Come registrare e produrre musica a casa
Stai cercando di produrre musica di qualità da uno studio di registrazione a casa? Hai scelto il momento perfetto! Da Billie Eilish Quando ci addormentiamo, dove andiamo?, al fan-collab di Charlie XCX how i’m feel now, al folklore di Taylor Swift, un certo numero di uscite di successo sono state registrate al di fuori di uno studio tradizionale.
Ma quegli album erano ancora realizzati con il supporto e i benefici finanziari di una grande etichetta. Che dire di qualcuno che non ha poche centinaia di migliaia di dollari per installare uno studio di registrazione all’avanguardia nella loro casa? O chi non può assumere il produttore più richiesto? O chi non possiede nemmeno un microfono costoso?
Come puoi produrre un disco dal suono eccezionale senza andare in uno studio professionale e senza immergerti nei tuoi risparmi? Vi mostreremo come in questo articolo. Ma prima facciamo un po ‘di contesto su cosa significa “produrre” musica.
Che cos’è la produzione musicale?
Ecco la risposta breve: La produzione musicale è il processo di acquisizione di onde sonore analogiche su un supporto riproducibile attraverso un dispositivo di registrazione. La persona che si specializza nella cattura di queste registrazioni è chiamato un produttore musicale. Supervisionano il processo di registrazione e cercano di rendere la musica il più buona possibile mentre lavorano anche con i musicisti per realizzare la loro visione artistica.
Negli ultimi 120 anni di storia della musica registrata, la portata del coinvolgimento di un produttore musicale si è spostata con l’avanzare della tecnologia e le tendenze stilistiche sono andate e vengono.
Vediamo come la tecnologia e le tendenze si sono evolute tornando alle origini della musica registrata.
Gli inizi della produzione musicale
Alla fine del xix secolo, la musica veniva tagliata direttamente in un cilindro, di solito in alluminio, da una macchina chiamata fonografo. A quel tempo un produttore (un termine che non era ancora stato inventato) era semplicemente chiunque fosse presente per azionare il macchinario. I compiti di produzione, come erano, ammontavano a non più di sapere come lavorare le attrezzature in modo che l’artista potesse registrare le loro prestazioni.
Questa specializzazione limitata continuò attraverso le prime parti del 20 ° secolo con l’adozione da parte dell’industria musicale del grammofono per la registrazione e del disco master wax come mezzo. In questo momento, tutta la musica è stata registrata dal vivo; non necessariamente di fronte a un pubblico, ma con esibizioni single-take. Questa limitazione ha fatto sì che un errore ha costretto l’intera registrazione da rottamare e riavviare da zero.
Il nastro magnetico facilita la produzione musicale
Il nastro magnetico ha fatto il suo debutto nella seconda guerra mondiale quando gli ingegneri audio alleati monitoravano le trasmissioni radio tedesche e scoprivano che erano in qualche modo preregistrati invece di essere dettati dal vivo. Dopo la guerra, gli ingegneri audio americani hanno scoperto il nuovo mezzo e lo hanno riportato per l’uso in registrazioni commerciali.
Dal 1950 nastro magnetico aveva soppiantato dischi record nella prima rivoluzione nella storia della musica registrata. Il più grande vantaggio del nastro rispetto alle registrazioni grammofoniche era la sua capacità di essere impiombato insieme da più riprese di registrazione, un processo noto come “editing.”
Non sarebbe più necessario scartare un’intera registrazione a causa di un flub. Non solo, ma i membri della band potevano registrare le loro singole parti separatamente rispetto a tutti insieme in studio. I musicisti potevano registrare più riprese e modificarle insieme per ottenere la versione preferita.
Il produttore musicale come direttore creativo
La maggiore flessibilità della registrazione su nastro magnetico ha portato alla vera nascita del produttore discografico moderno, cioè colui che non solo gestisce la macchina di registrazione, ma fornisce anche una guida creativa e artistica nelle performance, negli arrangiamenti e persino nel songwriting. L’input di un produttore inizia a influenzare il modo in cui la registrazione finale suona da più di un semplice punto di vista tecnico.
Negli anni ’60, produttori come George Martin con i Beatles e Phil Spector con R &B artisti come the Ronettes e Ike e Tina Turner hanno reso popolare l’idea del produttore discografico come parte essenziale del processo di registrazione. Spector in particolare ha aperto la strada all’uso dello studio di registrazione come proprio strumento con il suo stile di produzione “Wall of Sound”; un approccio denso e orchestrale alla musica pop che ha influenzato altri visionari come Brian Wilson dei Beach Boys per abbellire ulteriormente le loro registrazioni con più strumentazione.
(Dovremmo anche affermare qui che la nostra discussione su Spector come produttore non oscura in alcun modo le sue azioni più tardi nella vita che hanno portato alla sua prigionia per omicidio. Tuttavia è impossibile parlare della storia della produzione musicale senza menzionare Spector e la sua influenza.)
I produttori sviluppano il loro sound signature
Mentre personalità fuori misura come Spector cominciarono a profilarsi più grandi sulle loro registrazioni, l’idea che alcuni produttori potessero creare un “suono” signature divenne prevalente. L’artista pop sperimentale Brian En si è visto richiesto come produttore per altri artisti a partire dalla metà degli anni ‘ 70 dopo che i suoi dischi autoprodotti hanno guadagnato popolarità.
Mentre molti produttori si fermavano con uno o due generi con cui erano a loro agio (o solo uno nel caso di produttori jazz come Rudy Van Gelder), altri cercavano di avventurarsi in qualsiasi genere a loro piacimento. Tom Wilson saltò di genere in genere, registrando artisti folk come Bob Dylan, proto-punkers the Velvet Underground e il profeta del jazz d’avanguardia Sun Ra, tutto solo negli anni ‘ 60.
Mentre i più grandi produttori di musica pop mainstream crescevano i loro suoni con attrezzature all’avanguardia, gli innovatori prosperavano anche in tutto il mondo facendo causa con una tecnologia limitata. Alla fine degli anni ‘ 60 Giamaica per esempio, i produttori avrebbero fatto una singola copia di una nuova canzone per testare la sua commerciabilità. Quelle copie divennero note come “dubs”, e presto i produttori stavano facendo mix strumentali della canzone per l’uso nei club. Questa pratica ha dato vita al sottogenere del reggae opportunamente chiamato “dub music” negli anni ’70.
Negli anni 1980, una reazione apparente alla mentalità “more is more” dell’eccesso rock del decennio precedente era in corso, guidata da produttori come Rick Rubin e Steve Albini. Questi produttori sono diventati ricercati per i loro stili di registrazione minimalista, con Albini in particolare notoriamente sostenendo che era solo un ingegnere e semplicemente colpito “Record”. La popolarità di questi produttori era principalmente tra i generi più recenti o “alternativi” con musicisti più giovani come metal, punk e hip-hop.
Come i produttori hip-hop sono diversi dagli altri generi
Parlando di hip-hop, dovremmo affrontare una differenziazione quando definiamo “produzione musicale”: le tecniche di produzione utilizzate nell’hip-hop, nella musica elettronica e in altri generi incentrati sul campione e sul beat.
In questi generi, un produttore assume un ruolo molto più attivo nella creazione della musica rispetto a generi incentrati sugli strumenti acustici.
Proprio come con il rock e il pop, alcuni produttori rap hanno il loro suono e accompagnano personalità più grandi della vita. Il Dott. Dre è stato il pioniere del suono G-funk della West Coast con le sue linee di basso opportunamente funky e i synth piagnucolosi del marchio.
Allo stesso tempo e dall’altra parte del paese, RZA stava dotando il Wu-Tang Clan e i progetti solisti dei suoi membri con un suono notevolmente più grintoso della East Coast composto da campioni di obscure soul records e strappi VHS lo-fi di film di arti marziali degli anni’ 70.
I produttori hip-hop creano gli emcee strumentali e poi rap, fornendo anche una guida all’emcee in studio. Creano questi battiti in alcuni modi diversi:
- Campionamento di un paio di secondi di percussioni (chiamato “breakbeat”) e/o la melodia e altri ganci da record utilizzando un giradischi e Daw
- Creare una propria batte con attrezzature come macchine a tamburo, sintetizzatori e Daw per rendere la versione digitale di strumenti reali
- Registrazione dal vivo di strumenti
combinano qualsiasi o tutti questi pezzi insieme con altri piccoli tocchi come il one-shot (una volta le singole note, accordi o altri effetti sonori utilizzati per aggiungere la variazione di un beat loop) in una coesa battere utilizzando lo stesso software di mixaggio produttori in altri generi uso. (Tratteremo tutto ciò che il software di ingegneria più avanti in questo articolo.)
Produttori e beatmaker hip-hop
A volte potresti anche vedere produttori hip-hop chiamati “beatmakers.”Mentre può certamente essere (e spesso sono) la stessa cosa, c’è una distinzione: un beatmaker fa solo lo strumentale.
I beatmaker lavorano da soli (o in team), di solito senza essere in studio con l’emcee. Al contrario, un produttore hip-hop può non solo creare gli strumenti, ma anche allenare l’emcee mentre si esibiscono in studio e fornire competenze ingegneristiche.
Produzione musicale nell’era digitale
Negli anni ’90, le donne avevano iniziato a sfondare nella produzione musicale, con pionieri come Sylvia Massy che lavorava su dischi importanti e venduti di platino da atti rock come Tool, i Red Hot Chili Peppers e System of a Down.
Gli anni ‘ 90 hanno visto anche la crescente evoluzione della registrazione digitale e del riporto ingegneristico rispetto al decennio precedente. Album importanti come Graceland di Paul Simon del 1986 sono stati registrati su nastro analogico ma trasferiti e mixati su una nuova apparecchiatura chiamata digital audio workstation (DAW). DAW divenne standard negli studi di registrazione degli anni ‘ 90, e negli anni ’00 la stragrande maggioranza della produzione musicale divenne completamente digitale.
Produzione musicale COME songwriting
Oggi, i produttori musicali sono spesso artisti e cantautori, e anche il contrario. Le distinzioni precedenti si sono scomposte.
Come strumenti di produzione di musica elettronica sono diventati onnipresenti, più canzoni vengono scritte in questo momento. Sono costruiti da zero COME una produzione.
I ritmi, i ganci e altri elementi strumentali sono indicati come “the beat”, che prende il centro della scena all’inizio del processo. Spesso, un cantautore topline (o produttore vocale) viene quindi introdotto al fine di creare melodie vocali, testi e armonie.
Di cosa ho bisogno per registrare musica a casa?
Tutto ciò che la storia ci porta ai giorni nostri, dove DAW hanno accoppiato con i progressi nella potenza di calcolo per rendere la produzione musicale fai da te accessibile a chiunque determinato a fare il proprio disco dal suono professionale a casa.
Ma non è solo un software di cui avrai bisogno. Se stai cercando di registrare musica a casa, ecco una lista di controllo delle cose di cui avrai bisogno per iniziare:
1.) Computer: Se possiedi un computer realizzato negli ultimi anni, è probabile che funzionerà per la produzione musicale. Il componente chiave che stai cercando è la RAM. La maggior parte delle DAW richiede almeno 8 gigabyte di RAM, il che non è molto per i computer nuovi (il mio Macbook 2015 ha 8 GB di RAM, per darti un’idea). Questa è abbastanza memoria per elaborare fino a 25 tracce audio con più strumenti ed effetti, che è più che sufficiente per tutti, ma i più ambiziosi discepoli Brian Wilson.
Si vorrà anche un disco rigido con almeno 256 a 500 gigabyte di storage, che è anche abbastanza standard per i computer moderni. Il grande spazio è quello di memorizzare i file audio, che saranno non compressi, in modo che ti occupano un sacco di spazio. I dischi rigidi a stato solido (SSD) sono migliori dei dischi effettivi per la scrittura e la velocità di lettura. SSD è molto più conveniente ora di quanto non fosse anche qualche anno fa, quindi se siete in un mercato per un nuovo computer per la registrazione a casa non sarà necessario spendere un sacco per il lusso aggiunto.
2.) DAW: Questo è il software principale che verrà eseguito sul computer. Ci sono tonnellate di DAW con costi che vanno da libero a poche migliaia di dollari. Molti offrono abbonamenti mensili con livelli diversi, con livelli più costosi che ti consentono di accedere a più funzioni.
Detto questo, anche i livelli più basilari della maggior parte delle DAW offrono la registrazione a 16 tracce e la maggior parte delle funzionalità di cui avrai bisogno. E popolare funzionano bene fintanto che sono compatibili con il computer:
Audizione
Cubase
Garageband
Live
Logic Pro
LUNA
Pro Tools
Ragione
Sonar
Studio One
3.) Interfaccia audio: Si tratta di scatole fisiche che si collegano alla porta USB del computer e trasformano i suoni analogici (quelli di una voce o di uno strumento) in segnali digitali. Generalmente costano poche centinaia di dollari e, come le DAW, hanno per lo più le stesse funzioni con piccole differenze nel layout dei pulsanti.
Ecco alcune delle interfacce audio più votate:
Audient ID4 MkII
SSL 2+
Focusrite Scarlett 4i4 3rd Gen
Universal Audio UAD Apollo Twin MkII
Native Instruments Komplete Audio 2
4.) Microfono: Hai bisogno di qualcosa per connettersi alla tua interfaccia audio e registrare la tua musica in. Fortunatamente, è possibile acquistare un microfono da studio di qualità per meno di $100. Esistono due tipi principali di microfoni, dinamici e condensatori. Ognuno ha la propria applicazione preferita, quindi ti consigliamo di selezionare uno (o entrambi) dei seguenti in base a come si sta andando ad usarlo:
Microfoni dinamici utilizzano un diaframma magnetico bobina mobile. Sono grandi per l’esecuzione e la registrazione a concerti dal vivo o la registrazione di strumenti ad alto volume come chitarre amplificate e batteria. I drum kit sono notoriamente difficili da registrare con precisione.
Ecco i cinque migliori microfoni dinamici per circa $100 secondo il sito microphone enthusiast MicReviews:
Audix i5
Shure SM57
Sennheiser e 835
SE Electronics V7
AKG D5
I microfoni a condensatore utilizzano un diaframma conduttivo che vibra con la pressione sonora. La loro tecnologia li rende più precisi dei microfoni dinamici, quindi sono perfetti per la registrazione di precisione di strumenti acustici e voci. I microfoni a condensatore richiedono anche una fonte di alimentazione esterna poiché operano su uscita XLR, ma ne avrai già uno se hai acquistato un’interfaccia audio.
Ecco i cinque migliori microfoni a condensatore per circa $100, anche secondo MicReviews:
Audio-Technica AT2020
AKG P120
sE Electronics X1
Rode NT-USB Mini
Samson C01
Se il vostro budget è un po ‘ più in alto, state-of-the-art di microfoni a condensatore può costare verso l’alto di $1.000.
Ecco i primi cinque microfoni a condensatore per $200 a $1.000 secondo audio superstore Sweetwater:
United Studio Technologies UT FET47
Rode NTK
Mojave Audio MA-201fet
Austrian Audio OC18
Warm Audio WA-87
5.) Cuffie: Questo è il modo in cui fai riferimento a ciò che stai registrando. Avrai bisogno di un paio di cuffie analitiche specificamente prodotte per la registrazione. Cercare termini come” riferimento”,” studio “o” professionale ” quando lo shopping. L’obiettivo è che i telefoni siano il più piatti possibile nella loro risposta in frequenza, quindi la riproduzione è una rappresentazione onesta di ciò che hai registrato. Impara come scegliere le migliori cuffie.
È anche possibile utilizzare altoparlanti speciali per questo scopo chiamati monitor da studio, ma questi tendono ad essere più costosi delle cuffie. Sono anche molto più forti dal momento che sono altoparlanti reali, quindi non sono l’ideale per vivere in appartamento.
Posso registrare musica sul mio tablet?
Se il tuo spazio è davvero limitato, o sei per lo più in viaggio, o se ti piace la comodità della registrazione portatile sia per il tuo impianto principale che per un backup on the road, puoi registrare la musica direttamente su un tablet.
I progressi nella tecnologia mobile hanno portato a dispositivi mobili come un iPad essere in grado di catturare audio di qualità con niente di più che il dispositivo stesso, alcuni componenti after-market e applicazioni audio. Compresse normalmente hanno poche centinaia di GB di spazio di archiviazione, e molti hanno uno slot per schede microSD per espandere che salvando i file su schede esterne.
Ecco i tre migliori tablet per la registrazione mobile:
iPad Pro
Microsoft Surface Pro 7
Samsung Galaxy Tab S7
Proprio come con un computer, avrete bisogno di un’interfaccia audio per registrare musica sul tablet. L’IK iRig sembra essere il più raccomandato, e di solito si può trovare sotto $50!
E proprio come su un computer, avrete anche bisogno di una DAW per elaborare e modificare l’audio sul tablet. Questi sono divisi tra iOS (Apple) e Android, quindi ti consigliamo di cercare uno compatibile con il sistema operativo.
Posso registrare musica sul mio smartphone?
Se stai cercando di ottenere davvero portatile, si può anche registrare musica sul tuo smartphone. Non hai nemmeno bisogno di più attrezzature di un iPhone o Android e un’app audio!
Due di musica popolare app per la registrazione per Android sono:
Easy Voice Recorder
RecForge II
Due di musica popolare app per la registrazione per iPhone sono:
RODE Reporter
Garageband
Se si vuole migliorare la qualità di registrazione sul vostro smartphone, potete acquistare uno di questi microfoni esterni per meno di $50:
RØDE Microphones VideoMic
Dayton Audio iMM-6
Saramonic Mini SmartMic
Come posso configurare uno studio di registrazione domestico?
Quindi hai tutta la tua attrezzatura audio e sei pronto per andare al lavoro. Ma prima devi trovare una stanza adatta per registrare. Questo sta per essere il vostro studio di casa.
Ti consigliamo di scegliere la stanza per il vostro studio di casa con saggezza. Se siete in una casa con una stanza di ricambio, il gioco è fatto! Ma se siete in un appartamento o da qualche parte con spazio limitato, la vostra camera da letto potrebbe inevitabilmente essere tirando doppio dovere come il vostro studio di registrazione.
Le camere da letto (e davvero qualsiasi stanza della casa) non sono fatte per essere utilizzate come studio domestico. Per convertire la vostra stanza di scelta in un ambiente di registrazione adatto, avrete bisogno di fare qualcosa chiamato trattamento acustico.
Come trattare la mia stanza per l’acustica?
Il tuo obiettivo nell’impostazione del trattamento acustico nel tuo studio domestico è rendere il suono dello spazio il più piatto possibile. Ciò significa rimuovere qualsiasi riverbero mediante assorbimento acustico, quindi tutto ciò che rimane è il suono diretto dai tuoi strumenti o dalla tua voce.
Segui questi passaggi per rimuovere qualsiasi riverbero dal tuo home studio:
1.) Acquistare i tre elementi di trattamento acustico:
- Bass trap per assorbire le basse frequenze
- Pannelli acustici per assorbire le medie / alte frequenze
- Diffusori per disperdere le frequenze rimanenti
2.) Cammina per la tua stanza e batti le mani in ogni punto in cui puoi stare. Stai ascoltando suoni acuti. Quelli sono cattivi acustica, e faranno davvero pasticciare con il vostro mix sonoro. Se siete in una camera da letto standard a quattro angoli con un soffitto di altezza media, è probabile che l’acustica sarà sul lato povero.
3.) Utilizzare il trattamento acustico per risolvere i seguenti problemi acustici:
- Angoli. Posizionare trappole bassi negli angoli della vostra stanza. Le trappole per bassi sono il pezzo più importante di apparecchiature per il trattamento acustico e gli angoli sono particolarmente problematici per il riverbero dei bassi. Posizionare le trappole dei bassi negli angoli elimina i riflessi e consuma i bassi in eccesso che potrebbero fuoriuscire nel mix.
- Finestre. Posizionare i pannelli acustici sulle finestre per chiuderli. Il vetro riflette frequenze molto luminose che possono causare problemi con il mix.
4.) Eseguire il clap test come si effettua più trattamento acustico fino a raggiungere il suono desiderato. Di solito è un riverbero piacevole e liscio.
5.) Usa i diffusori per disperdere e controllare i riflessi sonori se preferisci più riverbero. È possibile combinare il posizionamento strategico dei diffusori con il materiale di trattamento acustico per ottenere l’esatto ambiente della stanza che ti piace.
6.) Usa un filtro di riflessione sul microfono se stai registrando strumenti acustici come chitarre acustiche o voci. I filtri di riflessione impediscono all’acustica di rimbalzare nel tuo spazio in modo da ottenere una registrazione intima anziché un suono sparso.
Come posso effettivamente registrare la mia musica?
Il processo di registrazione — noto anche come “tracking” — può essere un’esperienza molto personale e soggettiva.
Dove si posizionano i microfoni, quali effetti e l’elaborazione si utilizza, come prendere decisioni lungo la strada — queste cose saranno diverse da artista a artista, e produttore a produttore.
Ciò che suona “buono” o “cattivo” dipende anche abbastanza dal tuo genere, quindi è più difficile fare raccomandazioni specifiche qui. Tuttavia, YouTube è una miniera d’oro di suggerimenti di registrazione e vi suggerisco di cercare lì ogni volta che ti trovi in difficoltà.
Detto questo, ho alcuni consigli generali che ti aiuteranno a rimanere produttivo impostando dei limiti per te stesso.
Come migliorare le registrazioni impostando limitazioni
In uno spazio creativo, infinite opzioni possono farci impazzire.
Questo è particolarmente vero con la registrazione di musica digitale perché non c’è quasi nessun limite allo spazio di archiviazione. Per tutto il tempo, se siete come un sacco di artisti fai da te, non hai infinite ore per trascorrere la registrazione, in modo da restrizioni di tempo amplificare la pressione. In questo ambiente, una limitazione può essere la cosa che ti tiene sano di mente.
In altre parole, vale la pena prendere decisioni mentre vai.
Avete mai visto i cinque ostacoli? È un grande film e una grande illustrazione di come gli ostacoli arbitrari possano aiutarci a concentrarci e spingerci oltre le nostre mosse abituali.
Se stai per aprire una nuova sessione nella tua DAW, considera alcune di queste limitazioni creative:
1.) Impostare un numero massimo di tracce prima dell’inizio della sessione: non è raro in questi giorni che le sessioni di registrazione abbiano 100 tracce. Certo, se si sta registrando il prossimo # 1 singolo per Doja Cat e davvero bisogno di strato 15 grancassa, andare per esso. Ma se stai spremendo il tempo di registrazione nei fine settimana, vuoi davvero passare al setaccio tutte quelle tracce ogni volta che apri la sessione?
Imposta invece una regola per te: nessuna canzone di questo album avrà più di X tracce. Potrebbero essere 4, 8, 16, 24, whatever qualunque cosa. (Ma se la tua sessione sta occupando più di 24 tracce, non ti stai limitando esattamente, vero?)
Quindi indossa il tuo cappello minimale. Ti costringerà a far bollire le cose fino al loro essenziale, e risparmiare un sacco di tempo e preoccupazione quando si arriva alla fase di miscelazione.
Suggerimento: se ti stai avvicinando al limite della traccia e hai ancora bisogno di spazio per una grancassa extra, forse puoi sottomettere il quartetto d’archi o i sei cori a una traccia stereo. Il che ci porta a
2.) Submix, submix, submix : Se stai lavorando con un raggruppamento di strumenti che appartengono tutti allo stesso universo, crea un submix di quel raggruppamento (archi con corde, ottoni con ottoni,cori con cori, tamburi con tamburi, ecc.). Una volta che hai la miscela giusta per ogni raggruppamento, stamparlo su nastro (o salvare sul computer) e impegnarsi ad esso! Anche in questo caso, questa mossa vi farà risparmiare tempo e lo stress quando si tratta di miscelazione, e aprire più tracce se avete bisogno di aggiungere più strumenti.
Suggerimento: se stai davvero indovinando i tuoi submix quando arriva il momento di creare il mix finale, puoi sempre tornare nella tua sessione (a meno che tu non stia registrando analogico!) e creare una nuova miscela. Anche se questo fa un po ‘ sconfiggere l’intero scopo di submixing in primo luogo.
3.) Impostare le regole per la strumentazione e la tavolozza sonora : Prima di iniziare una sessione di registrazione, decidere quali strumenti verranno utilizzati, quali effetti, quali campioni, quali suoni… e attenersi ad esso per l’intero progetto senza introdurre altri elementi. Forse vuoi che tutti i tamburi siano un 808 vintage, ma con un vero shaker e tamburello. Grande. Sembra figo. Ma non è possibile aggiungere vero rullante o piatti più tardi! Forse si desidera utilizzare una telecaster suono pulito con alcuni ritardi. Dolce! Proibisci a te stesso di usare qualsiasi tipo di pedale di distorsione per l’intero album e affidati esclusivamente all’amplificatore per crunch. Impostando queste regole di base, si diventa più creativi con gli strumenti che si sta utilizzando (al fine di diversificare le canzoni in tutto l’album), E si finisce per dare una coesione al progetto nel suo complesso. Questi tipi di limitazioni sono spesso ciò che dà grandi album un certo “sentire.”
4.) Concediti una quantità finita di take per parte: niente è peggio che ascoltare 20 assoli di chitarra per trovare i momenti magici di ognuno che possono essere compensati insieme. Le tracce di Voltron sono per suckas! Non fare il robot. Sii umano. Dì a te stesso: “Ho intenzione di inchiodare questo assolo di chitarra in 3 take. Se non lo faccio, passerò a qualcos’altro e tornerò più tardi.”Quindi, se non ottieni qualcosa che suona bene, elimina quelle tracce. Ricominciamo domani.
5.) Lascia fuori qualcosa: A volte una canzone può assumere una vita completamente nuova quando si rimuove un elemento che in precedenza si pensava cruciale per la disposizione generale. Che cosa succede se è stato rimosso il pad synth dalla tua ultima canzone hip-hop e invocato il ciclo di batteria, basso, e campioni per fare il lavoro? Che cosa succede se la vostra chitarra acustica, fisarmonica e violoncello ninna nanna era in realtà più interessante senza la chitarra acustica? Sperimenta con la rimozione delle cose. Dare alla canzone un po ‘ di respiro. Potresti scoprire che meno è di più.
6.) Commit to effects: Ti piace il modo in cui qualcosa suona mentre viene trattato nel monitoraggio? Forse stai cantando con un po ‘ di riverbero e la tua performance vocale risponde a questo effetto. Forse hai un suono synth con un po ‘ di sporcizia su di esso e ci si sente emozionante. Grande. Stampalo! Mettilo nella pietra e muoviti. Ancora una volta, la miscelazione avverrà molto più velocemente quando si hanno meno decisioni da prendere.
Come faccio a mixare la mia musica?
Dopo aver registrato tutte le tracce per la tua canzone, il passo successivo è mescolarle tutte insieme. Ciò si traduce in quello che viene chiamato un mixdown, che è il prodotto finale di tutte le diverse tracce di una canzone messe insieme.
Perché dovresti mixare la tua musica? Perché il mixaggio audio è una parte essenziale della produzione musicale e imparare a farlo ti renderà un artista indie più autosufficiente.
Mentre può diventare un po ‘ tecnico, ci sono alcuni passaggi fondamentali che ogni aspirante auto-produttore dovrebbe seguire per evitare errori durante la miscelazione:
1.) Scegli la tua DAW: Abbiamo già consigliato alcune DAW per la registrazione a casa. Non sono usati solo per registrare, ma anche per mixare. Una volta che hai deciso su una DAW, bastone con esso e imparare tutte le sue complessità in modo da diventare abile con le sue caratteristiche di miscelazione.
2.) Impostare la sessione di missaggio: È possibile utilizzare un modello pre-impostato nella vostra DAW per questo. Questi modelli tendono ad essere orientati verso generi specifici come rock o acustica, e impostare l’ordine di miscelazione pista di conseguenza. È inoltre possibile creare il proprio modello di mix che si adatta alle vostre esigenze.
3.) Assicurati che le tue tracce siano denominate con precisione: nominare le tracce audio con semplici descrittori come “voce principale” e “chitarra acustica” renderà molto più facile localizzare quelle durante il missaggio.
4.) Codice colore le tracce per strumento: Usa la tua DAW per scegliere i colori per le tracce da quale strumento appartengono. Se hai tre tracce di chitarra ritmica sulla tua canzone, codificale dello stesso colore in modo da poterle individuare rapidamente.
5.) Combina le tue tracce strumentali con un “bus”: questo renderà l’elaborazione delle tue tracce più efficace e creerà un senso di unità. Ad esempio, giocando con l’elaborazione degli effetti di tutte le tue tracce vocali insieme per renderle bilanciate nel mix.
6.) Livello-abbinare le tracce: Bilanciare i livelli per tutte le tracce. Prendetevi il tempo per aumentare o diminuire i livelli di ogni traccia nel vostro mix per tutta la canzone per aggiungere eccitazione, calma e qualsiasi altra emozione in cui si desidera.
7.) Usa stereo a tuo vantaggio con panning: C’è un motivo per cui stereo mix ha superato mono decenni fa. È possibile scorrere le tracce ai canali sinistro o destro nel mix per ottenere l’effetto desiderato per l’ascoltatore. Panning una chitarra ritmica da un lato e il piombo dall’altro rende una canzone più interessante e dà un senso di spazio nel mix. Dà anche l’impressione che una band completa stia suonando insieme in una stanza anche se non lo è.
8.) Elaborare le tracce con i seguenti effetti:
Equalizzatore (EQ), che è il bilanciamento delle frequenze su una traccia specifica. Passare attraverso ogni singola traccia e EQ a proprio piacimento.
Compressione, che aumenta o abbassa la gamma dinamica di una traccia. Il tuo obiettivo è ottenere un mix uniforme in cui nulla si perde o è rumoroso. Basta non anche tutto al punto in cui è tutto forte, o la traccia diventerà un’altra vittima della guerra loudness.
Riverbero, che è il riflesso delle onde sonore. Hai già controllato un po ‘ di riverbero quando hai fatto il trattamento acustico al tuo studio di casa. Se hai completamente appiattito la risposta in frequenza, puoi rimettere artificialmente il riverbero nel tuo mix nella tua DAW. E se vi è capitato sulla quantità desiderata di riverbero naturale attraverso un perfetto posizionamento di trattamento acustico e diffusori nel vostro studio di casa, poi complimenti, il gioco è fatto con effetti!
9.) Condividi il tuo processo con altri collaboratori: Se sei in una band o stai lavorando con collaboratori, è probabile che questo processo sia più democrazia che dittatura. Anche se sei nominato responsabile dell’ingegneria, condividi i file mentre li mescoli con i tuoi collaboratori tramite Notetracks.
Finisci la registrazione con il mastering
Dopo aver tracciato la tua canzone e mixato tutte le tracce insieme nel mixdown finale, la tua canzone è finita al 99%. Ma c’è ancora un altro passo da completare prima che la registrazione sia pronta per il rilascio:
È necessario padroneggiare la registrazione.
Il mastering musicale è la fase finale del processo di registrazione. Durante il mastering, ulteriori trattamenti audio vengono applicati al mix per correggere le frequenze problematiche e migliorare la musicalità della traccia.
Come faccio a padroneggiare la mia musica?
Ci sono alcuni modi per padroneggiare la tua canzone:
- È possibile assumere un ingegnere mastering. Questi sono specialisti che ascoltano il mix finale e regolano il volume complessivo. Se necessario, aggiungono anche effetti di post-produzione o compressione aggiuntiva. Mastering ingegneri di solito pagare circa 5 50 a $100 per ritocchi minori, e $150 o più per canzone per il trattamento di servizio completo.
- È possibile utilizzare CloudBounce, un programma di mastering automatico che funziona direttamente nel tuo account CD Baby! CloudBounce utilizza un algoritmo controllato dalle impostazioni selezionate per regolare i livelli del mixdown e creare un master finale. Mastering con CloudBounce costa solo 9 9.90 per canzone. Anche se non è così esatto come una vera e propria messa a punto umana ogni piccolo dettaglio della traccia, è un diavolo di molto più economico e più veloce. Se hai già capito il tuo mixdown da solo e hai solo bisogno di un po ‘ di corrispondenza di livello prima di distribuire la tua canzone, CloudBounce è la strada da percorrere.
Rilascia la tua musica
Ora che il tuo mixdown è diventato il tuo master finale, la tua canzone è pronta per il rilascio. Congratulazioni! È tempo di presentare la tua canzone al mondo.
CD Baby distribuisce musica a più di 150 piattaforme digitali e monetizza la tua musica sui social media e sulle piattaforme video in modo da essere pagato ovunque la tua musica venga riprodotta.
REGISTRATI ORA