Les 9 conseils d’un réalisateur pour aborder (Correctement) Shakespeare
De nombreux acteurs trouvent Shakespeare (ou tout texte classique accentué) intimidant. Pour vraiment comprendre le Barde dans toutes ses subtilités, il est préférable de trouver un enseignant spécialisé dans son travail et de l’étudier de près. Il y a beaucoup de règles de langage, de grammaire et de caractère que Shakespeare emploie constamment, que je vais exposer ci-dessous. Il enfreint également ces règles tout le temps et quand il le fait, c’est généralement sa façon de vous dire quelque chose sur le personnage et la situation.
Voici quelques choses à rechercher ainsi que quelques astuces pour vous aider à passer à travers.
Poésie vs Prose
Le moyen le plus simple de différencier les deux est de regarder la structure physique des lignes telles qu’elles sont imprimées sur la page. En poésie, la ligne ne s’étendra pas jusqu’à la fin de la page:
Bonne nuit, bonne nuit! La séparation est une si douce tristesse,
Que je dirai bonne nuit jusqu’à ce qu’il soit demain. (Roméo et Juliette Acte II, Scène II)
En prose, les lignes continueront jusqu’à la fin de la page et reprendront immédiatement sur la ligne suivante:
Tout le monde est une scène, et tous les hommes et les femmes ne sont que des joueurs.
Ils ont leurs sorties et leurs entrées:
Et un homme en son temps joue de nombreux rôles. (Comme Vous le souhaitez, Acte 2, Scène 7)
Une fois que vous avez déterminé si vos lignes sont de la poésie ou de la prose, considérez les circonstances de la pièce et le moment. Qu’est-ce que l’utilisation du verset vous dit de ce moment et de votre personnage? Pourquoi ce moment est-il mieux servi en prose?
En ce qui concerne la poésie, il existe deux formes de vers: rimé et vierge (non rimé). Si le texte est rimé, votre personnage devrait probablement avoir une conscience ludique des mots rimés. Et rappelez-vous qu’à moins que le personnage ne lise une lettre, il arrive avec les idées — et donc les rimes — dans le moment. La poésie peut également impliquer un état d’émotion accru, signifiant l’amour, la passion, la rage, l’humiliation, etc.
Pentamètre iambique
Qu’il soit rimé ou vide, l’iambique est la forme standard du vers shakespearien. En bref, chaque ligne devrait balayer jusqu’à 10 syllabes, divisées en cinq groupes (iambs) qui reflètent un battement de cœur, le deuxième battement étant la syllabe accentuée: da DUM da DUM da DUM.
Avant de vous engager dans le rythme, scannez rapidement la ligne. S’il scanne plus ou moins de 10 syllabes, votre personnage est probablement dans un état émotionnel accru. S’il scanne, dites la ligne tout en tapotant l’iambique sur votre cœur pour vous aider à trouver le rythme cardiaque du moment.
Si la MUSIQUE EST la NOURRITURE de l’AMOUR, jouez,
Donnez-MOI de L’excès; que la Suralimentation,
L’Appétit peut S’Écoeurer, ET ainsi MOURIR. (Acte 1 de la Douzième nuit, scène 1)
Notez que c’est un moyen utile d’apprendre, mais jouer en respectant strictement le rythme peut sembler anormal sur scène.
Ponctuation
En règle générale, dans Shakespeare et dans tous les textes, une pensée équivaut à un souffle. Cela signifie que vous devez suivre toute la ligne du début à la fin (point, point d’interrogation, point d’exclamation) sans pause. Cela vous aide, ainsi que le public, à suivre votre train de pensée.
Par exemple, Hamlet dit :
O, que cette chair trop trop solide fondrait,
Dégelerait et se résoudrait en rosée !
Une respiration devrait vous emmener de « O » à « rosée! »C’est ainsi que l’on joue Shakespeare sur la ligne. Vous devez maintenir le flux de la pensée et du langage. Ce n’est pas parce que les sauts de ligne signifient que votre pensée fait aussi bien.
Une virgule, deux points ou un point-virgule n’est jamais un arrêt. Une virgule n’est pas toujours une pause. Par exemple, dans la ligne ci-dessus, il n’est pas nécessaire de faire une pause entre « fondre » et « dégeler ». »
Inversement, dans l’un des discours les plus célèbres de Hamlet, l’utilisation du deux points pourrait être utile:
Être ou ne pas être: telle est la question.
Le côlon ici n’est pas un arrêt complet, mais considérez ce qu’une pause ou un battement vous rapporte.
Allitération
Il s’agit de la répétition de consonnes dans des mots adjacents ou étroitement liés. Par exemple, dans le prologue d’ouverture du Frère de Roméo et Juliette, il dit au public:
À partir des reins fatals de ces deux ennemis
Notez la répétition de « f » tout au long de cette moitié de ligne. C’est un son dur; un son qui a du mordant. Shakespeare vous dit de prendre votre temps. Il est impossible d’accélérer à travers cette ligne et de l’atterrir en même temps.
Assonance
C’est la répétition de sons de voyelles dans des mots adjacents ou étroitement liés. Par exemple, Juliette dit à Roméo:
Ma générosité est aussi illimitée que la mer.
Remarquez la répétition du son « ou ». Lorsque vous le dites à haute voix, sentez où il se trouve dans votre corps.
Onatopée
C’est un mot qui suggère ou ressemble au son qu’il décrit, comme tic, tock, bang, charlatan, écorce. L’une des utilisations shakespeariennes les plus célèbres de cela se trouve dans « Macbeth »:
Double, double labeur et peine; feu brûlant et bulle de chaudron.
Nous utilisons ici l’allitération, l’assonance et lesomatatopées.
Définitions
Le sens des mots a évolué, changé et parfois radicalement changé depuis l’époque de Shakespeare. Si vous ne connaissez pas le sens d’un mot ou si vous êtes même un peu incertain, cherchez-le. Cela affectera grandement la signification d’une ligne.
Prenez la phrase de Juliette : « Roméo, Roméo, pourquoi es-tu Roméo? »Il est facile de supposer que « pourquoi » signifie « où êtes-vous? », comme si Juliette appelait Roméo à ses côtés. Mais en réalité, elle demande « pourquoi? »Juliette dit: « Pourquoi es-tu Roméo, un Montague, au lieu de quelqu’un que ma famille me laissera aimer? »
Structure
Presque tous les discours et soliloques de Shakespeare ont la même structure et le même mouvement:
- Thèse (Ou, c’est ce que j’essaie de résoudre)
- Argument
- Conclusion
Toute la pensée de Shakespeare avance. Une pensée en mène une autre et s’appuie sur la précédente. Votre personnage peut faire une pause ou tourner à gauche, mais suivez les fils, les connexions des idées. Une pensée, un souffle aidera à cela.
Oppositions
Shakespeare utilise tout le temps les contraires pour faire valoir son point de vue. Parcourez le texte et trouvez-les. Parfois, c’est facilement apparent, d’autres fois ce n’est pas le cas. Mais ce sont ces oppositions qui vous aident à faire et à concentrer votre argumentation.
- Être ou ne pas être : telle est la question. (Hamlet, Acte 3, Scène 1)
- Certains s’élèvent par le péché, et d’autres par la vertu tombent. (Mesure pour mesure, Acte 2, Scène 1)
- L’amour de soi, mon liege, n’est pas un péché aussi ignoble que le renoncement à soi. (Henri V, Acte 2, Scène 3)
Une fois que vous avez parcouru le texte et noté ces utilisations du langage, il est temps de mettre les mots dans votre bouche. Shakespeare était, après tout, destiné à être parlé. Vous devez dire ces mots, ces phrases, ces pensées, sur votre souffle — pas dans un murmure. Obtenir la langue en vous et dans le monde vous aidera à la comprendre.
Et rappelez-vous:
Nos doutes sont des traîtres,
Et nous font perdre le bien que nous pourrions souvent gagner,
En craignant de tenter. (Mesure pour mesure, Acte 1, Scène 4)
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