Comment orchestrer la musique
Comment orchestrer la musique? L’orchestre est l’ensemble ultime. Musicalement, il peut presque tout faire – et il est capable d’exprimer toutes les émotions imaginables. Mais si vous êtes un orchestrateur de musique inexpérimenté, ou si vous avez l’habitude d’écrire pour des instruments virtuels, comment faire en sorte qu’un orchestre réel sonne bien? Dans ce blog, nous avons présenté certains des conseils d’orchestration musicale les plus utiles.
Mais avant d’en arriver aux techniques, commençons par une question importante:
Quelle est la différence Entre Arranger et Orchestrer ?
Arrangement musical reprend la composition originale puis l’adapte et la développe. On peut lui donner différents instruments ou voix, des ré-harmonisations, des ajouts, des modulations et des paraphrases.
Avec l’orchestration musicale, la substance musicale reste essentiellement inchangée, mais les lignes mélodiques reçoivent des voix différentes. Cela semble simple?
En fait, l’une des principales difficultés de l’orchestration est aussi l’un de ses plus grands avantages: vous écrivez pour de vrais musiciens jouant de vrais instruments, et ils ont des limites. Plus à ce sujet plus tard, car la définition ci-dessus soulève également la question suivante.
Quand Utiliser L’Orchestration?
Vous voudrez peut-être la puissance orchestrale derrière une piste vocale, ou l’utiliser pour donner vie à une bande originale de film ou à une publicité télévisée. Quoi que vous orchestriez, parce que la substance musicale ne change pas, essayez d’avoir toute la pièce en place avant de commencer. Cela rend le processus beaucoup plus facile.
Bref, une musique bien composée se traduira toujours mieux pour l’orchestre. Il vaut la peine de prendre le temps de vous assurer que vous êtes satisfait des notes avant de commencer à décider quels instruments doivent les jouer.
Quels instruments ?
Il y a beaucoup de choix en matière d’instruments, et trouver la bonne voix pour chaque ligne peut être intimidant. Avant de commencer, il vaut la peine de savoir comment l’orchestre est aménagé:
La taille de l’orchestre dépend de vous et dépend en grande partie de votre idée musicale originale. Une partition de film cinématographique peut avoir besoin de la puissance suralimentée d’un orchestre symphonique grandeur nature. Une piste vocale peut avoir besoin du son plus intime d’un petit orchestre de chambre.
En règle générale, en ce qui concerne le poids et la force de l’orchestre, les cuivres et les percussions sont les plus forts, suivis des cordes, puis des bois. Cependant, si vous débutez dans l’orchestration, il n’y a qu’un seul moyen infaillible d’évaluer la puissance et le son de chaque famille instrumentale: écoutez-les.
Équilibre, mélange et instrumentation
En tant qu’orchestrateur, trouver l’équilibre et le mélange est la partie la plus importante du travail. Après tout, vous visez une couleur orchestrale riche. Vous ne voulez pas d’instruments en compétition les uns contre les autres, ou noyer la ligne vocale dans un lavage de son boueux.
Pour vous assurer que chaque ligne est clairement entendue, voici quelques éléments à garder à l’esprit:
Quelle est la relation verticale entre les parties? La ligne supérieure de la texture est la plus facile à entendre, la ligne de basse la plus facile à entendre. Les voix les plus difficiles à entendre sont celles du milieu.
Combien d’instruments jouent la ligne? Plus il y a de joueurs, plus la ligne est puissante. Cependant, faites attention à la façon dont vous l’utilisez. Premièrement, une intensité constante à pleine intensité semblera fastidieuse et deuxièmement, plus de puissance équivaut à moins de mélange. Regroupez les instruments par couleur de tonalité, pas par registre. Par exemple, une trompette peut jouer dans le même registre qu’une flûte piccolo, mais cela ne signifie pas qu’ils sonneront bien ensemble.
Dans quel registre jouent-ils ? Il y a une énorme différence entre les instruments virtuels et réels. Un instrument généré par clavier a à peu près la même couleur tonale et le même poids dynamique, quel que soit le registre. L’instrument réel, joué par un musicien de session, sonnera entièrement différent selon que ce soit dans les registres graves, moyens ou aigus.
Combien d’espace entre les pièces? Plus les voix instrumentales sont éloignées, plus il est facile de discerner l’une de l’autre.
Combien y a-t-il de mouvement? Plus une pièce bouge, plus elle dépasse. Faites-le bouger moins et il se fondra dans l’arrière-plan.
Et voici quelques conseils utiles sur l’utilisation des différents instruments:
Cordes
Pour une mélodie à registre aigu, les 1ers violons sont généralement un bon choix – et avec deux sections de violon à votre disposition, vous pouvez utiliser les 2ème violons pour la contre-mélodie et la résonance harmonique. Pour plus de densité, essayez de doubler la mélodie du violon avec des vents d’une octave plus bas.
Les altos – et parfois les 2e violons – sont souvent considérés comme la « salle des machines » de l’orchestre, offrant un fort mouvement vers l’avant avec des notes et des rythmes répétés. Ils fonctionnent bien sous les voix, mais ils peuvent également ajouter une richesse luxuriante à la ligne mélodique. Doublez l’alto avec le basson dans son registre ténor pour une couleur de ton incroyablement sonore et pénétrante.
Doubler le violoncelle avec la contrebasse avec donner plus d’impact à votre ligne de basse. Mais rappelez-vous, les deux instruments sont capables de plus que de simples lignes de basse. Mélangez un peu les choses en croisant les voix – donnez aux altos la ligne de basse et mettez la mélodie dans les violoncelles. Votre contrebassiste vous remerciera également pour la mélodie occasionnelle.
Une section de chaîne n’est pas un clavier. Ils peuvent délivrer des notes longues et soutenues – et dans un rôle harmonique de soutien, ils peuvent ajouter une douceur unique. Recherchez les notes partagées entre les accords et maintenez-les autant que possible. Si vous voulez plus de rythme, vous pouvez utiliser la même idée, mais avec des notes répétées.
Pour les accords de cordes, vous n’avez pas toujours besoin de les marquer de bas en haut. Donnez de l’espace à l’accord en déplaçant la tierce d’une octave plus haut et en la marquant pour les 1ers violons.
Utiliser des cordes de pizzicato (pincées) est un excellent moyen d’ajouter de la texture. Pour une résonance luxuriante, marquez-les sur une dynamique calme, combinée à un vent de bois legato ou à une mélodie vocale. Une dynamique de pizzicato plus forte produira un son de percussion plus agressif.
Pour des informations détaillées, consultez notre article de blog dédié uniquement sur la façon d’organiser les cordes.
Vent en bois
Avec le vent en bois, vous disposez d’une palette flexible de couleurs de tons, il vaut donc la peine de prendre le temps de connaître les caractéristiques individuelles de chaque instrument.
Rimsky Korsakov, qui connaissait une chose ou deux sur l’orchestration, les a décrits comme ceci:
- Flûte – De qualité froide, particulièrement adaptée, dans la tonalité majeure, à des mélodies de caractère léger et gracieux; dans la tonalité mineure, à de légères touches de tristesse passagère.
- Hautbois – Sans art et gai en la majeur, pathétique et triste en la mineur.
- Clarinette – Souple et expressive, convenant, en la majeur, à des mélodies de caractère joyeux ou contemplatif, ou à des explosions de joie; en la mineur, à des mélodies tristes et réfléchies ou à des passages passionnés et dramatiques.
- Basson – En la majeur, une atmosphère de moquerie sénile; une qualité triste et malade en la mineur.
En coupe, les bois ont de grandes possibilités de legato soutenues. Mais ils sont également athlétiques pour les courses rapides et les fioritures. Pour les mélodies qui peuvent les utiliser en octaves les unes avec les autres, répartissez la ligne en quintes, sixtes ou tierces entre les instruments ou avec d’autres sections.
Les bois et les cordes résonnent bien ensemble. Le regroupement de bois individuels avec des cordes est un moyen utile de changer l’humeur et le timbre sans altérer l’harmonie ou la mélodie.
Laiton
La chose la plus importante à savoir sur la section en laiton est qu’elle est très puissante. Faites donc attention à la façon dont vous organisez la section de cuivres, sinon, elle peut dominer tout le reste de l’orchestre – en particulier dans les registres supérieurs.
Trompettes, trombones et tubas ont une puissance à peu près égale – le son devenant plus brillant à mesure qu’ils montent dans le registre. Gardez à l’esprit que les cornes françaises ont environ la moitié de la force lors de la lecture de forte.
Les cuivres sont généralement moins flexibles que les bois, mais ils sont parfaits pour jouer des houles dramatiques du pianissimo au fortissimo et inversement. Les bois et les cuivres ensemble sont une combinaison courante dans l’orchestration – et les vents peuvent venir à votre secours si vous craignez une domination excessive des cuivres. Le laiton plus net coupera toujours, mais les vents fournissent un oreiller doux, rendant le son plus doux.
Les sourdines en laiton et les notes arrêtées sur le cor sont un moyen utile d’ajouter une plus grande variété de tons. Le laiton sourd crée un son nasal plus énervé dans les registres inférieurs.
Percussion
Les instruments à percussion offrent une vaste gamme de timbres. Le métal, la peau ou le bois, certains en pente, d’autres non réglés, sont l’un des moyens les plus efficaces d’ajouter de l’excitation et de l’atmosphère. Mais vous devez les utiliser à bon escient.
Considérez-les comme des accents d’assaisonnement à des moments clés. Ne soyez pas tenté d’utiliser la percussion comme section rythmique motrice. Il unifie trop les choses et aplatit la texture. Un crescendo de caisse claire, de timbales ou de cymbales à la fin d’une phrase musicale est beaucoup plus dramatique qu’un motif de hi-hat derrière absolument tout.
Quelques notes sur les limitations
Comme nous l’avons mentionné au début de ce blog, l’un des moments les plus excitants du processus d’orchestration est lorsque vous l’entendez joué par un orchestre en direct. Votre idée musicale s’est transformée en une réalité vivante et respirante – avec des couleurs, une résonance et une profondeur presque inimaginable.
Le problème est qu’il est joué par de vrais êtres humains. Les joueurs de bois ont besoin de respirer entre les phrases, les cuivres ne peuvent pas jouer de notes calmes et soutenues dans leurs registres supérieurs, aucun joueur de cordes sur terre ne peut jouer du pizzicato à 160 bpm. De plus, à moins que vous ne fassiez attention aux plages de jeu pratiques de chaque instrument, vous risquez d’avoir une mutinerie sur les mains lorsque vous arriverez au studio d’enregistrement.
La meilleure façon d’éviter cela est d’en apprendre le plus possible sur les possibilités pratiques de chaque instrument orchestral. Apprenez leurs gammes de jeu, comment chaque instrument sonne dans différents registres, ce dont ils sont capables techniquement, leur timbre orchestral lorsqu’il est mélangé avec d’autres instruments. Et en cas de doute, demandez. Les musiciens sont toujours heureux de répondre à la question
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