hur orkestrerar du musik
hur orkestrerar du musik? Orkestern är den ultimata ensemblen. Musikaliskt kan det göra nästan vad som helst – och det kan uttrycka alla tänkbara känslor. Men om du är en oerfaren musikorkestrator, eller om du är van vid att skriva för virtuella instrument, Hur får du en verklig orkester att låta bra? I den här bloggen har vi redogjort för några av de mest användbara musikorkestreringstipsen.
men innan vi kommer till teknikerna, låt oss börja med en viktig fråga:
Vad är skillnaden mellan att arrangera och orkestrera?
musikarrangemang tar den ursprungliga kompositionen och anpassar och utvecklar den. Det kan ges olika instrument eller Röster, omharmonisering, tillägg, moduleringar och parafrasering.
med musikorkestrering förblir den musikaliska substansen väsentligen oförändrad, men de melodiska linjerna ges olika röster. Låter enkelt?
egentligen är en av de största svårigheterna med orkestrering också en av dess största fördelar: du skriver för riktiga musiker som spelar riktiga instrument, och de har begränsningar. Mer om detta senare, eftersom definitionen ovan också tar upp nästa fråga.
När Ska Man Använda Orkestrering?
du kanske vill orkester makt bakom en sång spår, eller använda den för att få en film soundtrack eller TV-annons till liv. Oavsett vad du orkestrerar, eftersom det musikaliska ämnet inte förändras, försök att ha hela stycket på plats innan du börjar. Det gör processen mycket enklare.
kort sagt, väl sammansatt musik kommer alltid att översättas bättre till orkestern. Det är värt att ta sig tid att se till att du är nöjd med noterna innan du börjar bestämma vilka instrument som ska spela dem.
Vilka Instrument?
det finns mycket val när det gäller instrument, och att hitta rätt röst för varje rad kan vara skrämmande. Innan du börjar är det värt att veta hur orkestern läggs ut:
storleken på orkestern är upp till dig, och till stor del beror på din ursprungliga musikaliska ide. En filmisk filmpoäng kan behöva den överladdade kraften i en symfoniorkester i full storlek. Ett vokalspår kan behöva det mer intima ljudet från mindre kammarorkester.
som en allmän regel när det gäller orkestervikt och kraft är mässing och slagverk den starkaste, följt av strängarna, sedan träblåset. Men om du är ny på orkestrering så finns det bara ett säkert sätt att mäta varje instrumental familjs kraft och ljud: lyssna på dem.
balans, blandning och instrumentering
som orkestrator är att hitta balans och blandning den viktigaste delen av jobbet. När allt kommer omkring siktar du på rik orkesterfärg. Du vill inte ha instrument som tävlar mot varandra eller drunknar ut vokallinjen i en lerig ljudtvätt.
för att se till att varje rad hörs tydligt, här är några saker att tänka på:
vad är det vertikala förhållandet mellan delarna? Den översta raden i texturen är lättast att höra, baslinjen nästa enklaste. De svåraste rösterna att höra är de i mitten.
hur många instrument spelar linjen? Ju fler spelare, desto kraftfullare är linjen. Var dock försiktig med hur du använder detta. För det första kommer konstant fullintensitet att låta tråkigt och för det andra är mer kraft lika med mindre blandning. Gruppinstrument efter tonfärg, inte registrera. Till exempel kan en trumpet spela i samma register som en piccolo-flöjt, men det betyder inte att de låter bra tillsammans.
vilket register spelar de? Det finns en enorm skillnad mellan virtuella och verkliga instrument. Ett tangentbordsgenererat instrument har ungefär samma tonfärg och dynamiska vikt, oavsett register. Det faktiska instrumentet, som spelas av en sessionsmusiker, låter helt annorlunda beroende på om det är i låga, mellersta eller höga register.
hur mycket utrymme mellan delarna? Ju längre ifrån varandra instrumentala röster, desto lättare är det att urskilja den ena från den andra.
hur mycket rörelse finns det? Ju mer en del rör sig, desto mer sticker den ut. Gör det rör sig mindre och det kommer att smälta in i bakgrunden.
och här är några användbara tips om hur du använder olika instrument:
strängar
för en högregistermelodi är 1: A fioler i allmänhet ett bra val-och med två fiolsektioner till ditt förfogande kan du använda 2: a fiolerna för motmelodi och harmonisk resonans. För extra densitet, försök att fördubbla violinmelodin med träblås en oktav lägre.
violorna – och ibland 2: a violinerna – ses ofta som orkesterns ”maskinrum”, vilket ger stark framåtrörelse med upprepade toner och rytmer. De fungerar bra under sång, men de kan också lägga till frodig rikedom på melodilinjen. Dubbla viola med fagott i sin tenor register för otroligt klangfull, genomträngande ton färg.
fördubbla cello med kontrabas med ge din bas linje mer effekt. Men kom ihåg att båda instrumenten kan mer än bara baslinjer. Blanda upp saker lite genom att korsa röster-ge violorna baslinjen och sätt melodin i cellorna. Din kontrabassist kommer också att tacka dig för enstaka melodi.
ett strängavsnitt är inte ett tangentbord. De kan leverera långa, ihållande anteckningar-och i en stödjande harmonisk roll kan de lägga till en unik jämnhet. Leta efter de delade anteckningarna mellan ackord och håll dem igenom så mycket som möjligt. Om du vill ha mer rytm kan du använda samma ide, men med upprepade anteckningar.
för sträng ackord behöver du inte alltid göra poäng från botten upp. Ge ackordutrymmet genom att flytta den tredje en oktav högre och poängera den för 1: A fiolerna.
att använda pizzicato (plockade) strängar är ett bra sätt att lägga till textur. För frodig resonans, gör dem i en lugn dynamik, kombinerad med en legato träblås eller vokalmelodi. En högre pizzicato-dynamik ger ett mer aggressivt slagljud.
för fördjupad information, kolla in vårt dedikerade blogginlägg fokuserat enbart på hur man ordnar strängar.
träblås
med träblås har du en flexibel palett av tonfärger till ditt förfogande, så det är värt att ta sig tid att lära känna varje Instruments individuella egenskaper.
Rimsky Korsakov, som visste en sak eller två om orkestrering, beskrev dem så här:
- flöjt-kall i kvalitet, speciellt lämplig, i huvudnyckeln, till melodier av ljus och graciös karaktär; i den mindre nyckeln, till små beröringar av övergående sorg.
- Oboe-Artless och gay i major, patetisk och ledsen i minor.
- klarinett-smidig och uttrycksfull, lämplig, i majoren, till melodier av en glad eller kontemplativ karaktär, eller till utbrott av glädje; i minor, till sorgliga och reflekterande melodier eller passionerade och dramatiska passager.
- fagott-i majoren, en atmosfär av senil hån; en sorglig, sjuk kvalitet hos den minderåriga.
som ett avsnitt, träblåset har stora ihållande legato möjligheter. Men de är också atletiskt skickliga på snabba körningar och blomstrar. För melodier som kan använda dem i oktaver med varandra, fördela linjen i femtedelar, sjättedelar eller tredjedelar mellan instrumenten eller med andra sektioner.
träblås och strängar resonerar bra tillsammans. Att gruppera enskilda träblåsar med strängar är ett användbart sätt att ändra humör och timbre utan att ändra harmoni eller melodi.
mässing
det viktigaste att veta om mässingsdelen är att den är mycket kraftfull. Så var försiktig med hur du ordnar mässingsavsnitt, annars kan det dominera allt annat i orkestern – särskilt i högre register.
Trumpeter, tromboner och tubor har ungefär lika stora mängder kraft – med ljudet blir mer lysande när de rör sig upp i registret. Tänk på att franska horn har ungefär hälften av styrkan när du spelar forte.
mässingen är i allmänhet mindre flexibel än träblåset, men de är bra för att spela dramatiska svällningar från pianissimo till fortissimo och tillbaka igen. Träblås och mässing tillsammans är en vanlig kombination i orkestrering-och vindarna kan komma till din räddning om du är orolig för överdominans av mässing. Den skarpare mässingen kommer alltid att skära igenom, men vindarna ger en mjuk kudde, vilket gör ljudet sötare.
Brass mutes, och stoppade anteckningar på hornet, är ett användbart sätt att lägga till ett bredare utbud av toner. Dämpad mässing skapar ett mer edgy, nasalt ljud i de nedre registren.
slagverk
slaginstrument ger ett enormt utbud av timbres. Metall, hud eller trä, vissa pitched, andra unpitched – de är ett av de mest effektiva sätten att lägga till spänning och atmosfär. Men du måste använda dem klokt.
Tänk på dem som kryddor – accenter vid viktiga ögonblick. Låt dig inte frestas att använda slagverk som en körrytmsektion. Det jämnar ut saker för mycket och plattar texturen. En snare, timpani eller cymbal crescendo i slutet av en musikalisk fras är mycket mer dramatisk än ett hi-hat-mönster bakom absolut allt.
några anteckningar om begränsningar
som vi nämnde i början av denna blogg är ett av de mest spännande ögonblicken i orkestreringsprocessen när du hör det spelas av en levande orkester. Din musikaliska IDE har förvandlats till en levande, andande verklighet – med färg, resonans och nästan ofattbart djup.
problemet är att det spelas av riktiga människor. Träblåsspelare behöver andas mellan fraser, mässingen kan inte spela tysta ihållande anteckningar i sina övre register, ingen strängspelare på jorden kan spela pizzicato på 160 bpm. Dessutom, om du inte är försiktig med de praktiska spelområdena för varje instrument, kan du ha en myteri på dina händer när du kommer till inspelningsstudion.
det bästa sättet att undvika detta är att lära sig så mycket du kan om de praktiska möjligheterna för varje orkesterinstrument. Lär dig deras spelområden, hur varje instrument låter i olika register, vad de kan tekniskt, deras orkesterklang när de blandas med andra instrument. Och om du är osäker, fråga. Musiker är alltid glada att svara på frågan
söker efter musik orkestrering online? Ta bara kontakt med oss på Supreme Tracks, vi erbjuder orkestreringstjänster på översta hyllan. Vi har en pool av hyllade, prisbelönta orkestratorer-inklusive en Oscar – vinnare-redo att stödja dig och skapa buzz-värdiga orkestrationer.