Artiste, Cinéaste & Écrivain
La répétition est une partie essentielle et intégrante de toute production cinématographique. Personnellement, j’aime me donner le plus de temps possible pour travailler avec les acteurs afin qu’une fois en production, je puisse me concentrer sur le tournage du film. Voici la liste des techniques de répétition que vous pourriez trouver utiles.
- Restez libre.
- C’est le moment d’avoir des idées et de les essayer. Même si vous ne les essayez pas tous, continuez à travailler sur les idées.
- Ce que le personnage veut pour tout le film.
- Lorsque vous regardez / analysez le personnage, portez une attention particulière à ce qui semble être le plus important qui lui soit arrivé.
- Concentrez-vous sur la relation entre les personnages, pas sur la mise en scène.
- Remplacez les adjectifs par des verbes d’action, des images, des faits, des événements et de la vie physique.
- Sachez de quoi parle le film.
- Sachez qui sont les personnages et essayez de sauvegarder vos idées avec des preuves.
- Ayez des alternatives au cas où vos idées préférées ne fonctionneraient pas.
- Continuez à relire et à repenser le script, et approfondissez vos idées.
- Les directions auxquelles je pense que la plupart des acteurs répondent le mieux sont celles qui montrent une perspicacité.
- Le but de la répétition est de stimuler les émotions et le côté créatif de l’acteur afin que sur le plateau les acteurs puissent bien travailler.
- Peu importe que vous ayez une demi-heure pour répéter, définir un calendrier et planifier les tâches.
- Décidez des scènes que vous allez répéter. Localisez des scènes continues qui peuvent compter les unes sur les autres.
PLANIFIER LA RÉPÉTITION
Présenter les gens.
- Dites aux acteurs comment vous travaillez.
- Assurez-vous que les acteurs s’écoutent et travaillent honnêtement.
- Présenter le groupe d’acteurs à travailler ensemble.
- Laissez tout le monde parler du personnage de l’autre.
- En tant que réalisateur, posez des questions pendant que les acteurs parlent.
- Analysez les scènes avec les acteurs.
LES OBJECTIFS DE LA RÉPÉTITION
- Assurez-vous que les acteurs sont à l’écoute et travaillent honnêtement, utilisez-vous et trouvez un lien authentique avec le matériel.
- Étudiez le texte: explorez les questions, les problèmes et les significations possibles des lignes individuelles et résolvez la structure de la scène.
- Bloquez la scène et trouvez la vie physique.
- Établissez la relation acteur-réalisateur, mettez en place votre système de communication, écoutez et essayez les idées des acteurs et fumez leurs résistances.
- Avant chaque scène, il faut 5 minutes pour parler de la scène et demander aux acteurs s’ils ont des questions ou des idées. Prendre leurs préoccupations en considération. La plupart du temps, ce sont des idées à explorer en répétition.
- Toujours mettre en place le cadre et le but de la répétition (Il s’agit de se connecter avec les personnages et les relations ou d’obtenir ce qui est non-dit dans la scène, ou c’est de travailler sur des activités physiques).
- Discutez avec les acteurs de votre politique concernant la mise en scène.
- Si vous n’avez que quelques minutes pour répéter, assurez-vous que les acteurs s’écoutent. Cela inclut le contact visuel à moins qu’il n’y ait une raison de ne pas et d’ajouter une vie physique simple.
- Posez autant de questions que possible, c’est l’une des meilleures techniques de mise en scène.
L’Homme Au Verre d’Espionnage
- Nous voulons que les acteurs sentent qu’ils font la mise en scène parce que le réalisateur ne sait pas si l’idée fonctionne ou non jusqu’à ce que l’acteur l’essaie.
- Ne dites jamais aux acteurs comment et quoi ressentir. Utilisez des faits et des images, des événements, des verbes et des actions physiques pour communiquer avec les acteurs.
- Décidez de ce que le personnage veut et respectez-le, ne le changez pas.
- Ne vous attendez pas à ce que les acteurs utilisent tout leur investissement émotionnel en répétition. En répétition, nous recherchons un choix qui donne vie à la structure de la scène et suscite l’intérêt de l’acteur. Nous ne cherchons pas la performance, mais la route que prennent les acteurs pour créer la performance le jour du tournage
Lors de la répétition, l’acteur devrait expérimenter différentes façons d’arriver à ce dont il aura besoin sur le plateau. Essayez autant que vous le souhaitez à la répétition, et le plus important est d’établir la relation entre les acteurs.
Vous pouvez toujours demander aux acteurs comment ils aimeraient travailler. Une bonne mise en scène vient souvent indirectement. Si le réalisateur est trop excité par une idée, l’acteur ressentira probablement de la pression pour le faire correctement dès la première fois.
Ne laissez jamais les acteurs se diriger. Vous devez établir que vous êtes le directeur et que c’est vous seul qui donne la direction. Le directeur de la photographie peut, bien sûr, parler aux acteurs mais uniquement lorsqu’il a besoin que l’acteur se déplace dans une certaine direction, pas pour leur dire quoi faire dans une scène. Essayez d’improviser beaucoup la vie émotionnelle, les mots et le mouvement en répétition. Cette technique permet à l’acteur d’essayer de nombreuses idées avant de trouver la bonne, qui sera utilisée sur le plateau.
Vous, en tant que réalisateur, devez encore vous préparer à l’improvisation. Plus vous êtes prêt, plus vous sortirez de vos acteurs. John Cassavetes avait l’habitude d’écrire des scènes qu’il ne prévoyait pas de tourner et faisait improviser les acteurs autour de ces scènes.
Il est bon d’improviser ce qui aurait pu se passer avant le début de la scène. De cette façon, nous donnons l’impression que tout ce qui se passe dans notre scène est au milieu de quelque chose.
Anna & Esclavage moderne – plateau de tournage.
N’utilisez pas de fortes émotions au début de la scène, commencez par des événements moins dramatiques et accumulez-les. Utilisez une métaphore comme outil. Il est plus facile pour un acteur de se connecter aux événements de la scène. (J’utilise très souvent ma propre vie comme exemple de quelque chose qui se passe dans la scène)
Essayez de laisser les acteurs créer eux-mêmes le blocage. Quelque chose qui leur vient naturellement dans certaines situations. Quand un acteur est émotionnellement coincé dans la scène, c’est très souvent parce que l’action physique ne va pas avec le personnage ou la scène.
La violence et le sexe doivent toujours être chorégraphiés et marqués. Lorsque l’action physique est définie, la vie émotionnelle peut être investie dans la scène.
En tant que réalisateur, utilisez votre instinct pour travailler les scènes avec les acteurs. Si quelque chose ne va pas, arrêtez. Si c’est le cas, laissez-le courir.
Si les acteurs sont résistants dans certaines scènes, n’allez pas discuter de leur vie privée avec eux. Rassurez-les en leur disant que vous croyez en leur capacité à y parvenir. Mais en même temps, faites-leur savoir, s’ils ont besoin de votre aide, vous êtes là pour eux.
Un bon réalisateur travaille différemment avec chaque acteur. Lorsque vous développerez votre intuition, vous serez en mesure de dire si vous devez pousser quelqu’un ou le laisser tranquille. Chaque acteur travaille avec des outils différents, et vous devez trouver ce qui leur convient le mieux.
Il est impératif que vous appreniez à écouter. Si vous posez une question, écoutez la réponse que les acteurs vous donnent.
Le travail d’un acteur est de trouver un comportement honnête, pas de contrôler l’effet. Rassurez-les mais de manière réaliste. Les acteurs apprécieront cela.
Essayez de ne pas discuter avec un acteur. De cette façon, il / elle fermera ce qui ne vous aidera pas à diriger le film ou à obtenir autant que possible de l’acteur. Bien sûr, vous pouvez défier les acteurs et les confronter si ce qu’ils font ne semble pas être réel ou si ce n’est pas ce que vous vouliez.
Aimez vos acteurs. S’ils sentent que vous vous souciez, ils peuvent faire beaucoup pour vous.
OUTILS QUE VOUS POUVEZ UTILISER AVEC LES ACTEURS POUR TRAVAILLER SUR LE RÔLE 
Avant de commencer à improviser, vous devez décider de la scène. Vous pouvez toujours modifier votre choix avant la prise de vue de votre scène. Lorsque vous trouvez le bon choix, cela créera le bon comportement et l’action physique du personnage.
Posez des QUESTIONS sur le script et le personnage. Il est également essentiel de savoir ce que l’acteur pense du scénario. S’il ne l’aime pas, il ne sert à rien de travailler avec eux.
Si vous avez l’impression que la scène ne fonctionne pas, choisissez le /S OPPOSÉ(s) à ce qu’est la scène.
Le personnage a toujours besoin de quelque chose de l’autre personnage ou DOIT accomplir quelque chose dans la scène ou tout le film. Trouvez ce DONT votre personnage A BESOIN et respectez-le tout tout au long du film.
SPINE est qui est un personnage. Recherchez la vraie signification du personnage / de la personne.
Habituellement, chaque scène a un OBJECTIF particulier, qui doit être très simple et spécifique. Trouvez des objectifs jouables qui auront à la fois un élément physique et émotionnel.
Vous pouvez également être intéressé par
Cliquez ici pour lire la partie 2
Cliquez ici pour lire la partie 3