Atelier Essentiel de la Section Rythmique: « Verrouillage » avec Basse et Batterie

Atelier Essentiel de la Section Rythmique: « Verrouillage » avec Basse et Batterie

Vidéo tirée de la nouvelle série free de Soundfly qui écrit des Grooves Funk pour Batterie et basse.

Dans la plupart des ensembles, une combinaison de batterie, de basse, de guitare, de percussions et de touches constitue la section rythmique, qui assure la direction rythmique et harmonique du groupe. En particulier pour la basse et la batterie, l’une des choses les plus difficiles à comprendre est de savoir comment interagir les uns avec les autres pour créer une musique qui réalise quelque chose de spécifique.

Lors de l’écriture de musique, il peut également être délicat de trouver cet équilibre parfait entre les parties de basse et de batterie qui sont prévisibles, celles qui sont complexes et, bien sûr, celles avec un groove solide. Parce que vous pouvez faire autant de choix musicaux à un moment donné, il est très difficile de savoir quoi faire et comment cela affecte la musique au-delà de la section rythmique.

Tout d’abord, commençons par briser certaines idées fausses sur le concept de « s’enfermer » avec un bassiste ou un batteur. Le verrouillage est un terme qui décrit l’action de la synchronisation rythmique des parties de basse et de batterie dans une mélodie donnée. Plus tard, nous nous pencherons sur quelques exemples de la façon dont vous pouvez aborder le même sillon de plusieurs façons et rester enfermé.

Voici les deux idées fausses les plus courantes concernant le verrouillage.

Le bassiste doit suivre le batteur. Pendant ce temps, le batteur peut jouer ce qu’il veut et vice versa.

L’action de suivre ajoute intrinsèquement un délai dans votre jeu. Vous devez d’abord attendre que votre camarade de groupe joue, puis analyser ce qui a été joué, puis essayer de jouer rapidement les bonnes notes. Mais si vous êtes dans le moment présent, confiant dans votre timing et à l’aise avec la mélodie que vous jouez, vous pouvez facilement vous adapter à tout ce qui se passe autour de vous.

En d’autres termes, si vous suivez votre camarade de groupe pendant que vous jouez, vous suivez essentiellement quelqu’un dans l’obscurité sans vraiment savoir où il va ou si cette personne sait même où il va. Pour suivre, il faut être prudent afin de ne pas se perdre.

Pour que la batterie et la basse agissent efficacement comme une base rythmique solide pour le groupe, chaque joueur doit être individuellement responsable de son propre timing, de son intonation, de sa syncope et de sa connaissance globale de la mélodie. En même temps, chaque membre n’est pas sur une île; le bassiste et le batteur doivent comprendre comment leurs parties s’intègrent à tout ce qui se passe dans le groupe.

Voyons comment un groove funk typique présente un mouvement imbriqué à la fois à la basse et à la batterie dans cette vidéo tirée de notre nouveau cours gratuit d’écriture de Grooves Funk pour batterie et basse.

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Le verrouillage signifie que la grosse caisse et la basse doivent jouer exactement le même rythme d’une mesure à l’autre.

Bien que des moments d’unisson complet entre la batterie et la basse soient nécessaires pour qu’une chanson groove et utilise la cohésion, l’unisson total tout au long d’un morceau entier ne permet pas aux joueurs d’ajouter des embellissements à leurs parties. Cela empêche également la chanson de créer toute sorte de tension et de libération, un aspect clé de l’écriture de chansons évocatrices et de la fabrication de groove. Tout cela peut être rendu beaucoup plus facile lorsqu’il y a des pièces plus occupées et des pièces plus spacieuses.

Pensons à cela comme aller faire un jogging aux côtés d’un ami. Dans le cas de quelque chose comme une course à trois pattes, il est absolument impératif que vous et votre partenaire vous liez. Pour arriver à la ligne d’arrivée, vos mouvements doivent être synchronisés et calculés, constants et immuables, sinon vous allez tomber.

Mais un duo de batteur et de bassiste ressemble plus à deux amis qui courent ensemble sur un chemin étroit. S’ils veulent arriver au bout du chemin, ils devront surveiller le rythme de l’autre, l’espacement entre eux, et éventuellement changer qui mène et suit afin de ne pas se pousser l’un l’autre du chemin s’ils s’approchent trop.

Une bonne section rythmique écoute attentivement le jeu de l’autre comme une conversation, libérant l’autre, laissant plus d’espace aux autres joueurs pour exprimer leurs messages musicaux momentanés, et bien sûr, se synchronisant au besoin.

Il existe différentes façons d’aborder le jeu avec les autres membres de votre section rythmique. Regardons quelques-unes des variables que vous pouvez manipuler dans à peu près n’importe quelle situation de jeu donnée.

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Placement des battements

Il est impératif de connaître votre horloge interne lorsque vous conversez avec d’autres musiciens et que vous créez une musique différente d’une mélodie à l’autre. En conjonction avec l’harmonie et la mélodie, le contrôle du placement de votre rythme vous permettra de créer une musique qui a une ambiance ou une ambiance unique. Ce sont les façons dont nous décrivons le placement des battements:

• Au—DESSUS du rythme (légèrement en avant du clic du métronome) — énergique
• Au MILIEU du rythme (point mort avec le clic du métronome) — fort / équilibré
• DERRIÈRE le rythme (légèrement en arrière du clic du métronome) – décontracté

Bien que ces placements de temps puissent être utilisés pour n’importe quel genre et à peu près n’importe quel tempo , dans mes expériences personnelles, on m’a généralement demandé de jouer au-dessus du rythme en jouant de la musique pop-rock et afro-cubaine énergique, au milieu du rythme en jouant de la musique électronique et funk, et derrière le rythme lors de la lecture de certaines formes de hip-hop ou de R & B.

Dans un cadre de production, les trois placements de temps ressembleraient à ceci:

Milieu du temps

Derrière le temps (remarquez les placements clap et hi-hat)

En avance sur le beat (toutes les parties sont légèrement en avance sur la grille)

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Feel

Feel est la façon dont quelqu’un pourrait décrire l’écoulement du sillon d’une note à l’autre. Une rainure droite a tendance à donner l’impression que le mouvement de la rainure est de haut en bas ou exact, comme celui d’une horloge. Une rainure balancée, en revanche, a tendance à avoir un lilt qui ressemble à un vêtement de filage de séchoir de manière inégale, mais cohérente. C’est décalé, mais vous pouvez toujours vous y mettre la tête.

La sensation est une chose difficile à décrire, donc la meilleure façon de la comprendre est d’utiliser vos oreilles et d’essayer d’identifier quand vous entendez quelque chose de droit par rapport à « différent » d’une manière ou d’une autre. Par exemple, « Billie Jean » de Michael Jackson a une sensation de 8e / 16e assez droite, mais la chanson de Stevie Wonder « Higher Ground » a une sensation de 8e note plus balancée ou mélangée. Tu l’entends ?

Dynamique

La dynamique joue un rôle important dans la création d’un groove avec un bassiste ou un batteur. En écoutant le jeu des autres, vous pouvez évaluer à quel point vous devez être fort ou silencieux pour créer un son cohérent. Une façon de comprendre à quel point vous devez jouer est simplement de vous demander: « Puis-je entendre chaque note que le bassiste ou le batteur joue? Sinon, dois-je être plus silencieux ou doit-il être plus fort? »

Vous pouvez aussi parfois utiliser le volume du chanteur comme jauge. Si les couplets ont tendance à être plus silencieux et que les refrains sont beaucoup plus forts, jouez en conséquence. N’oubliez pas de rester conscient de votre propre volume par rapport au reste des membres du groupe.

Chimie

Au bout du compte, même si vous avez pleinement confiance dans les capacités de l’autre personne et la force de vos parties écrites, les choses risquent de ne pas se dérouler comme prévu. Un aspect important, et quelque peu abstrait, de l’enfermement est de pouvoir s’adapter au jeu des autres musiciens sans aucun repère ni communication. Cela a à voir avec la chimie, la compréhension mutuelle et l’empathie avec l’utilisation de son instrument par l’autre personne. Lorsque vous créez une chimie, aucune des parties du joueur n’a besoin d’être compromise en raison d’un timing décalé, d’un jeu excessif ou d’une puissance excessive, car vous pouvez toujours trouver un moyen de prendre des décisions en temps réel.

Orchestration complexe / simple

Avec à peu près chaque groove, vous avez le choix de le garder simple ou de le rendre plus complexe. Dans des situations musicales denses, garder les choses simples fera de la place pour que d’autres parties s’intègrent, ce qui est toujours une excellente idée. Mais il peut aussi être bon de créer quelque chose de complexe qui fonctionne également avec d’autres parties. Voici quelques exemples qui montrent comment l’orchestration peut être utilisée pour varier les motifs de la section rythmique.

Ici, la basse remplit certains espaces avec des embellissements tandis que le motif de grosse caisse du batteur est très simple (c’est-à-dire 1 et 3, ou 4 au sol):

https://flypaper.soundfly.com/wp-content/uploads/2017/01/1-Busy-Bassline.wav

Voici un groove qui met en valeur le rythme harmonique avec une partie de batterie correspondante intéressante jouée par le bassiste fixant un groove répétitif et donnant au batteur un espace pour naviguer autour de son motif:

https://flypaper.soundfly.com/wp-content/uploads/2017/01/2-Repetitive-Bassline.wav

Ici, la basse joue contre la grosse caisse en frappant une série de notes longues et courtes tandis que le batteur joue un motif syncopé évoluant autour du rythme central du groove:

https://flypaper.soundfly.com/wp-content/uploads/2017/01/3-Spacious-Bassline.wav

Si vous avez besoin d’une inspiration émouvante, jetez un coup d’œil à cette liste de nos unités de batterie et de basse préférées de tous les temps tout au long du 20e siècle. Vous avez plus à ajouter à la liste? Laissez le vôtre dans les commentaires ci-dessous!