Wie orchestriert man Musik

Wie orchestriert man Musik

Wie orchestriert man Musik? Das Orchester ist das ultimative Ensemble. Musikalisch kann es fast alles – und es ist in der Lage, jede erdenkliche Emotion auszudrücken. Aber wenn Sie ein unerfahrener Musikorchestrator sind oder es gewohnt sind, für virtuelle Instrumente zu schreiben, wie lassen Sie ein reales Orchester gut klingen? In diesem Blog haben wir einige der nützlichsten Tipps zur Orchestrierung von Musik zusammengestellt.

Aber bevor wir zu den Techniken kommen, beginnen wir mit einer wichtigen Frage:

Was ist der Unterschied zwischen Arrangieren und Orchestrieren?

Das Musikarrangement nimmt die ursprüngliche Komposition auf, passt sie an und entwickelt sie weiter. Es kann verschiedene Instrumente oder Stimmen, Reharmonisierung, Ergänzungen, Modulationen und Paraphrasierung gegeben werden.

Bei der Musikinstrumentierung bleibt die musikalische Substanz im Wesentlichen unverändert, aber die Melodielinien erhalten unterschiedliche Stimmen. Klingt einfach?

Tatsächlich ist eine der Hauptschwierigkeiten bei der Orchestrierung auch einer der größten Vorteile: du schreibst für echte Musiker, die echte Instrumente spielen, und sie haben Einschränkungen. Mehr dazu später, denn die obige Definition bringt auch die nächste Frage auf.

Wann Orchestrierung verwenden?

Vielleicht möchten Sie orchestrale Kraft hinter einer Gesangsspur oder verwenden Sie sie, um einen Film-Soundtrack oder eine TV-Werbung zum Leben zu erwecken. Was auch immer Sie orchestrieren, weil sich die musikalische Substanz nicht ändert, versuchen Sie, das ganze Stück an Ort und Stelle zu haben, bevor Sie beginnen. Es macht den Prozess viel einfacher.

Kurz gesagt, gut komponierte Musik wird sich immer besser auf das Orchester übertragen lassen. Es lohnt sich, sich die Zeit zu nehmen, um sicherzustellen, dass Sie mit den Noten zufrieden sind, bevor Sie entscheiden, welche Instrumente sie spielen sollen.

Welche Instrumente?

Es gibt eine große Auswahl, wenn es um Instrumente geht, und die richtige Stimme für jede Zeile zu finden, kann entmutigend sein. Bevor Sie beginnen, sollten Sie wissen, wie das Orchester aufgebaut ist:

Die Größe des Orchesters liegt bei Ihnen und hängt weitgehend von Ihrer ursprünglichen musikalischen Idee ab. Eine filmische Filmmusik benötigt möglicherweise die aufgeladene Leistung eines Symphonieorchesters in voller Größe. Eine Gesangsspur benötigt möglicherweise den intimeren Klang eines kleineren Kammerorchesters.

Wenn es um das Gewicht und die Kraft des Orchesters geht, sind Blechbläser und Schlagzeug in der Regel am stärksten, gefolgt von den Streichern und dann den Holzbläsern. Wenn Sie jedoch neu in der Orchestrierung sind, gibt es nur einen sicheren Weg, um die Kraft und den Klang jeder Instrumentalfamilie zu messen: Hören Sie ihnen zu.

Balance, Mischung und Instrumentierung

Als Orchestrator ist das Finden von Balance und Mischung der wichtigste Teil der Arbeit. Schließlich streben Sie eine satte Orchesterfarbe an. Sie möchten nicht, dass Instrumente gegeneinander antreten oder die Gesangslinie in einem schlammigen Klang ertrinken.

Um sicherzustellen, dass jede Zeile deutlich gehört wird, sind hier einige Dinge zu beachten:

Wie ist die vertikale Beziehung zwischen den Teilen? Die obere Linie der Textur ist am einfachsten zu hören, die Basslinie am nächsten am einfachsten. Die am schwersten zu hörenden Stimmen sind die in der Mitte.

Wie viele Instrumente spielen die Linie? Je mehr Spieler, desto mächtiger die Linie. Seien Sie jedoch vorsichtig, wie Sie dies verwenden. Erstens klingt eine konstante volle Intensität langweilig und zweitens bedeutet mehr Leistung weniger Blend. Instrumente nach Klangfarbe gruppieren, nicht registrieren. Zum Beispiel kann eine Trompete im gleichen Register wie eine Piccoloflöte spielen, aber das bedeutet nicht, dass sie gut zusammen klingen werden.

Welche Register spielen sie? Es gibt einen großen Unterschied zwischen virtuellen und realen Instrumenten. Ein Keyboard-generiertes Instrument hat so ziemlich die gleiche Klangfarbe und dynamisches Gewicht, unabhängig vom Register. Das eigentliche Instrument, das von einem Session-Musiker gespielt wird, klingt völlig anders, je nachdem, ob es in den tiefen, mittleren oder hohen Registern ist.

Wie viel Platz zwischen den Teilen? Je weiter die Instrumentalstimmen voneinander entfernt sind, desto leichter ist es, sie voneinander zu unterscheiden.

Wie viel Bewegung gibt es? Je mehr sich ein Teil bewegt, desto mehr ragt es heraus. Machen Sie es weniger bewegen und es wird in den Hintergrund zu mischen.

Und hier ein paar nützliche Tipps zum Umgang mit verschiedenen Instrumenten:

Saiten

Für eine Hochregistermelodie sind 1. Violinen in der Regel eine gute Wahl – und mit zwei Violinsektionen können Sie die 2. Violinen für Gegenmelodie und harmonische Resonanz verwenden. Versuchen Sie für zusätzliche Dichte, die Violinmelodie mit Holzbläsern eine Oktave tiefer zu verdoppeln.

Die Bratschen – und manchmal auch die 2. Violinen – werden oft als „Maschinenraum“ des Orchesters gesehen und sorgen für starke Vorwärtsbewegung mit wiederholten Tönen und Rhythmen. Sie funktionieren gut unter Gesang, können aber auch der Melodielinie üppigen Reichtum verleihen. Verdoppeln Sie die Bratsche mit dem Fagott in seinem Tenorregister für unglaublich sonore, durchdringende Klangfarbe.

Verdoppeln Sie das Cello mit dem Kontrabass, um Ihrer Basslinie mehr Wirkung zu verleihen. Aber denken Sie daran, beide Instrumente können mehr als nur Basslinien. Mischen Sie die Dinge ein wenig, indem Sie die Stimmen kreuzen – geben Sie den Bratschen die Basslinie und legen Sie die Melodie in die Celli. Ihr Kontrabassist wird Ihnen auch für die gelegentliche Melodie danken.

Ein String-Abschnitt ist keine Tastatur. Sie können lange, anhaltende Noten liefern – und in einer unterstützenden harmonischen Rolle können sie eine einzigartige Glätte hinzufügen. Suchen Sie nach den gemeinsamen Noten zwischen Akkorden und halten Sie sie so weit wie möglich durch. Wenn Sie mehr Rhythmus möchten, können Sie dieselbe Idee verwenden, jedoch mit wiederholten Noten.

Bei Saitenakkorden muss man nicht immer von unten nach oben punkten. Geben Sie dem Akkord Raum, indem Sie die Terz eine Oktave höher bewegen und für die 1. Violinen bewerten.

Die Verwendung von Pizzicato-Saiten (gezupft) ist eine großartige Möglichkeit, Textur hinzuzufügen. Für üppige Resonanz erzielen Sie eine ruhige Dynamik, kombiniert mit einer Legato-Holzbläser- oder Gesangsmelodie. Eine lautere Pizzicato-Dynamik erzeugt einen aggressiveren perkussiven Klang.

Ausführliche Informationen finden Sie in unserem speziellen Blogbeitrag, der sich ausschließlich mit dem Anordnen von Zeichenfolgen befasst.

Woodwind

Mit Woodwind steht Ihnen eine flexible Palette an Klangfarben zur Verfügung, so dass es sich lohnt, sich die Zeit zu nehmen, die individuellen Eigenschaften jedes Instruments kennenzulernen.

Rimsky Korsakov, der ein oder zwei Dinge über Orchestrierung wusste, beschrieb sie so:

• Flöte – Kalt in der Qualität, besonders geeignet in der Dur-Tonart für Melodien von leichtem und anmutigem Charakter; in der Moll-Tonart für leichte Berührungen vorübergehender Trauer.
• Oboe – Kunstlos und schwul in Dur, erbärmlich und traurig in Moll.
• Klarinette — Geschmeidig und ausdrucksstark, geeignet in Dur zu Melodien mit freudigem oder kontemplativem Charakter oder zu Freudenausbrüchen; in Moll zu traurigen und reflektierenden Melodien oder leidenschaftlichen und dramatischen Passagen.
• Fagott – Im Dur eine Atmosphäre des senilen Spottes; eine traurige, kranke Qualität im Moll.

Als Sektion haben die Holzbläser große nachhaltige Legato-Möglichkeiten. Aber sie sind auch sportlich geschickt in schnellen Läufen und Schnörkeln. Für Melodien, die sie in Oktaven miteinander verwenden können, verteilen Sie die Linie in Quinten, Sechsten oder Terzen zwischen den Instrumenten oder mit anderen Abschnitten.

Holzbläser und Streicher klingen gut zusammen. Die Gruppierung einzelner Holzbläser mit Streichern ist eine nützliche Möglichkeit, die Stimmung und das Timbre zu ändern, ohne die Harmonie oder Melodie zu verändern.

Brass

Das Wichtigste, was Sie über die Brass-Sektion wissen sollten, ist, dass sie sehr kraftvoll ist. Seien Sie also vorsichtig, wie Sie Blechbläser arrangieren, sonst kann es alles andere im Orchester dominieren – besonders in höheren Registern.

Trompeten, Posaunen und Tuben haben ungefähr die gleiche Kraft – wobei der Klang mit zunehmender Lage brillanter wird. Denken Sie daran, dass Waldhörner etwa die Hälfte der Stärke haben, wenn Sie Forte spielen.

Die Blechbläser sind im Allgemeinen weniger flexibel als die Holzbläser, aber sie eignen sich hervorragend für dramatische Schwingungen von Pianissimo zu Fortissimo und wieder zurück. Holzbläser und Blechbläser zusammen sind eine häufige Kombination in der Orchestrierung – und die Winde können zu Ihrer Rettung kommen, wenn Sie sich Sorgen um die Dominanz der Blechbläser machen. Das schärfere Messing wird immer durchschneiden, aber die Winde sorgen für ein weiches Kissen, wodurch der Klang süßer wird.

Blechblasinstrumente und gestoppte Noten auf dem Horn sind eine nützliche Möglichkeit, eine größere Vielfalt an Tönen hinzuzufügen. Gedämpftes Messing erzeugt einen kantigen, nasalen Klang in den unteren Registern.

Schlagzeug

Schlaginstrumente bieten eine enorme Bandbreite an Klangfarben. Metall, Haut oder Holz, einige aufgeschlagen, andere ungepitcht – sie sind eine der effektivsten Möglichkeiten, um Spannung und Atmosphäre hinzuzufügen. Aber Sie müssen sie mit Bedacht einsetzen.

Denken Sie an sie wie Würze – Akzente in Schlüsselmomenten. Seien Sie nicht versucht, Percussion als treibende Rhythmusgruppe zu verwenden. Es gleicht die Dinge zu sehr aus und glättet die Textur. Ein Snare-, Pauken- oder Becken-Crescendo am Ende einer musikalischen Phrase ist weitaus dramatischer als ein Hi-Hat-Muster hinter absolut allem.

Einige Hinweise zu Einschränkungen

Wie wir zu Beginn dieses Blogs erwähnt haben, ist einer der aufregendsten Momente im Orchestrierungsprozess, wenn Sie ihn von einem Live-Orchester spielen hören. Ihre musikalische Idee hat sich in eine lebendige, atmende Realität verwandelt – mit Farbe, Resonanz und fast unvorstellbarer Tiefe.

Das Problem ist, es wird von echten Menschen gespielt. Holzbläser müssen zwischen den Phrasen atmen, die Blechbläser können keine ruhigen, anhaltenden Noten in ihren oberen Registern spielen, kein Streicher auf der Erde kann Pizzicato bei 160 bpm spielen. Wenn Sie nicht auf die praktischen Spielbereiche jedes Instruments achten, haben Sie möglicherweise eine Meuterei an Ihren Händen, wenn Sie ins Aufnahmestudio kommen.

Der beste Weg, dies zu vermeiden, ist, so viel wie möglich über die praktischen Möglichkeiten jedes Orchesterinstruments zu lernen. Lernen Sie ihre Spielbereiche, wie jedes Instrument in verschiedenen Registern klingt, was sie technisch können, ihr orchestrales Timbre, wenn sie mit anderen Instrumenten gemischt werden. Und wenn Sie Zweifel haben, fragen Sie. Musiker sind immer glücklich, Frage zu beantworten

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