Cómo Orquestar Música
¿Cómo orquestar música? La orquesta es el mejor conjunto. Musicalmente, puede hacer casi cualquier cosa, y es capaz de expresar todas las emociones imaginables. Pero si eres un orquestador de música sin experiencia, o estás acostumbrado a escribir para instrumentos virtuales, ¿cómo haces que una orquesta de la vida real suene bien? En este blog, presentamos algunos de los consejos de orquestación musical más útiles.
Pero antes de llegar a las técnicas, comencemos con una pregunta importante:
¿Cuál es la Diferencia entre Organizar y Orquestar?
El arreglo musical toma la composición original y la adapta y desarrolla. Se le pueden dar diferentes instrumentos o voces, re-armonización, adiciones, modulaciones y paráfrasis.
Con la orquestación musical, la sustancia musical permanece esencialmente sin cambios, pero las líneas melódicas reciben voces diferentes. Suena simple?
En realidad, una de las principales dificultades con la orquestación es también una de sus mayores ventajas: escribes para músicos reales que tocan instrumentos reales, y tienen limitaciones. Más sobre esto más adelante, porque la definición anterior también plantea la siguiente pregunta.
¿Cuándo Usar Orquestación?
Es posible que desee poder orquestal detrás de una pista vocal, o usarlo para dar vida a una banda sonora de película o un anuncio de televisión. Sea lo que sea que estés orquestando, porque la sustancia musical no cambia, trata de tener toda la pieza en su lugar antes de comenzar. Hace que el proceso sea mucho más fácil.
En resumen, la música bien compuesta siempre se traducirá mejor a la orquesta. Vale la pena tomarse el tiempo para asegurarse de que está satisfecho con las notas antes de comenzar a decidir qué instrumentos deben tocarlas.
Qué Instrumentos?
Hay muchas opciones cuando se trata de instrumentos, y encontrar la voz adecuada para cada línea puede ser desalentador. Antes de empezar, vale la pena saber cómo está diseñada la orquesta:
El tamaño de la orquesta depende de usted y depende en gran medida de su idea musical original. Una partitura cinematográfica puede necesitar el poder sobrealimentado de una orquesta sinfónica de tamaño completo. Una pista vocal puede necesitar el sonido más íntimo de una orquesta de cámara más pequeña.
Como regla general, cuando se trata del peso y la fuerza orquestal, los metales y la percusión son los más fuertes, seguidos de las cuerdas, luego el viento de madera. Sin embargo, si eres nuevo en la orquestación, solo hay una forma segura de medir el poder y el sonido de cada familia instrumental: escucharlos.
Equilibrio, mezcla e instrumentación
Como orquestador, encontrar equilibrio y mezcla es la parte más importante del trabajo. Después de todo, estás buscando un color orquestal rico. No querrás que los instrumentos compitan entre sí, o que la línea vocal se ahogue en un sonido embarrado.
Para asegurarse de que cada línea se escuche claramente, aquí hay algunas cosas a tener en cuenta:
¿Cuál es la relación vertical entre las partes? La línea superior de la textura es más fácil de escuchar, la línea de bajo es la siguiente más fácil. Las voces más difíciles de escuchar son las del medio.
¿cuántos instrumentos están tocando la línea? Cuantos más jugadores, más poderosa es la línea. Sin embargo, tenga cuidado de cómo usa esto. En primer lugar, la intensidad constante de encendido sonará tediosa y, en segundo lugar, más potencia equivale a menos mezcla. Agrupe los instrumentos por color de tono, no por registro. Por ejemplo, una trompeta puede tocar en el mismo registro que una flauta piccolo, pero eso no significa que suenen bien juntas.
¿Qué registro están jugando? Hay una gran diferencia entre los instrumentos virtuales y los de la vida real. Un instrumento generado por teclado tiene casi el mismo color tonal y peso dinámico, independientemente del registro. El instrumento real, tocado por un músico de sesión, sonará completamente diferente dependiendo de si está en los registros bajo, medio o alto.
¿Cuánto espacio hay entre las piezas? Cuanto más separadas estén las voces instrumentales, más fácil será discernir una de la otra.
¿Cuánto movimiento hay? Cuanto más se mueve una pieza, más sobresale. Haz que se mueva menos y se mezclará con el fondo.
Y aquí hay algunos consejos útiles sobre cómo usar diferentes instrumentos:
Cuerdas
Para una melodía de registro alto, los violines 1 son generalmente una buena opción, y con dos secciones de violín a su disposición, puede usar los violines 2 para contramarcos y resonancia armónica. Para mayor densidad, intente duplicar la melodía del violín con vientos de madera una octava más baja.
Las violas, y a veces los 2º violines, a menudo se ven como la «sala de máquinas» de la orquesta, proporcionando un fuerte movimiento hacia adelante con notas y ritmos repetidos. Funcionan bien bajo la voz, pero también pueden agregar una exuberante riqueza a la línea melódica. Dobla la viola con el fagot en su registro de tenor para obtener un color de tono increíblemente sonoro y penetrante.
Doblar el violonchelo con el contrabajo con dale a tu línea de bajo más impacto. Pero recuerde, ambos instrumentos son capaces de algo más que líneas de bajo. Mezcle un poco las cosas cruzando voces: dé a las violas la línea de bajo y ponga la melodía en los violonchelos. Su contrabajista también le agradecerá la melodía ocasional.
Una sección de cadena no es un teclado. Pueden ofrecer notas largas y sostenidas – y en un papel armónico de apoyo, pueden agregar una suavidad única. Busque las notas compartidas entre acordes y manténgalas tanto como sea posible. Si quieres más ritmo puedes usar la misma idea, pero con notas repetidas.
Para los acordes de cuerda, no siempre es necesario marcarlos de abajo hacia arriba. Dale espacio al acorde moviendo la tercera una octava más alta y anotándola para el 1er violines.
Usar cuerdas de pizzicato (pulsadas) es una excelente manera de agregar textura. Para una resonancia exuberante, puntéalos en una dinámica tranquila, combinada con un viento de madera legato o una melodía vocal. Una dinámica de pizzicato más fuerte producirá un sonido de percusión más agresivo.
Para obtener información detallada, consulta nuestra publicación de blog dedicada exclusivamente a cómo organizar las cuerdas.
Viento de madera
Con viento de madera, tiene una paleta flexible de colores a su disposición, por lo que vale la pena tomarse el tiempo para conocer las características individuales de cada instrumento.
Rimski Korsakov, que sabía un par de cosas sobre orquestación, los describió así:
- Flauta de calidad fría, especialmente adecuada, en la tonalidad mayor, para melodías de carácter ligero y elegante; en la tonalidad menor, para ligeros toques de tristeza transitoria.
- Oboe-Ingenuo y alegre en la mayor, patético y triste en la menor.
- Clarinete-Flexible y expresivo, adecuado, en la mayor, a melodías de carácter alegre o contemplativo, o a arrebatos de alegría; en la menor, a melodías tristes y reflexivas o pasajes apasionados y dramáticos.
- Fagot — En la mayor, una atmósfera de burla senil; una cualidad triste y enferma en la menor.
Como sección, el viento de madera tiene grandes posibilidades de legato sostenido. Pero también son expertos atléticamente en carreras rápidas y florituras. Para melodías que puedan utilizarlas en octavas entre sí, distribuya la línea en quintas, sextas o terceras entre los instrumentos o con otras secciones.
El viento de madera y las cuerdas resuenan bien juntas. Agrupar instrumentos de viento individuales con cuerdas es una forma útil de cambiar el estado de ánimo y el timbre sin alterar la armonía o la melodía.
Latón
Lo más importante que debe saber sobre la sección de latón es que es muy potente. Así que ten cuidado con cómo organizas la sección de metales, de lo contrario, puede dominar todo lo demás en la orquesta, especialmente en los registros más altos.
Las trompetas, los trombones y las tubas tienen aproximadamente la misma potencia, y el sonido se vuelve más brillante a medida que avanzan en el registro. Tenga en cuenta que los cuernos franceses tienen aproximadamente la mitad de la fuerza cuando se toca forte.
Los metales son generalmente menos flexibles que el viento de madera, pero son ideales para tocar olas dramáticas de pianissimo a fortissimo y viceversa. El viento de madera y el latón juntos son una combinación común en la orquestación – y los vientos pueden rescatarte si te preocupa la dominación excesiva del latón. El latón más afilado siempre cortará, pero los vientos proporcionan una almohada suave, haciendo que el sonido sea más dulce.
Los silencios de latón y las notas paradas en la bocina son una forma útil de agregar una variedad más amplia de tonos. El latón silenciado crea un sonido nasal más agudo en los registros inferiores.
Percusión
Los instrumentos de percusión proporcionan una enorme gama de timbres. Metal, piel o madera, algunos a tono, otros sin entallar, son una de las formas más efectivas de agregar emoción y atmósfera. Pero necesitas usarlos sabiamente.
Piense en ellos como condimentos-acentos en momentos clave. No se sienta tentado a usar la percusión como una sección rítmica de conducción. Iguala demasiado las cosas y aplana la textura. Un crescendo de caja, timbales o platillos al final de una frase musical es mucho más dramático que un patrón de hi-hat detrás de absolutamente todo.
Pocas notas sobre limitaciones
Como mencionamos al principio de este blog, uno de los momentos más emocionantes en el proceso de orquestación es cuando lo escuchas tocado por una orquesta en vivo. Tu idea musical se ha transformado en una realidad viva y viva, con color, resonancia y profundidad casi inimaginable.
El problema es que está siendo tocado por seres humanos reales. Los instrumentistas de viento de madera necesitan respirar entre frases, los metales no pueden tocar notas sostenidas silenciosas en sus registros superiores, ningún instrumentista de cuerda en la tierra puede tocar pizzicato a 160 bpm. Es más, a menos que tengas cuidado con los rangos de juego prácticos de cada instrumento, es posible que tengas un motín en tus manos cuando llegues al estudio de grabación.
La mejor manera de evitar esto es aprender todo lo que pueda sobre las posibilidades prácticas de cada instrumento orquestal. Aprenda sus rangos de juego, cómo suena cada instrumento en diferentes registros, de lo que son capaces técnicamente, su timbre orquestal cuando se mezcla con otros instrumentos. Y en caso de duda, pregunte. Los músicos siempre están encantados de responder a la pregunta
¿Busca orquestación musical en línea? Solo póngase en contacto con nosotros en Supreme Tracks, ofrecemos servicios de orquestación de primera categoría. Tenemos un grupo de orquestadores aclamados y galardonados, incluido un ganador del Oscar, listos para apoyarte y crear orquestaciones dignas de zumbido.