Rhythm Section Essentials Workshop:” Locking in ” with Bass and Drums

Rhythm Section Essentials Workshop:” Locking in ” with Bass and Drums

Video ancora dalla nuova serie libera di Soundfly che scrive solchi Funk per batteria e basso.

Nella maggior parte degli ensemble, una combinazione di batteria, basso, chitarra, percussioni e tasti costituiscono la sezione ritmica, che fornisce la direzione ritmica e armonica della band. In particolare per basso e batteria, una delle cose più difficili da capire è come interagire tra loro per fare musica che raggiunge qualcosa di specifico.

Quando si scrive musica, può anche essere difficile trovare quel perfetto equilibrio tra parti di basso e batteria che sono prevedibili, quelle complesse e, naturalmente, quelle con un solido groove. Poiché puoi fare così tante scelte musicali in un dato momento, è molto difficile sapere cosa fare e come influisce sulla musica oltre la sezione ritmica.

Per prima cosa, iniziamo abbattendo alcune idee sbagliate sul concetto di “blocco” con un bassista o un batterista. Locking in è un termine che descrive l’azione delle parti di basso e batteria che si sincronizzano ritmicamente in una data melodia. Più tardi, approfondiremo alcuni esempi di come è possibile avvicinarsi alla stessa scanalatura in più modi e rimanere bloccati in.

Ecco le due idee sbagliate più comuni relative al blocco.

Il bassista dovrebbe seguire il batterista. Nel frattempo, il batterista può suonare quello che gli piace e viceversa.

L’azione di seguire aggiunge intrinsecamente un ritardo nel tuo gioco. Devi prima aspettare che il tuo compagno di band suoni, quindi analizzare ciò che è stato suonato e quindi provare a suonare rapidamente le note corrette. Ma se sei nel momento, fiducioso nel tuo tempismo e a tuo agio con la melodia che stai suonando, puoi facilmente adattarti a tutto ciò che accade intorno a te.

In altre parole, se stai seguendo il tuo compagno di band mentre suoni, stai essenzialmente seguendo qualcuno attraverso il buio senza sapere veramente dove sta andando o se quella persona sa anche dove sta andando. Per seguire, devi essere cauto per non perdere la strada.

Affinché la batteria e il basso agiscano efficacemente come una solida base ritmica per il gruppo, ogni giocatore deve essere individualmente responsabile del proprio tempismo, intonazione, sincopazione e conoscenza generale della melodia. Allo stesso tempo, ogni membro non è su un’isola; il bassista e il batterista devono capire come le loro parti si adattano a qualsiasi altra cosa stia succedendo nella band.

Vediamo come un tipico groove funk presenta un movimento ad incastro sia sul basso che sulla batteria in questo video tratto dal nostro nuovo corso gratuito di scrittura di Groove Funk per batteria e basso.

+ Leggi di più su Flypaper: “Qual è la chiave per creare la sezione ritmica più stretta che si possa immaginare? Ascoltate i grandi.”

Il blocco significa che la grancassa e il basso devono suonare esattamente lo stesso ritmo da una barra all’altra.

Anche se momenti di completa unisono tra batteria e basso sono necessari per una canzone di groove e utilizzare la coesione, totale unisono in tutta un’intera melodia non offre ai giocatori alcuna libertà di aggiungere abbellimenti alle loro parti. Inoltre impedisce alla canzone di creare qualsiasi tipo di tensione e rilascio, un aspetto chiave del songwriting evocativo e del groove-crafting. Tutto questo può essere reso molto più facile quando ci sono parti che si sentono più occupati e parti che sono più spaziose.

Pensiamo a questo come andare a fare jogging insieme a un amico. Nel caso di qualcosa come una razza a tre zampe, è assolutamente imperativo che tu e il tuo partner vi collegiate. Per arrivare al traguardo, i tuoi movimenti devono essere sincronizzati e calcolati, costanti e immutabili, altrimenti cadrai.

Ma un duo batterista e bassista è in realtà più come due amici che vanno a correre insieme su un sentiero stretto. Se arriveranno alla fine del percorso, dovranno tenere d’occhio il ritmo l’uno dell’altro, la spaziatura tra di loro, e possibilmente cambiare chi conduce e segue per non spingersi l’un l’altro fuori dal percorso se si avvicinano troppo.

Una buona sezione ritmica ascolta attentamente l’uno l’altro giocando come una conversazione, salvando l’altro, lasciando più spazio agli altri giocatori per dare voce ai loro messaggi musicali momentanei e, naturalmente, sincronizzandosi quando necessario.

Ci sono un certo numero di modi diversi è possibile avvicinarsi a giocare con gli altri membri della vostra sezione ritmica. Diamo un’occhiata ad alcune delle variabili disponibili per voi di manipolare in quasi ogni situazione di gioco.

+ Leggi di più su Flypaper: La nostra serie di articoli “How Successful Musicians Practice” analizza le routine di pratica dei musicisti attraverso una vasta gamma di strumenti per aiutarti a trovare un ritmo di prova che funzioni per te.

Beat Placement

La consapevolezza del vostro orologio interno è imperativo quando si conversa con altri musicisti e fare musica che si sente diverso da sintonia a sintonia. In combinazione con l’armonia e la melodia, avere il controllo del posizionamento battito vi permetterà di creare musica che ha un’atmosfera unica o stato d’animo. Questi sono i modi in cui descriviamo il posizionamento del battito:

• sopra il beat (leggermente in anticipo il clic del metronomo) — energetico
• Nel MEZZO del beat (punto morto con il clic del metronomo) — forte/bilanciato 5074>
• DIETRO il beat (leggermente dietro il clic del metronomo) — laid back

anche se questi battere i tirocini possono essere utilizzati per qualsiasi genere e in qualsiasi tempo, nella mia esperienza personale, Io sono in genere chiesto di giocare sulla cima di battere quando giocano energico pop-rock e la musica afro-Cubana, in mezzo a ritmo di musica durante la riproduzione di elettronica e funk, e dietro il beat durante la riproduzione di alcune forme di hip-hop o R&B.

In un ambiente di produzione, i tre battere posizionamenti sarebbe simile a questa:

Medio della beat

Dietro il beat (notare il clap e hi-hat posizionamenti)

Davanti a ritmo di musica (tutte le parti sono leggermente in anticipo della griglia)

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Sentire

Sentire è come qualcuno potrebbe descrivere il flusso del solco da nota a nota. Una scanalatura diritta tende a sentire come il movimento della scanalatura è su e giù o esatto, come quello di un orologio. Un solco oscillato, d’altra parte, tende ad avere una lilt simile a un essiccatore che gira i vestiti in modo irregolare, ma coerente. E ‘ fuori controllo, ma puoi ancora muoverti.

Sentire è una cosa difficile da descrivere, quindi il modo migliore per capirlo è usare le orecchie e cercare di identificare quando si sente qualcosa di dritto contro “diverso” in qualche modo. Ad esempio, “Billie Jean” di Michael Jackson ha una sensazione di 8th/16th piuttosto dritta, ma la canzone di Stevie Wonder “Higher Ground” ha una sensazione di nota 8th più oscillata o mescolata. Lo senti?

Dynamics

Dynamics gioca un grande fattore nella creazione di un groove con un bassista o un batterista. Ascoltando la riproduzione degli altri, è possibile valutare quanto forte o silenzioso è necessario essere per creare un suono coeso. Un modo per capire quanto forte hai bisogno di suonare è semplicemente chiederti: “Posso sentire ogni nota che il bassista o il batterista sta suonando? In caso contrario, ho bisogno di essere più tranquillo o lui o lei ha bisogno di essere più forte?”

A volte puoi anche usare il volume del cantante come indicatore. Se i versi tendono ad essere più silenziosi e i cori sono molto più forti, allora gioca di conseguenza. Ricordatevi di rimanere consapevoli del proprio volume rispetto al resto dei membri della band.

Chimica

Alla fine della giornata, anche se hai piena fiducia nelle capacità dell’altra persona e nella forza delle tue parti scritte, le cose potrebbero ancora non funzionare come previsto. Un aspetto grande, e un po ‘ astratto, del locking in è la capacità di adattarsi al suonare degli altri musicisti senza alcun segnale o comunicazione. Questo ha a che fare con la chimica, la comprensione reciproca e l’empatia con l’uso del suo strumento da parte dell’altra persona. Quando crei chimica, le parti di nessuno dei due giocatori devono essere compromesse a causa di off timing, overplaying o overpowering, perché puoi sempre trovare un modo per lavorare con le decisioni in tempo reale.

Orchestrazione complessa/semplice

Con quasi tutti i groove, hai la possibilità di mantenerlo semplice o renderlo più complesso. In situazioni musicali dense, mantenere le cose semplici farà spazio ad altre parti per adattarsi, che è sempre una grande idea. Ma può anche essere buono per creare qualcosa di complesso che funziona insieme ad altre parti pure. Ecco alcuni esempi che mostrano come l’orchestrazione può essere utilizzata per variare i modelli della sezione ritmica.

Qui, il basso riempie alcuni spazi con abbellimenti, mentre il modello di grancassa del batterista è molto semplice (cioè, 1 e 3, o 4-on-the-floor):

https://flypaper.soundfly.com/wp-content/uploads/2017/01/1-Busy-Bassline.wav

Ecco un groove che evidenzia il ritmo armonico con un’interessante parte di batteria corrispondente suonata dal bassista che stabilisce un groove ripetitivo e dà spazio al batterista per navigare intorno al suo schema:

https://flypaper.soundfly.com/wp-content/uploads/2017/01/2-Repetitive-Bassline.wav

Qui, il basso suona contro la grancassa colpendo una serie di note lunghe e brevi mentre il batterista suona uno schema sincopato che si evolve attorno al ritmo principale del groove:

https://flypaper.soundfly.com/wp-content/uploads/2017/01/3-Spacious-Bassline.wav

Se hai bisogno di qualche ispirazione soul, dai un’occhiata a questa lista delle nostre unità drum and bass preferite di tutti i tempi per tutto il 20 ° secolo. Hai altro da aggiungere alla lista? Lascia il tuo nei commenti qui sotto!