Hvordan Spille inn Og Produsere Musikk Hjemme
prøver du å produsere kvalitetsmusikk fra et hjemmeopptaksstudio? Du valgte den perfekte tiden! Fra Billie Eilish Når Vi Alle Sovner, Hvor Går Vi?, Til Charlie XCXS fan-collab how i ‘ m feeling now, Til Taylor Swifts folklore, har en rekke vellykkede utgivelser blitt registrert utenfor et tradisjonelt studio.
men disse albumene ble fortsatt laget med støtte og økonomiske fordeler av et stort plateselskap. Hva med noen som ikke har noen hundre tusen dollar for å installere et banebrytende opptaksstudio i deres hjem? Eller hvem kan ikke ansette den mest etterspurte produsenten? Eller hvem eier ikke engang en dyr mikrofon?
Hvordan kan du produsere en flott lydopptak uten å gå til et profesjonelt studio, og uten å dyppe inn i besparelsene dine? Vi viser deg hvordan i denne artikkelen. Men først la oss få litt kontekst på hva det betyr å «produsere» musikk.
hva er musikkproduksjon?
Her er det korte svaret: Musikkproduksjon er prosessen med å fange analoge lydbølger på et reproduserbart medium gjennom en opptaksenhet. Personen som spesialiserer seg på å fange disse opptakene kalles en musikkprodusent. De overvåker opptaksprosessen og prøver å få musikken til å høres så god som mulig, samtidig som de jobber med musikeren (e) for å realisere sin kunstneriske visjon.
i løpet av de siste 120 årene med innspilt musikkhistorie har omfanget av en musikkprodusents engasjement skiftet ettersom teknologien har avansert og stilistiske trender har kommet og gått.
La oss se hvordan teknologi og trender har utviklet seg ved å gå helt tilbake til opprinnelsen til innspilt musikk.
begynnelsen av musikkproduksjon
tilbake i slutten av det 19. Århundre ble musikk kuttet direkte inn i en sylinder, vanligvis laget av aluminium, av en maskin kalt en fonograf. På denne tiden var en produsent (et begrep som ikke engang var oppfunnet ennå) bare den som var til stede for å betjene maskinen. Produksjon plikter, slik som de var, utgjorde ikke mer enn å vite hvordan du arbeider utstyret slik at kunstneren kunne spille inn sine prestasjoner.
denne begrensede spesialiseringen fortsatte gjennom de tidlige delene av det 20.Århundre med musikkbransjens adopsjon av grammofonen for opptak og voksmesterskiven som medium. På denne tiden, all musikk ble spilt inn live; ikke nødvendigvis foran et publikum, men med single-take forestillinger. Denne begrensningen betydde at en feil tvang hele opptaket til å bli skrotet og startet på nytt fra bunnen av.
Magnetbånd gjør musikkproduksjon enklere
Magnetbånd debuterte I Andre Verdenskrig da Allierte lydteknikere overvåket tyske radiosendinger og oppdaget at de på en eller annen måte ble forhåndsinnspilt i stedet for diktert live. Etter krigen oppdaget Amerikanske lydingeniører det nye mediet og brakte det tilbake til bruk i kommersielle opptak.
innen 1950-tallet hadde magnetbånd erstattet plateplater i den første revolusjonen i innspilt musikkhistorie. Tape største fordel over grammofon opptak var dens evne til å bli skjøtes sammen fra flere opptak tar, en prosess kjent som » redigering.»
ikke lenger ville en hel innspilling må kasseres på grunn av en flub. Ikke bare det, men bandmedlemmene kunne spille inn sine individuelle deler separat i motsetning til alle sammen i studio. Musikere kan ta opp flere tar og redigere dem sammen for å få den foretrukne versjonen.
musikkprodusenten som kreativ direktør
den økte fleksibiliteten til magnetbåndopptak førte til den moderne plateprodusentens sanne fødsel; det vil si noen som ikke bare driver innspillingsmaskineriet, men også gir kreativ og kunstnerisk veiledning i forestillinger, arrangementer og til og med låtskriving. En produsents innspill begynner å påvirke hvordan det endelige opptaket lyder fra mer enn et enkelt teknisk synspunkt.
på 60-tallet populariserte produsenter Som George Martin med The Beatles Og Phil Spector Med R&b artister som The Ronettes og Ike og Tina Turner ideen om plateprodusenten som en viktig del av innspillingsprosessen. Spector var spesielt en pioner i bruken av platestudioet som sitt eget instrument med sin» Wall Of Sound «- produksjonsstil; en tett, orkestral tilnærming til popmusikk som påvirket andre visjonære Som The Beach Boys’ Brian Wilson til å ytterligere pynte sine innspillinger med mer instrumentering.
(Vi bør også si her at vår diskusjon Av Spector som produsent på ingen måte overskygger hans handlinger senere i livet som førte til fengsel for mord. Men det er umulig å snakke om musikkproduksjonens historie uten å nevne Spector og hans innflytelse.)
Produsenter utvikle sin signatur lyd
som overdimensjonerte personligheter som Spector begynte å ruve større over sine innspillinger, ideen om at enkelte produsenter kunne lage en signatur » lyd » ble utbredt. Eksperimentell pop artist Brian eno så seg etterspurt som produsent for andre artister starter på midten av 70-tallet etter hans egenproduserte plater vunnet popularitet.
mens mange produsenter stakk med en eller to sjangere de var komfortable med (eller bare en i tilfelle av jazzprodusenter Som Rudy Van Gelder), søkte andre å våge seg inn i hvilken som helst sjanger de likte. Tom Wilson hoppet fra sjanger til sjanger, og spilte inn folkeartister Som Bob Dylan, proto-punkers The Velvet Underground og avantgarde jazz prophet Sun Ra, alt på 1960-tallet alene.
som større musikkprodusenter i mainstream popmusikk vokste sine lyder med state-of-the-art utstyr, innovatører også blomstret rundt om i verden ved å gjøre grunn med begrenset teknologi. På Slutten Av 60-Tallet Jamaica for eksempel, produsenter ville lage en enkelt kopi av en ny sang for å teste sin salgbarhet. Disse kopiene ble kjent som «dubs», og snart produserte produsentene instrumentale mikser av sangen for bruk i klubber. Denne praksisen fødte undergenren av reggae passende kalt «dub music» på 70-tallet.
På 1980-tallet var en tilsynelatende reaksjon på «mer er mer» – mentaliteten i det forrige tiårets rockeoverskudd på vei, ledet av produsenter Som Rick Rubin og Steve Albini. Disse produsentene ble ettertraktet for sine minimalistiske innspillingsstiler, Med Albini spesielt berømt hevdet at han bare var ingeniør og bare slo «Record». Disse produsentenes popularitet var først og fremst blant nyere eller» alternative » sjangere med yngre musikere som metall, punk og hip-hop.
hvordan hip-hop-produsenter er forskjellige fra andre sjangere
Når vi Snakker om hip-hop, bør vi ta opp en differensiering når vi definerer «musikkproduksjon»: produksjonsteknikkene som brukes i hip-hop, elektronisk musikk og andre prøve-og beat-fokuserte sjangere.
i disse sjangrene tar en produsent en mye mer aktiv rolle i skapelsen av musikken enn de gjør i sjangere fokusert på akustiske instrumenter.
akkurat som med rock og pop, har enkelte rapprodusenter sin egen lyd og tilhørende større personligheter. Dr. Dre pioner Vestkysten G-funk lyden med sin passende funky basslines og varemerke klynking synther.
PÅ samme tid og på den andre siden av landet gav RZA wu-Tang Clan og medlemmenes soloprosjekter en betydelig grittier East Coast sound bestående av prøver fra obskure soul records og lo-fi VHS rips av 70-talls kampsportflikker.
Hip-hop produsenter lage instrumentals emcees deretter rap over, samtidig gi veiledning til emcee i studio. De lager disse beats på noen forskjellige måter:
- Prøvetaking noen få sekunder av trommeslag (kalt «breakbeats») og/eller melodi og andre kroker fra poster ved hjelp av en platespiller Og DAWs
- Lage sine egne beats med utstyr som trommemaskiner, synthesizere og DAWs å lage digital versjon av ekte instrumenter
- Opptak faktiske live instrumenter
de kombinerer noen eller alle disse brikkene sammen med andre små innslag som ett-skudd (engangs enkelt notater, akkorder eller andre lydeffekter brukes til å legge til variasjon i en beat loop) i en sammenhengende beat bruker samme miksing programvareprodusenter i andre sjangere bruker. (Vi vil dekke all den tekniske programvaren senere i denne artikkelen.)
Hip-hop produsenter og beatmakers
du kan også noen ganger se hip-hop produsenter referert til som » beatmakers.»Mens det sikkert kan være (og ofte er) det samme, er det et skille: en beatmaker gjør bare det instrumentale.
Beatmakers jobber alene (eller i lag), vanligvis uten å være i studio med emcee. I kontrast, en hip-hop produsent kan ikke bare lage instrumentaler, men også trener emcee som de utfører i studio og gi ingeniørkompetanse.
Musikkproduksjon i den digitale tidsalderen
på 90-tallet hadde kvinner begynt å bryte seg inn i musikkproduksjon, med trailblazers som Sylvia Massy som jobbet på store, platina-selgende plater fra rock som Tool, Red Hot Chili Peppers og System Of A Down.
90-tallet så også den økende utviklingen av digital opptak og engineering bære over fra det foregående tiåret. Store album Som Paul Simons Graceland fra 1986 ble spilt inn på analogt bånd, men overført og mikset på nytt utstyr kalt en digital audio workstation (DAW). DAWs ble standard i 90-talls opptaksstudioer, og på 00-tallet ble det store flertallet av musikkproduksjonen helt digital.
Musikkproduksjon som låtskriving
i Dag er musikkprodusenter ofte artister og låtskrivere, og omvendt også. De tidligere forskjellene har brutt sammen.
som elektroniske musikkproduksjonsverktøy har blitt allestedsnærværende, blir flere sanger skrevet i øyeblikket. De er bygget opp fra grunnen som en produksjon.
rytmene, krokene og andre instrumentale elementer refereres til som «rytmen», som tar senterstadiet tidlig i prosessen. Ofte blir en topline-låtskriver (eller vokalprodusent) introdusert for å skape vokale melodier, tekster og harmonier.
hva trenger jeg for å spille inn musikk hjemme?
all den historien bringer oss til i dag, hvor DAWs har kombinert med fremskritt innen datakraft for å gjøre DIY musikkproduksjon tilgjengelig for omtrent alle som er fast bestemt på å lage sin egen profesjonelle lydende plate hjemme.
Men det er ikke bare programvare du trenger. Hvis du ønsker å spille inn musikk hjemme, er det en sjekkliste over tingene du trenger for å komme i gang:
1. Datamaskin: hvis du eier en datamaskin laget i de siste årene, er sjansene det vil fungere for musikkproduksjon. Nøkkelkomponenten du leter ETTER ER RAM. De Fleste DAWs krever minst 8 gigabyte RAM, som egentlig ikke er mye for nye datamaskiner (Min 2015 Macbook har 8 GB RAM, for å gi deg en ide). Det er nok minne til å behandle opptil 25 lydspor med flere instrumenter og effekter, noe som er mer enn nok for alle, men de mest ambisiøse Brian Wilson-disiplene.
Du vil også ha en harddisk med minst 256 til 500 gigabyte lagringsplass, som også er ganske standard for moderne datamaskiner. Den store plassen er å lagre lydfilene dine, som vil bli ukomprimert, slik at de tar opp mye plass. Solid state harddisker (Ssd) er bedre enn faktiske plater for skriving og lesehastighet. SSD er mye rimeligere nå enn det var for noen år siden, så hvis du er i et marked for en ny datamaskin for hjemmeopptak, trenger du ikke å bruke tonn for den ekstra luksusen.
2.) DAW: Dette er den viktigste programvaren du skal kjøre på datamaskinen. Det er tonnevis Av Daw med kostnader som spenner fra gratis til noen få tusen dollar. Mange tilbyr månedlige abonnementer med forskjellige nivåer, med dyrere nivåer som gir deg tilgang til flere funksjoner.
når det er sagt, selv de mest grunnleggende nivåene av De fleste DAWs tilbyr 16-spors opptak og de fleste funksjonene du trenger. Og noen av de populære vil fungere fint så lenge de er kompatible med datamaskinen:
Audition
Cubase
Garageband
Live
Logic Pro
LUNA
Pro Tools
årsak
sonar
Studio One
3. Lydgrensesnitt: dette er fysiske bokser som plugger inn i datamaskinens USB-port og gjør analoge lyder (de fra en stemme eller et instrument) til digitale signaler. De koster vanligvis noen få hundre dollar, og som DAWs har de for det meste de samme funksjonene med mindre forskjeller i knappeoppsett.
her er noen av topp-karakter audio interface:
Audient iD4 mkii
SSL 2+
Focusrite Scarlett 4i4 3rd Gen
Universell Lyd OG Apollo Twin MkII
Native Instruments Komplete Audio 2
4.) Mikrofon: du trenger noe å koble til lydgrensesnittet og ta opp musikken din inn i. Heldigvis kan du kjøpe en kvalitet studio mikrofon for under $100. Det er to hovedtyper av mikrofoner, dynamisk og kondensator. Hver har sitt eget foretrukne program, så du vil velge en (eller begge) av følgende i henhold til hvordan du skal bruke den:
Dynamiske mikrofoner bruker en bevegelig spole magnetisk membran. De er flotte for å utføre og spille inn på live-konserter eller spille inn høye instrumenter som forsterkede gitarer og trommer. Trommesett er notorisk vanskelig å spille inn nøyaktig.
her er de fem beste dynamiske mikrofonene for rundt $100 i henhold til mikrofonentusiastens Nettsted MicReviews:
Audix I5
Shure SM57
Sennheiser e 835
sE Electronics V7
AKG D5
Kondensatormikrofoner bruker en ledende membran som vibrerer med lydtrykk. Deres teknologi gjør dem mer nøyaktige enn dynamiske mikrofoner, så de er perfekte for presisjonsopptak av akustiske instrumenter og vokal. Kondensatormikrofoner krever også en ekstern strømkilde siden DE opererer PÅ XLR-utgang, men du har en allerede hvis du kjøpte et lydgrensesnitt.
her er de fem beste kondensatormikrofoner for rundt $100, også I Henhold Til MicReviews:
Audio-Technica AT2020
AKG P120
sE Electronics X1 A
Rode NT-USB Mini
Samson C01
hvis budsjettet ditt er litt høyere, kan toppmoderne kondensatormikrofoner Koste Opptil $1000.
Her er de fem beste kondensatormikrofonene for $200 til $1000 i henhold til audio superstore Sweetwater:
United Studio Technologies UT FET47
Røde NTK
Mojave Lyd MA-201FET
Østerriksk LYD OC18
Varm LYD WA-87
5.) Hodetelefoner: slik refererer du til det du tar opp. Du vil ha et par analytiske hodetelefoner spesielt produsert for opptak. Se etter begreper som» referanse»,» studio «eller» profesjonell » når du handler. Målet er at telefonene skal være så flate som mulig i frekvensresponsen, slik at avspillingen din er en ærlig representasjon av hva du har tatt opp. Lær hvordan du velger de beste hodetelefonene.
du kan også bruke spesielle høyttalere til dette formålet kalt studiomonitorer, men disse pleier å være dyrere enn hodetelefoner. De er også mye høyere siden de er faktiske høyttalere, så de er ikke ideelle for leilighetsliv.
Kan jeg ta opp musikk på nettbrettet mitt?
hvis plassen din er veldig begrenset, eller du er mest på farten, eller hvis du bare liker bekvemmeligheten av bærbar opptak, enten for hovedriggen eller en sikkerhetskopi på veien, kan du ta opp musikk direkte på en nettbrett.
Fremskritt innen mobilteknologi har ført til at mobile enheter som en iPad er i stand til å fange lydkvalitet med noe mer enn selve enheten, noen ettermarkedskomponenter og lydprogrammer. Tabletter har normalt noen få hundre GB lagringsplass, og mange har et microSD-kortspor for å utvide det ved å lagre filene dine på eksterne kort.
her er de tre beste tabletter for mobilopptak:
iPad Pro
Microsoft Surface Pro 7
Samsung Galaxy Tab S7
akkurat som med en datamaskin trenger du et lydgrensesnitt for å spille inn musikk på nettbrettet. IK iRig synes å være den mest anbefalte, og du kan vanligvis finne den under $50!
og akkurat som på en datamaskin, trenger du også EN DAW for å behandle og redigere lyden på nettbrettet. Disse er delt mellom iOS (Apple) Og Android, så du vil søke etter en kompatibel med operativsystemet ditt.
Kan jeg ta opp musikk på smarttelefonen min?
hvis du ønsker å bli veldig bærbar, kan du til og med ta opp musikk på smarttelefonen din. Du trenger ikke engang noe mer utstyr enn en iPhone eller Android og en lyd app!
To populære musikkopptak apps For Android er:
Easy Voice Recorder
RecForge II
To populære musikkopptak apps for iPhone er:
RØ Reporter
Garageband
Hvis du ønsker å forbedre opptakskvaliteten på smarttelefonen din, du kan kjøpe en av disse eksterne mikrofonene For Under $50:
RØ Mikrofoner VideoMic
Dayton Audio iMM-6
Saramonic Mini SmartMic
hvordan setter jeg opp et hjemmeopptaksstudio?
så du har alt lydutstyret ditt, og du er klar til å komme på jobb. Men først må du finne et passende rom for å spille inn. Dette blir ditt hjemmestudio.
du vil ønske å velge rom for hjemmestudio klokt. Hvis du er i et hus med et ekstra rom, er du klar! Men hvis du er i en leilighet eller et sted med begrenset plass, kan soverommet ditt uunngåelig trekke dobbelt plikt som opptaksstudio.
Soverom (og egentlig alle rom i huset) er ikke laget for å brukes som et hjemmestudio. For å konvertere ditt valg av rom til et passende opptaksmiljø, må du gjøre noe som kalles akustisk behandling.
hvordan behandler jeg rommet mitt for akustikk?
målet ditt med å sette opp akustisk behandling i hjemmestudio er å gjøre lyden av rommet så flatt som mulig. Det betyr å fjerne noen reverb av akustisk absorpsjon, så alt som er igjen er direkte lyd fra instrumenter eller stemme.
Følg disse trinnene for å fjerne reverb fra hjemmestudio:
1.) Kjøp de tre akustiske behandlingselementene:
- Bassfeller for å absorbere lave frekvenser
- Akustiske paneler for å absorbere mid/high frekvenser
- Diffusorer for å spre gjenværende frekvenser
2.) Gå rundt på rommet ditt og klapp hendene dine på hvert sted du kan stå på. Du lytter etter skarpe ringelyder. Det er dårlig akustikk, og de vil virkelig rote med lydmiksen din. Hvis du er i en standard fire hjørne soverom med et tak av gjennomsnittlig høyde, sjansene er akustikken vil være på den dårlige siden.
3.) Bruk akustisk behandling for å løse følgende akustiske problemer:
- Hjørner. Plasser bassfeller i hjørnene på rommet ditt. Bass feller er den viktigste delen av akustisk behandling utstyr, og hjørner er spesielt problematisk for bass reverb. Plassere bass feller i hjørnene eliminerer refleksjoner og bruker overflødig bass som kan lekke inn i miksen.
- Windows. Plasser akustiske paneler på vinduer for å lukke dem av. Glass reflekterer svært lyse frekvenser som kan forårsake problemer med blandingen din.
4.) Utfør klapptesten når du plasserer mer akustisk behandling til du oppnår ønsket lyd. Det er vanligvis en fin, jevn reverb.
5.) Bruk diffusorer til å spre og kontrollere lydrefleksjoner hvis du foretrekker mer reverb. Du kan kombinere strategisk plassering av diffusorer med akustisk behandlingsmateriale for å få den nøyaktige romatmosfæren du liker.
6.) Bruk et refleksjonsfilter over mikrofonen hvis du spiller inn akustiske instrumenter som akustiske gitarer eller vokal. Refleksjonsfiltre holder akustikken fra å hoppe rundt i rommet ditt, slik at du får et intimt opptak i stedet for spredt lyd.
Hvordan spiller jeg inn musikken min?
opptaksprosessen-også kjent som «sporing» – kan være en veldig personlig og subjektiv opplevelse.
hvor du plasserer mikrofonene, hvilke effekter og prosessering du bruker — hvordan du tar beslutninger underveis-disse tingene vil variere fra artist til artist, og produsent til produsent.
hva som høres » bra «eller» dårlig » er også ganske avhengig av sjangeren din, så det er vanskeligere å lage spesifikke anbefalinger her. YouTube Er imidlertid En gullgruve av opptakstips, og jeg foreslår at du søker der når du sitter fast.
Med det sagt har jeg noen generelle råd som vil hjelpe deg å holde deg produktiv ved å sette grenser for deg selv.
hvordan forbedre opptakene dine ved å sette begrensninger
i et kreativt rom kan uendelige muligheter gjøre oss galne.
Dette gjelder spesielt med digital musikkopptak fordi det er nesten ingen grense på lagringsplassen din. Hele tiden, hvis du er som MANGE DIY-artister, har du ikke uendelige timer å bruke opptak, så tidsbegrensninger forsterker trykket. I dette miljøet, en begrensning kan være svært ting som holder deg tilregnelig.
med andre ord lønner det seg å ta beslutninger mens du går.
Har Du noen gang sett De Fem Hindringene? Det er en flott film, og en flott illustrasjon av hvordan vilkårlige hindringer kan hjelpe oss med å fokusere og presse utover våre vanlige trekk.
hvis DU skal åpne en ny økt I DAW, bør du vurdere noen av disse kreative begrensningene:
1.) Sett en maksimal sportelling før økten begynner: det er ikke uvanlig i disse dager for opptaksøkter å ha 100 spor. Jada, hvis du tar opp neste # 1 singel For Doja Cat og virkelig trenger å lag 15 spark trommer, gå for det. Men hvis du klemmer på opptakstid i helgene, vil du virkelig ha å sile gjennom alle disse sporene hver gang du åpner økten?
sett I Stedet en regel for deg selv: ingen sang på dette albumet vil ha Mer Enn X spor. Det kan være 4, 8, 16, 24,… uansett. (Men hvis økten din tar opp mer enn 24 spor, begrenser du ikke akkurat deg selv, er du?)
så sett din minimal lue på. Det vil tvinge deg til å koke ting ned til deres nødvendigheter, og spare deg for mye tid og bekymring når du kommer til blandingsstadiet.
Hint: hvis du nærmer deg sporgrensen din og fortsatt trenger plass til en ekstra kick-tromme, kan du kanskje submix strykekvartetten eller de seks backing-vokalene ned til et stereospor. Hvilket bringer oss til …
2.) Submix, submix, submix: hvis du jobber med en gruppering av instrumenter som alle tilhører samme univers, opprett en submix av den grupperingen (strenger med strenger, messing med messing, bakgrunnsvokal med bakgrunnsvokal, trommer med trommer, etc.). Når du har den rette blandingen for hver gruppering, skriv den ut til tape (eller lagre på datamaskinen) og forplikte seg til det! Igjen, dette trekket vil spare deg for tid og stress når det gjelder blanding, og åpne opp flere spor hvis du trenger å legge til flere instrumenter.
Hint: hvis du virkelig tviler på submixene dine når det gjelder tid til å lage den endelige blandingen, kan du alltid gå tilbake til økten din (med mindre du spiller inn analog!) og skape en ny blanding. Selv om det gjør ganske beseire hele hensikten med submixing i første omgang.
3.) Sett regler for instrumentering og lydpalett: før du starter en opptakssesjon, bestem hvilke instrumenter som skal brukes, hvilke effekter, hvilke prøver, hva som høres… og hold deg til det for hele prosjektet uten å introdusere andre elementer. Kanskje du vil at alle trommer skal være en vintage 808, men med en ekte shaker og tamburin. Stor. Høres kult ut. Men du kan ikke legge til ekte snare eller cymbaler senere! Kanskje du vil bruke en ren lyd telecaster med noen forsinkelser. Søtt! Forby deg selv å bruke noen form for forvrengning pedal for hele albumet, og stole utelukkende på amp for crunch. Ved å sette disse grunnreglene blir du mer kreativ med instrumentene du bruker (for å diversifisere sangene på tvers av albumet), OG du ender opp med å gi sammenheng til prosjektet som helhet. Slike begrensninger er ofte det som gir gode album en viss » følelse.»
4.) Gi deg selv en begrenset mengde tar per del: Ingenting er verre enn å lytte tilbake til 20 gitarsoloer for å finne de magiske øyeblikkene til hver som kan comped sammen. Voltron spor er for suckas! Ikke vær en robot. Vær et menneske. Si til deg selv, » jeg kommer til å spikre denne gitarsoloen i 3 tar. Hvis jeg ikke gjør det, går jeg videre til noe annet og kommer tilbake senere.»Så, hvis du ikke får noe som høres riktig ut, slett disse sporene . Begynn igjen i morgen.
5.) La noe ut: Noen ganger kan en sang ta på seg et helt nytt liv når du fjerner et element du tidligere trodde var avgjørende for det generelle arrangementet. Hva om du fjernet synth pad fra din nyeste hip-hop sang og stolt på trommesløyfe, bass, og prøver å gjøre arbeidet? Hva om akustisk gitar, trekkspill, og cello vuggesang var faktisk mer interessant uten akustisk gitar? Eksperimenter med å fjerne ting. Gi sangen litt pusterom. Du kan finne at mindre er mer.
6.) Forplikte seg til effekter: liker du måten noe høres ut mens det blir behandlet i overvåking? Kanskje du synger med litt reverb og vokalprestasjonen din reagerer på den effekten. Kanskje du har en synth lyd med litt smuss på det, og det føles spennende. Stor. Skriv det ut! Sett den i stein, og gå videre. Igjen, blanding vil skje mye raskere når du har færre beslutninger å gjøre.
hvordan blander jeg musikken min?
etter at du har spilt inn alle sporene for sangen din, er neste trinn å blande dem alle sammen. Dette resulterer i det som kalles en mixdown, som er sluttproduktet av alle de forskjellige sporene i en sang satt sammen.
hvorfor bør du blande din egen musikk? Fordi lyd miksing er en viktig del av musikkproduksjon og lære å gjøre det vil gjøre deg til en mer selvhjulpne indie artist.
selv om det kan bli litt teknisk, er det noen grunnleggende trinn som enhver aspirerende selvprodusent bør følge for å unngå feil under blanding:
1.) Velg DIN DAW: Vi har allerede anbefalt Noen Daw for hjemmeopptak. De er ikke bare vant til å spille inn, men også å blande. Når du har bestemt deg FOR EN DAW, hold deg til den og lær alle dens intricacies, slik at du blir dyktig med blandingsfunksjonene.
2.) Sett opp miksingsøkten din: Du kan bruke en forhåndsinnstilt mal i DIN DAW for dette. Disse malene har en tendens til å være rettet mot bestemte sjangere som rock eller akustisk, og de setter rekkefølgen på sporblanding tilsvarende. Du kan også lage din egen mix mal som passer dine behov.
3.) Pass på at sporene dine heter nøyaktig: Navngi lydspor av enkle beskrivelser som «lead vocals «og» acoustic guitar » vil gjøre å finne dem mens du blander mye lettere.
4.) Fargekode sporene dine etter instrument: Bruk daw til å velge farger for sporene dine etter hvilket instrument de tilhører. Hvis du har tre rytmegitarspor på sangen din, kode dem i samme farge slik at du kan finne dem raskt.
5.) Kombiner instrumentsporene dine med en «buss» : dette vil gjøre behandlingen av sporene dine mer effektive og vil skape en følelse av enhet. For eksempel, spille rundt med effekter behandling av alle dine vokalspor sammen for å gjøre dem balansert i miksen.
6.) Nivå-match sporene dine: Balansere nivåene for alle sporene dine. Ta deg tid til å heve eller slippe nivåene av hvert spor i miksen din gjennom hele sangen for å legge til spenning, ro og andre følelser der du vil ha det.
7.) Bruk stereo til din fordel med panorering: det er en grunn stereo mix overtok mono tiår siden. Du kan panorere sporene til venstre eller høyre kanal i miksen for å oppnå ønsket effekt for lytteren. Panorering en rytmegitar på den ene siden og ledelsen på den andre gjør en sang mer interessant og gir en følelse av plass i miksen. Det gir også inntrykk av at et fullt band spiller sammen i et rom, selv om det ikke er det.
8.) Behandle sporene med følgende effekter:
Equalizer (EQ), som er balansen av frekvenser på et bestemt spor. Gå gjennom hvert enkelt spor og EQ det til din smak.
Komprimering, som hever eller senker det dynamiske området til et spor. Målet ditt er å få en jevn blanding der ingenting går tapt eller er øre-knusende høyt. Bare ikke engang alt ut til det punktet hvor det er alt høyt, eller sporet ditt vil bli et annet offer for loudness war.
Reverb, som er refleksjon av lydbølger. Du har allerede kontrollert noen reverb når du gjorde akustisk behandling til ditt hjemmestudio. Hvis du helt flatt frekvensresponsen, kan du kunstig sette reverb tilbake i blandingen din i DAW. Og hvis du skjedde på ønsket mengde naturlig reverb gjennom en perfekt plassering av akustisk behandling og diffusorer i ditt hjemmestudio, så gratulerer, du er ferdig med effekter!
9.) Del prosessen din med andre samarbeidspartnere: Hvis du er i et band eller jobber med samarbeidspartnere, er sjansen stor for at denne prosessen er mer demokrati enn diktatur. Selv om du er utnevnt til ansvarlig for engineering, kan du dele filene mens du blander dem med samarbeidspartnerne dine Gjennom Notetracks.
Fullfør opptaket med mastering
etter at du har sporet sangen din og blandet alle sporene sammen i den endelige mixdownen, er sangen din 99% ferdig. Men det er fortsatt ett skritt å fullføre før opptaket er klart for utgivelse:
du må mestre opptaket ditt.
Musikkmastering er det siste trinnet i opptaksprosessen. Under mastering brukes flere lydbehandlinger på miksen din for å korrigere problemfrekvenser og forbedre musikaliteten til sporet ditt.
hvordan mestrer jeg musikken min?
det er noen måter du kan mestre sangen på:
- Du kan leie en mastering ingeniør. Dette er spesialister som lytter til den endelige blandingen og justerer det totale volumet. Om nødvendig legger de også til etterproduksjonseffekter eller ekstra komprimering. Mastering ingeniører vanligvis belaste ca $ 50 til $100 for mindre touch ups, og $150 eller mer per sang for full service behandling.
- Du kan bruke CloudBounce, en automatisert mastering program som fungerer rett I DIN CD Baby konto! CloudBounce bruker en algoritme kontrollert av innstillingene du velger for å justere nivåene av mixdown og lage en endelig master. Mastering Med CloudBounce koster bare $ 9,90 per sang. Selv om det ikke er så nøyaktig som en ekte menneskelig finjustering hver liten detalj av sporet ditt, er det en pokker av mye billigere og raskere. Hvis du allerede har funnet ut din mixdown selv og bare trenger litt nivåmatching før du distribuerer sangen din, Er CloudBounce veien å gå.
Slipp musikken din
nå som mixdownen din har blitt din siste mester, er sangen din klar for utgivelse. Gratulerer! Det er på tide å introdusere sangen din til verden.
CD Baby distribuerer musikk til mer enn 150 digitale plattformer, og tjener penger på musikken din på sosiale medier og videoplattformer, slik at du får betalt fra overalt hvor musikken din spilles.
REGISTRER DEG NÅ