como orquestrar Música
como orquestrar música? A orquestra é o conjunto final. Musicalmente, pode fazer quase tudo-e é capaz de expressar todas as emoções imagináveis. Mas se você é um orquestrador de música inexperiente, ou você está acostumado a escrever para instrumentos virtuais, como você faz uma orquestra da vida real soar bem? Neste blog, apresentamos algumas das dicas de orquestração musical mais úteis.
mas antes de chegarmos às técnicas, vamos começar com uma questão importante:
Qual é a diferença entre organizar e orquestrar?
arranjo de música leva a composição original, em seguida, Adapta-se e desenvolve-lo. Pode ser dado diferentes instrumentos ou vozes, re-harmonização, adições, modulações e parafraseando.Com a orquestração musical, a substância musical permanece essencialmente inalterada, mas as linhas melódicas recebem vozes diferentes. Parece simples?
na verdade, uma das principais dificuldades com a orquestração também é uma de suas maiores vantagens: você está escrevendo para músicos reais tocando instrumentos reais, e eles têm limitações. Mais sobre isso mais tarde, porque a definição acima também traz a próxima pergunta.
Quando Usar A Orquestração?
você pode querer poder orquestral por trás de uma faixa vocal, ou usá-lo para trazer uma trilha sonora de filme ou anúncio de TV para a vida. O que quer que você esteja orquestrando, porque a substância musical não muda, tente ter a peça inteira no lugar antes de começar. Isso torna o processo muito mais fácil.
em suma, a música bem composta sempre se traduzirá melhor para a orquestra. Vale a pena tomar o tempo para se certificar de que você está feliz com as notas antes de começar a decidir quais instrumentos devem tocá-los.
Quais Instrumentos? Há muita escolha quando se trata de instrumentos, e encontrar a voz certa para cada linha pode ser assustador. Antes de começar, vale a pena saber como a orquestra é apresentada:
O tamanho da orquestra, é até você, e depende em grande parte de seu original idéia musical. Uma trilha sonora cinematográfica pode precisar do poder sobrecarregado de uma orquestra sinfônica em tamanho real. Uma faixa vocal pode precisar do som mais íntimo de uma orquestra de câmara menor.
como regra geral, quando se trata do peso e da força orquestrais, o latão e a percussão são os mais fortes, seguidos pelas cordas e depois pelo sopro. No entanto, se você é novo na orquestração, há apenas uma maneira infalível de avaliar o poder e o som de cada família instrumental: ouvi-los.
equilíbrio, mistura e Instrumentação
como orquestrador, encontrar equilíbrio e mistura é a parte mais importante do trabalho. Afinal, você está buscando cores orquestrais ricas. Você não quer instrumentos competindo uns contra os outros, ou afogando a linha vocal em uma lavagem enlameada de som.
para se certificar de que cada linha é claramente ouvida, aqui estão algumas coisas a ter em mente:
Qual é a relação vertical entre as partes? A linha superior da textura é mais fácil de ouvir, a linha de baixo a próxima mais fácil. As vozes mais difíceis de ouvir são as do meio.
quantos instrumentos estão tocando a linha? Quanto mais jogadores, mais poderosa é a linha. No entanto, tenha cuidado como você usa isso. Em primeiro lugar, a intensidade total constante soará tediosa e, em segundo lugar, mais potência é igual a menos mistura. Instrumentos de grupo por cor de Tom, não registrar. Por exemplo, um trompete pode tocar no mesmo registro de uma Flauta piccolo, mas isso não significa que eles soarão bem juntos.
qual registro eles estão jogando? Há uma enorme diferença entre instrumentos virtuais e da vida real. Um instrumento gerado pelo teclado tem praticamente a mesma cor tonal e peso dinâmico, independentemente do registro. O instrumento real, tocado por um músico de sessão, soará totalmente diferente dependendo se está nos registros baixo, médio ou alto.
quanto espaço entre as peças? Quanto mais distantes as vozes instrumentais, mais fácil é discernir uma da outra.
quanto movimento existe? Quanto mais uma parte se move, mais ela se destaca. Faça com que ele se mova menos e se misture ao fundo.
E aqui estão algumas dicas úteis sobre como usar diferentes instrumentos:
Seqüências de caracteres
Para registrar a melodia, 1º violinos são geralmente uma boa escolha – e com dois violinos, que se colocaram à sua disposição, você pode usar o 2º violinos para countermelody e de ressonância harmônica. Para densidade extra, tente dobrar a melodia do violino com os sopros de uma oitava abaixo.
as violas – e às vezes os 2º violinos – são frequentemente vistas como a “sala de máquinas” da Orquestra, proporcionando forte movimento para a frente com notas e ritmos repetidos. Eles funcionam bem sob os vocais, mas também podem adicionar uma riqueza exuberante à linha da melodia. Dobre a viola com o fagote em seu registro de tenor para uma cor de tom incrivelmente sonora e penetrante.
dobrando o violoncelo com o contrabaixo com dar a sua linha de baixo mais impacto. Mas lembre-se, ambos os instrumentos são capazes de mais do que apenas linhas de baixo. Misture um pouco as coisas cruzando vozes-dê às violas a linha do baixo e coloque a melodia nos violoncelos. Seu baixista duplo também agradecerá pela melodia ocasional.
uma seção de string não é um teclado. Eles podem fornecer notas longas e sustentadas-e em um papel harmônico de suporte, eles podem adicionar uma suavidade única. Procure as notas compartilhadas entre os acordes e segure-as o máximo possível. Se você quiser mais ritmo, pode usar a mesma ideia, mas com notas repetidas.
para acordes de cordas, você nem sempre precisa marcá-los de baixo para cima. Dê ao acorde espaço movendo a terceira uma oitava mais alta e marcando-a para os primeiros violinos.
usar cordas pizzicato (arrancadas) é uma ótima maneira de adicionar textura. Para uma ressonância exuberante, marque – os em uma dinâmica silenciosa, combinada com um sopro legato ou melodia vocal. Uma dinâmica pizzicato mais alta produzirá um som percussivo mais agressivo.
para informações detalhadas, confira nossa postagem dedicada no blog focada apenas em como organizar strings.
Woodwind
com woodwind, você tem uma paleta flexível de cores de tom à sua disposição, por isso vale a pena reservar um tempo para conhecer as características individuais de cada instrumento.
Rimsky Korsakov, que sabia uma coisa ou duas sobre orquestração, descreveu-os como esta:
- Flauta — Frio em qualidade, especialmente adequados, a principal chave para melodias de luz e gracioso personagem; na menor, para pequenos toques de transiente de tristeza.
- Oboé-sem Arte e gay no maior, patético e triste no menor.Clarinete-flexível e expressivo, adequado, no maior, a melodias de caráter alegre ou contemplativo, ou a explosões de alegria; no menor, a melodias tristes e reflexivas ou passagens apaixonadas e dramáticas.
- Fagote – no major, uma atmosfera de zombaria senil; uma qualidade triste e doente no menor.
como seção, o sopro tem grandes possibilidades de legato sustentadas. Mas eles também são atleticamente hábeis em corridas rápidas e florescem. Para melodias que podem usá-las em oitavas entre si, distribua a linha em quintos, sextos ou terços entre os instrumentos ou com outras seções.
Sopros e cordas ressoam bem juntos. Agrupar sopros individuais com cordas é uma maneira útil de mudar o humor e o timbre sem alterar a harmonia ou a melodia.
latão
a coisa mais importante a saber sobre a seção de latão é que ela é muito poderosa. Portanto, tenha cuidado como você organiza a seção de Metais, caso contrário, ela pode dominar todo o resto da Orquestra – especialmente em registros mais altos.Trombetas, trombones e tubas têm quantidades aproximadamente iguais de poder – com o som se tornando mais brilhante à medida que sobem o registro. Tenha em mente que os chifres franceses têm cerca de metade da força ao jogar forte.
o latão é geralmente menos flexível do que o sopro, mas é ótimo para tocar ondas dramáticas de pianíssimo a fortissimo e vice-versa. Woodwind e brass together são uma combinação comum na orquestração – e os ventos podem vir em seu socorro se você estiver preocupado com o domínio excessivo dos brass. O latão mais afiado sempre cortará, mas os ventos fornecem um travesseiro macio, tornando o som mais doce.
Silenciadores De Latão e notas paradas na buzina são uma maneira útil de adicionar uma variedade maior de tons. O latão silenciado cria um som nasal mais nervoso nos registros inferiores.
Percussão
os instrumentos de percussão fornecem uma enorme variedade de timbres. Metal, pele ou madeira, alguns inclinados, outros desactivados – eles são uma das maneiras mais eficazes para adicionar emoção e atmosfera. Mas você precisa usá-los com sabedoria.
pense neles como tempero-acentos em momentos-chave. Não se sinta tentado a usar a percussão como uma seção de ritmo de condução. Uniformiza demais as coisas e achata a textura. Um laço, tímpano ou címbalo crescendo no final de uma frase musical é muito mais dramático do que um padrão hi-hat por trás de absolutamente tudo.
Algumas Notas sobre as Limitações
Como mencionamos no início deste blog, um dos momentos mais emocionantes no processo de orquestração é quando você ouve é tocada por uma orquestra ao vivo. Sua ideia musical se transformou em uma realidade viva e respiratória – com cor, ressonância e profundidade quase inimaginável.
o problema é que está sendo jogado por seres humanos reais. Os jogadores de sopro precisam respirar entre frases, o latão não pode tocar notas sustentadas silenciosas em seus registros superiores, nenhum Tocador de cordas na terra pode tocar pizzicato a 160 bpm. Além do mais, a menos que você tenha cuidado com os intervalos práticos de cada instrumento, você pode ter um motim em suas mãos quando chegar ao estúdio de gravação.A melhor maneira de evitar isso é aprender o máximo que puder sobre as possibilidades práticas de cada instrumento orquestral. Aprenda seus intervalos de jogo, como cada instrumento soa em registros diferentes, do que eles são capazes tecnicamente, seu timbre orquestral quando misturado com outros instrumentos. E em caso de dúvida, pergunte. Os músicos estão sempre felizes em responder à pergunta
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