Taller de elementos Esenciales de la Sección Rítmica:» Bloqueo » con Bajo y Batería

Taller de elementos Esenciales de la Sección Rítmica:» Bloqueo » con Bajo y Batería

Fotograma de vídeo de la nueva serie gratuita de Soundfly que escribe Ritmos Funk para Batería y bajo.

En la mayoría de los conjuntos, una combinación de batería, bajo, guitarra, percusión y teclas conforman la sección rítmica, que proporciona la dirección rítmica y armónica de la banda. Particularmente para el bajo y la batería, una de las cosas más difíciles de entender es cómo interactuar entre sí para hacer música que logre algo específico.

Al escribir música, también puede ser difícil encontrar el equilibrio perfecto entre las partes de bajo y batería que son predecibles, las que son complejas y, por supuesto, las que tienen un groove sólido. Debido a que puedes tomar tantas decisiones musicales en un momento dado, es muy difícil saber qué hacer y cómo afecta a la música más allá de la sección rítmica.

En primer lugar, comencemos por analizar algunos conceptos erróneos sobre el concepto de «bloquear» con un bajista o batería. Bloqueo es un término que describe la acción de las partes de bajo y batería sincronizadas rítmicamente en una melodía dada. Más adelante, profundizaremos en algunos ejemplos de cómo puedes acercarte al mismo ritmo de varias maneras y permanecer bloqueado.

Aquí están los dos conceptos erróneos más comunes relacionados con el bloqueo.

El bajista debe seguir al baterista. Mientras tanto, el baterista puede tocar lo que quiera y viceversa.

La acción de seguir añade inherentemente un retardo de tiempo a la reproducción. Tienes que esperar a que tu compañero de banda toque primero, luego analizar lo que se tocó y luego tratar de tocar rápidamente las notas correctas. Pero si estás en el momento, confiado en tu tiempo y cómodo con la melodía que estás tocando, puedes adaptarte fácilmente a todo lo que sucede a tu alrededor.

En otras palabras, si estás siguiendo a tu compañero de banda mientras tocas, esencialmente estás siguiendo a alguien a través de la oscuridad sin saber realmente a dónde va o si esa persona incluso sabe a dónde va. Con el fin de seguir, tienes que ser cauteloso para no perder el camino.

Para que la batería y el bajo actúen efectivamente como una base rítmica sólida para el grupo, cada jugador debe ser responsable individualmente de su propio tiempo, entonación, síncopa y conocimiento general de la melodía. Al mismo tiempo, cada miembro no está en una isla; el bajista y el baterista necesitan entender cómo sus partes encajan con cualquier otra cosa que esté pasando en la banda.

Veamos cómo un típico groove de funk presenta un movimiento entrelazado tanto en el bajo como en la batería en este video tomado de nuestro nuevo curso gratuito de Escritura de Grooves de Funk para Batería y bajo.

+ Lee más en Papel Volador: «¿Cuál es la Clave para Crear la Sección Rítmica Más Ajustada Imaginable? Escucha a los Grandes.»

El bloqueo significa que el bombo y el bajo deben tocar exactamente el mismo ritmo de compás a compás.

Aunque los momentos de completo unísono entre la batería y el bajo son necesarios para que una canción surca y utilice la cohesión, el unísono total a lo largo de toda una melodía no ofrece a los instrumentistas ninguna libertad para agregar adornos a sus partes. También evita que la canción cree cualquier tipo de tensión y liberación, un aspecto clave de la composición evocadora y la creación de ritmos. Todo esto se puede hacer mucho más fácil cuando hay partes que se sienten más ocupadas y partes que son más espaciosas.

Pensemos en esto como salir a correr junto a un amigo. En el caso de algo como una carrera de tres patas, es absolutamente imperativo que usted y su pareja se conecten. Para llegar a la línea de meta, tus movimientos deben estar sincronizados y calculados, constantes e inmutables, o de lo contrario te caerás.

Pero un dúo de batería y bajista en realidad es más como dos amigos que van a correr juntos por un camino estrecho. Si van a llegar al final del camino, tendrán que vigilar el ritmo del otro, el espacio entre ellos, y posiblemente cambiar quién lidera y sigue para no empujarse el uno al otro fuera del camino si se acercan demasiado.

Una buena sección rítmica escucha atentamente el juego del otro como una conversación, rescatando al otro, dejando más espacio para que otros instrumentistas expresen sus mensajes musicales momentáneos y, por supuesto, sincronizándose cuando sea necesario.

Hay un número de maneras diferentes en las que puedes acercarte a tocar con los otros miembros de tu sección rítmica. Veamos algunas de las variables disponibles para manipular en casi cualquier situación de juego.

+ Lee más en Papel volador: Nuestra serie de artículos «How Successful Musicians Practice» desglosa las rutinas de práctica de los músicos en una variedad de instrumentos para ayudarte a encontrar un ritmo de ensayo que funcione para ti.

Colocación de ritmos

El reconocimiento de su reloj interno es imprescindible cuando conversa con otros músicos y hace música que se siente diferente de una melodía a otra. En combinación con la armonía y la melodía, tener el control de la ubicación de su ritmo le permitirá crear música que tenga un ambiente o estado de ánimo único. Estas son las formas en que describimos la colocación de los latidos:

• En la parte SUPERIOR del compás (ligeramente por delante del clic del metrónomo) — enérgico
• En el MEDIO del compás (centro muerto con el clic del metrónomo) — fuerte/equilibrado
• DETRÁS del compás (ligeramente por detrás del clic del metrónomo) — relajado

Aunque estas ubicaciones de compás se pueden usar para cualquier género y sobre cualquier tempo, en mis experiencias personales, normalmente se me ha pedido que toque en la parte superior del compás cuando toque música enérgica pop-rock y afrocubana, en el medio del compás cuando toque música electrónica y funk, y detrás del compás al tocar algunas formas de hip-hop o R& B.

En un entorno de producción, las tres ubicaciones de latidos se verían así:

Medio del latido

Detrás del latido (observe las ubicaciones de clap y hi-hat)

Por delante del ritmo (todas las partes están ligeramente por delante de la cuadrícula)

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Sentir

Sentir es cómo alguien podría describir el flujo del surco de nota a nota. Una ranura recta tiende a sentirse como si el movimiento de la ranura fuera hacia arriba y hacia abajo o exacto, como el de un reloj. Un surco oscilante, por otro lado, tiende a tener un ritmo similar al de una secadora que hace girar la ropa de una manera desigual pero consistente. Está descarrilado, pero aún puedes mover la cabeza hacia él.

Sentir es algo difícil de describir, por lo que la mejor manera de entenderlo es usar los oídos e intentar identificar cuando escuchas algo recto en lugar de «diferente» de alguna manera. Por ejemplo, «Billie Jean» de Michael Jackson tiene una sensación bastante recta de 8/16, pero la canción de Stevie Wonder «Higher Ground» tiene una sensación de 8 notas más balanceada o barajada. ¿Lo oyes?

Dynamics

Dynamics juega un gran factor en la creación de un groove con un bajista o baterista. Al escuchar la interpretación de los demás, puede medir qué tan alto o silencioso debe ser para crear un sonido cohesivo. Una forma de averiguar qué tan fuerte necesitas tocar es simplemente preguntarte: «¿Puedo escuchar cada nota que está tocando el bajista o el baterista? Si no es así, ¿necesito estar más callado o él o ella necesita estar más alto?»

A veces también puedes usar el volumen del vocalista principal como medidor. Si los versos tienden a ser más silenciosos y los coros son mucho más fuertes, entonces toca en consecuencia. Recuerda estar atento a tu propio volumen en comparación con el resto de los miembros de la banda.

Química

Al final del día, incluso si tiene plena confianza en las capacidades de la otra persona y la fuerza de sus partes escritas, las cosas aún pueden no funcionar como se planeó. Un aspecto grande, y algo abstracto, de encerrarse es ser capaz de adaptarse a la forma de tocar de los otros músicos sin señales ni comunicación. Eso tiene que ver con la química, la comprensión mutua y la empatía con el uso que la otra persona hace de su instrumento. Cuando creas química, ninguna de las partes de los jugadores debe verse comprometida como resultado de un tiempo fuera de tiempo, un juego excesivo o abrumador, porque siempre puedes encontrar una manera de trabajar con las decisiones en tiempo real.

Orquestación compleja/simple

Con casi todos los ritmos, tiene la opción de mantenerlo simple o hacerlo más complejo. En situaciones musicales densas, mantener las cosas simples hará espacio para que otras partes encajen, lo que siempre es una gran idea. Pero también puede ser bueno crear algo complejo que funcione junto con otras partes también. Aquí hay algunos ejemplos que muestran cómo se puede usar la orquestación para variar los patrones de la sección rítmica.

Aquí, el bajo llena algunos espacios con adornos, mientras que el patrón de bombo del baterista es muy simple (es decir, 1 y 3, o 4 en el piso):

https://flypaper.soundfly.com/wp-content/uploads/2017/01/1-Busy-Bassline.wav

Aquí hay un groove que resalta el ritmo armónico con una parte de batería correspondiente interesante interpretada por el bajista que establece un groove repetitivo y da espacio para que el baterista navegue alrededor de su patrón:

https://flypaper.soundfly.com/wp-content/uploads/2017/01/2-Repetitive-Bassline.wav

Aquí, el bajo toca contra el bombo golpeando una serie de notas largas y cortas, mientras que el batería toca un patrón sincopado que evoluciona alrededor del ritmo central del groove:

https://flypaper.soundfly.com/wp-content/uploads/2017/01/3-Spacious-Bassline.wav

Si necesita inspiración conmovedora, eche un vistazo a esta lista de nuestras unidades de batería y bajo favoritas de todos los tiempos a lo largo del siglo XX. ¿Tienes más que añadir a la lista? ¡Deja el tuyo en los comentarios a continuación!