음악을 오케스트레이션하는 방법
음악을 오케스트레이션하는 방법? 오케스트라는 궁극적 인 앙상블입니다. 음악적으로 거의 모든 것을 할 수 있으며 상상할 수있는 모든 감정을 표현할 수 있습니다. 당신이 미숙 한 음악 오케스트레이터있어,또는 당신이 가상 악기를 위해 작성하는 데 사용하는 경우에,당신은 어떻게 실제 오케스트라가 좋은 소리를해야합니까? 이 블로그에서,우리는 가장 유용한 음악 오케스트레이션 팁 중 일부를 설정했습니다.
그러나 우리가 기술에 도착하기 전에,중요한 질문으로 시작하자:
배열과 오케스트레이션의 차이점은 무엇입니까?
음악 편곡은 원래의 구성을 취하고 그것을 적응시키고 발전시킨다. 다른 악기 나 목소리,재 조화,추가,변조 및 의역이 주어질 수 있습니다.
음악 오케스트레이션을 통해 음악적 본질은 본질적으로 변하지 않지만 멜로디 라인에는 다른 목소리가 부여됩니다. 간단한 소리?
실제로 오케스트레이션의 주요 어려움 중 하나는 가장 큰 장점 중 하나입니다: 실제 악기를 연주하는 실제 음악가를 위해 글을 쓰고 있으며 한계가 있습니다. 위의 정의는 또한 다음 질문을 제기하기 때문에 나중에 이것에 대해 더 자세히 설명합니다.
오케스트레이션을 언제 사용하나요?
당신은 보컬 트랙 뒤에 오케스트라 파워를 할 수 있습니다,또는 생활에 영화 사운드 트랙이나 텔레비젼 광고를 가지고 그것을 사용할 수 있습니다. 음악 물질이 변경되지 않기 때문에 당신이 조율하고 무엇이든간에,당신이 시작하기 전에 장소에 전체 조각을 가지고보십시오. 이 과정을 훨씬 쉽게 만듭니다.
요컨대,잘 구성된 음악은 항상 오케스트라에 더 잘 번역됩니다. 그것은 당신이 악기를 연주해야하는 결정을 시작하기 전에 당신이 노트에 만족 있는지 확인하기 위해 시간을내어 가치가있다.
어떤 악기?
이 악기에 올 때 선택의 여지가 많이있다,각 라인에 맞는 음성을 찾는 것은 위협이 될 수 있습니다. 시작하기 전에 오케스트라가 어떻게 배치되는지 아는 것이 좋습니다:
오케스트라의 크기는 당신에게 달려 있으며,주로 원래의 음악적 아이디어에 달려 있습니다. 영화 영화 점수는 풀 사이즈 심포니 오케스트라의 슈퍼 파워가 필요할 수 있습니다. 보컬 트랙은 작은 챔버 오케스트라의 더 친밀한 사운드가 필요할 수 있습니다.
일반적으로 관현악의 무게와 힘에 관해서는 황동과 타악기가 가장 강하고 현과 목관 악기가 뒤 따른다. 그러나 오케스트레이션을 처음 사용하는 경우 각 악기 가족의 힘과 소리를 측정하는 확실한 방법은 하나뿐입니다.
밸런스,블렌드 및 계측
오케스트레이터로서 밸런스 및 블렌드를 찾는 것이 작업의 가장 중요한 부분입니다. 결국,당신은 풍부한 오케스트라 색상을 목표로하고 있습니다. 당신은 악기가 서로 경쟁,또는 소리의 진흙 세척에 보컬 라인을 익사 싶지 않아요.
각 라인이 명확하게 들리는지 확인하기 위해,여기에 명심해야 할 몇 가지 사항이 있습니다:
부품 간의 수직 관계는 무엇입니까? 질감의 상단 라인은 다음 쉬운베이스 라인을 듣고 가장 쉽습니다. 가장 듣기 어려운 목소리는 중간에있는 목소리입니다.
얼마나 많은 악기 라인을 연주? 더 많은 선수,더 강력한 라인. 그런데,너가 이것을 이용하는 까 라고 주의깊 있으십시요. 첫째,일정 전체에 강도는 지루한 소리 둘째,더 많은 전력이 적은 조화를 같습니다. 톤 색상으로 그룹 악기,등록하지. 예를 들어,트럼펫은 피콜로 플루트와 같은 레지스터에서 연주 할 수 있지만,그들이 함께 좋은 소리거야 의미하지 않는다.
그들은 어떤 레지스터를 재생? 가상 악기와 실제 악기 사이에는 큰 차이가 있습니다. 키보드 생성 악기에 관계없이 레지스터의 거의 같은 색조 색상과 동적 무게를 가지고있다. 세션 음악가에 의해 연주 실제 악기,그것은 낮은 중간 또는 높은 레지스터에 있는지 여부에 따라 완전히 다른 소리 것입니다.
부품 사이의 공간은 얼마입니까? 악기의 목소리가 더 떨어져있을수록 한 목소리를 다른 음과 쉽게 식별 할 수 있습니다.
얼마나 많은 움직임이 있습니까? 더 많은 부분이 이동,더는 튀어 나와. 덜 이동 하 고 배경으로 혼합 됩니다.
그리고 여기에 다른 악기를 사용하는 방법에 대한 몇 가지 유용한 팁입니다:
문자열
높은 레지스터 멜로디의 경우,1 바이올린은 일반적으로 좋은 선택이다-귀하의 처분에 두 개의 바이올린 섹션,당신은 반 멜로디와 고조파 공명에 대한 두 번째 바이올린을 사용할 수 있습니다. 여분의 밀도를 들어,옥타브 낮은 목관 악기와 바이올린 멜로디를 두 배로 시도합니다.
비올라(때로는 두 번째 바이올린)는 종종 오케스트라의”엔진 룸”으로 간주되어 반복되는 음표와 리듬으로 강력한 전진 운동을 제공합니다. 그들은 보컬에서 잘 작동하지만,그들은 또한 멜로디 라인에 무성한 풍요 로움을 추가 할 수 있습니다. 엄청나게 울려 퍼지고 관통하는 톤 컬러를 위해 테너 레지스터에 바순과 함께 비올라를 두 배로 늘리십시오.
더블베이스와 첼로를 두 배로 당신의베이스 라인에 더 많은 영향을 줄. 하지만 기억,두 악기는 단지 베이스 라인 보다 더 할 수 있다. 바이올라에게베이스 라인을주고 첼로에 멜로디를 넣어–목소리를 교차하여 조금 물건을 섞는다. 당신의 더블 베이시스트도 가끔 멜로디 주셔서 감사합니다.
문자열 섹션은 키보드가 아닙니다. 그들은 긴 제공 할 수 있습니다,지속 노트–및 지원 고조파 역할에 그들은 독특한 부드러움을 추가 할 수 있습니다. 화음 사이의 공유 노트를 찾아 가능한 한 많이 통해 그들을 잡아. 당신이 더 많은 리듬을 원하는 경우에 당신은 같은 생각을 사용할 수 있지만,반복 노트.
현악기의 경우 항상 아래에서 위로 점수를 매길 필요는 없습니다. 세 번째 높은 옥타브를 이동하고 1 바이올린을 위해 그것을 득점하여 코드 공간을 제공합니다.
피치카토(뽑아 낸)문자열을 사용하면 질감을 추가 할 수있는 좋은 방법입니다. 무성한 공명을 위해 레가토 목 관악기 또는 보컬 멜로디와 함께 조용한 역동적으로 점수를 매기십시오. 더 큰 피치카토 다이나믹은 더 적극적으로 타악기 사운드를 생성합니다.
심층적 인 정보는 문자열을 정렬하는 방법에만 초점을 맞춘 전용 블로그 게시물을 확인하십시오.
목관
목관 악기로,당신은 당신의 처리에 톤 색상의 유연한 팔레트를 가지고,그래서 각 악기의 개별 특성을 알 수있는 시간을내어 가치가있다.
오케스트레이션에 대해 한 두 가지를 알고 있던 림스키 코르사코프는 이렇게 묘사했다.:
- 플루트-차가운 품질,특별히 적합,주요 키,빛과 우아한 캐릭터의 멜로디;마이너 키,일시적인 슬픔의 약간의 터치에.
- 오보에-소령의 예술적이고 게이,미성년자의 한심하고 슬픈.
- 클라리넷-유연 하 고 표현,적합,메이저,즐거운 또는 명상 캐릭터의 멜로디,또는 환희의 폭발;미성년자에서 슬프고 반사 멜로디 또는 열정적이 고 극적인 구절.
- 바순-메이저에서 노인성 조롱의 분위기;미성년자의 슬프고 병든 품질.
섹션으로,목관 악기는 큰 지속 레가토 가능성을 가지고있다. 그러나 그들은 또한 빠른 달리기와 번영에 강건하게 능숙합니다. 서로 옥타브로 사용할 수있는 멜로디의 경우 악기 사이 또는 다른 섹션과 함께 5 분의 1,6 분의 1 또는 3 분의 1 의 선을 배포하십시오.
목관악기 및 현은 함께 잘 울려 퍼집니다. 문자열 개별 목관 악기를 그룹화하는 것은 조화 나 멜로디를 변경하지 않고 기분과 음색을 변경하는 유용한 방법입니다.
황동
황동 부분에 대해 알아야 할 가장 중요한 것은 매우 강력하다는 것입니다. 특히 높은 레지스터–그래서 그렇지 않으면,그것은 오케스트라에서 다른 모든 것을 지배 할 수있다,당신은 황동 섹션을 정렬하는 방법에주의하십시오.
트럼펫,트롬본 및 튜바는 거의 같은 양의 힘을 가지고 있으며,소리가 레지스터 위로 올라감에 따라 더욱 빛납니다. 포르테를 연주 할 때 프랑스어 뿔 약 절반 강도를 가지고 명심.
황동은 일반적으로 목관 악기보다 유연성이 낮지 만 피아니시모에서 포티시모까지 그리고 다시 극적인 팽창을 연주하기에 좋습니다. 목관 악기와 황동 함께 오케스트레이션의 일반적인 조합–그리고 당신은 황동 이상 지배에 대해 걱정하는 경우 바람이 당신의 구조에 올 수 있습니다. 선명 황동 항상 통해 잘라 것입니다,하지만 바람은 부드러운 베개를 제공,소리를 단맛 만들기.
황동 뮤트,그리고 경적에 메모를 중지,톤의보다 다양한 추가하는 유용한 방법입니다. 음소거 황동 낮은 레지스터에 더 초초,코 소리를 만듭니다.
타악기
타악기 음색의 거대한 범위를 제공합니다. 금속,피부 또는 나무,일부는 투구,다른 일부는 피치되지 않은-그들은 흥분과 분위기를 추가하는 가장 효과적인 방법 중 하나입니다. 그러나 당신은 그들을 현명하게 사용할 필요가 있습니다.
중요한 순간에 조미료 악센트처럼 생각하십시오. 운전 리듬 섹션으로 타악기를 사용하는 유혹하지 마십시오. 그것은 너무 많은 것을 고르게하고 질감을 평평하게합니다. 음악 문구의 끝에 올무,팀파니 또는 심벌즈 크레센도는 절대적으로 모든 뒤에 하이햇 패턴보다 훨씬 더 극적이다.
제한 사항에 대한 몇 가지 참고 사항
이 블로그의 시작 부분에서 언급했듯이 오케스트레이션 과정에서 가장 흥미로운 순간 중 하나는 라이브 오케스트라가 연주하는 것을 듣는 것입니다. 당신의 음악적 아이디어는 색상,공명 및 거의 상상할 수없는 깊이로 살아 숨쉬는 현실로 변모했습니다.
문제는 실제 인간에 의해 연주되고 있다는 것입니다. 목관 악기 플레이어는 문구 사이에 숨을 쉴 필요가,황동은 상위 레지스터에 조용한 지속 음을 재생할 수 없습니다,지구에 어떤 문자열 플레이어는 오후 160 시 피치카토를 재생할 수 없습니다. 당신이 녹음 스튜디오에 도착하면 각 악기의 실제 연주 범위에 대한주의하지 않는 한 무엇보다,당신은 당신의 손에 반란이있을 수 있습니다.
이것을 피하는 가장 좋은 방법은 각 오케스트라 악기의 실용적인 가능성에 대해 최대한 많이 배우는 것입니다. 자신의 연주 범위를 알아보기,각 악기는 다른 레지스터에서 소리 방법,그들은 기술적으로 할 수있어 무엇을,자신의 오케스트라 음색은 다른 악기와 혼합 할 때. 그리고 의심 스럽다면 물어보십시오. 음악가는 항상 질문에 대답 행복
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