Benennung von Audiospuren durch einfache Deskriptoren wie „Lead Vocals“ und „acoustic guitar“ erleichtert das Auffinden dieser Tracks beim Mischen erheblich.
4.) Farbcode Ihrer Tracks nach Instrument: Verwenden Sie Ihre DAW, um Farben für Ihre Tracks nach dem Instrument auszuwählen, zu dem sie gehören. Wenn Sie drei Rhythmusgitarrenspuren in Ihrem Song haben, kodieren Sie diese in derselben Farbe, damit Sie sie schnell finden können.
5.) Kombinieren Sie Ihre Instrumentenspuren mit einem „Bus“: Dies macht die Verarbeitung Ihrer Spuren effektiver und schafft ein Gefühl der Einheit. Spielen Sie zum Beispiel mit der Effektverarbeitung aller Ihrer Gesangsspuren zusammen, um sie im Mix auszugleichen.
6.) Level-passen Sie Ihre Tracks an: Gleichen Sie die Levels für alle Ihre Tracks aus. Nehmen Sie sich die Zeit, die Pegel jedes Tracks in Ihrem Mix während des Songs zu erhöhen oder zu senken, um Aufregung, Ruhe und andere Emotionen hinzuzufügen, wo Sie es wollen.
7.) Verwenden Sie Stereo zu Ihrem Vorteil mit Panning: Es gibt einen Grund, Stereo-Mix Mono vor Jahrzehnten überholt. Sie können die Spuren auf den linken oder rechten Kanal in Ihrem Mix verschieben, um den gewünschten Effekt für den Hörer zu erzielen. Das Schwenken einer Rhythmusgitarre auf der einen Seite und des Leads auf der anderen Seite macht einen Song interessanter und gibt ein Gefühl von Raum im Mix. Es vermittelt auch den Eindruck, dass eine ganze Band zusammen in einem Raum spielt, auch wenn dies nicht der Fall ist.
8.) Bearbeiten Sie Ihre Spuren mit den folgenden Effekten:
Equalizer (EQ), der das Gleichgewicht der Frequenzen auf einer bestimmten Spur darstellt. Gehen Sie durch jede einzelne Spur und EQ es nach Ihren Wünschen.
Kompression, die den Dynamikbereich einer Spur erhöht oder senkt. Ihr Ziel ist es, eine gleichmäßige Mischung zu erzielen, bei der nichts verloren geht oder ohrenbetäubend laut ist. Nur nicht einmal alles bis zu dem Punkt, wo es laut ist, oder Ihre Spur wird ein weiteres Opfer der Lautstärke Krieg geworden.
Reverb, das ist die Reflexion von Schallwellen. Sie haben bereits einige Reverb gesteuert, wenn Sie akustische Behandlung zu Ihrem Heimstudio tat. Wenn Sie den Frequenzgang vollständig abgeflacht haben, können Sie den Hall in Ihrer DAW künstlich wieder in Ihren Mix einfügen. Und wenn Sie auf die gewünschte Menge an natürlichem Hall durch eine perfekte Platzierung der akustischen Behandlung und Diffusoren in Ihrem Heimstudio gestoßen sind, dann herzlichen Glückwunsch, Sie sind fertig mit Effekten!
9.) Teilen Sie Ihren Prozess mit anderen Mitarbeitern: Wenn du in einer Band bist oder mit Kollaborateuren arbeitest, ist dieser Prozess wahrscheinlich mehr Demokratie als Diktatur. Selbst wenn Sie für das Engineering verantwortlich sind, teilen Sie die Dateien beim Mischen mit Ihren Mitarbeitern über Notetracks.
Beende deine Aufnahme mit Mastering
Nachdem du deinen Song getrackt und alle Tracks zum finalen Mixdown zusammengemischt hast, ist dein Song zu 99% fertig. Aber es gibt noch einen weiteren Schritt, bevor Ihre Aufnahme zur Veröffentlichung bereit ist:
Sie müssen Ihre Aufnahme beherrschen.
Musik-Mastering ist der letzte Schritt im Aufnahmeprozess. Während des Masterings werden zusätzliche Audiobehandlungen auf Ihren Mix angewendet, um Problemfrequenzen zu korrigieren und die Musikalität Ihres Tracks zu verbessern.
Wie beherrsche ich meine Musik?
Es gibt ein paar Möglichkeiten, wie du deinen Song meistern kannst:
- Sie können einen Mastering Engineer einstellen. Dies sind Spezialisten, die den endgültigen Mix anhören und die Gesamtlautstärke anpassen. Bei Bedarf fügen sie auch Postproduktionseffekte oder zusätzliche Komprimierung hinzu. Mastering-Ingenieure berechnen in der Regel etwa $ 50 bis $ 100 für kleinere Ausbesserungen und $ 150 oder mehr pro Song für Full-Service-Behandlung.
- Sie können CloudBounce verwenden, ein automatisiertes Mastering-Programm, das direkt in Ihrem CD Baby-Konto funktioniert! CloudBounce verwendet einen Algorithmus, der von den von Ihnen ausgewählten Einstellungen gesteuert wird, um die Pegel Ihres Mixdowns anzupassen und einen endgültigen Master zu erstellen. Mastering mit CloudBounce kostet nur $ 9.90 pro Song. Es ist zwar nicht so genau wie eine echte menschliche Feinabstimmung jedes kleine Detail Ihrer Spur, aber es ist verdammt viel billiger und schneller. Wenn Sie Ihren Mixdown bereits selbst herausgefunden haben und nur ein gewisses Level-Matching benötigen, bevor Sie Ihren Song verteilen, ist CloudBounce der richtige Weg.
Veröffentlichen Sie Ihre Musik
Jetzt, da Ihr Mixdown Ihr endgültiger Master geworden ist, ist Ihr Song zur Veröffentlichung bereit. Herzlichen Glückwunsch! Es ist Zeit, dein Lied der Welt vorzustellen.
CD Baby vertreibt Musik auf mehr als 150 digitale Plattformen und monetarisiert Ihre Musik auf Social Media und Videoplattformen, sodass Sie von überall aus bezahlt werden, wo Ihre Musik abgespielt wird.
JETZT ANMELDEN