Come orchestrare la musica
Come orchestrare la musica? L’orchestra è l’ensemble finale. Musicalmente, può fare quasi tutto-ed è in grado di esprimere ogni emozione immaginabile. Ma se sei un orchestratore di musica inesperto, o sei abituato a scrivere per strumenti virtuali, come fai a far suonare bene un’orchestra nella vita reale? In questo blog, abbiamo esposto alcuni dei suggerimenti più utili per l’orchestrazione musicale.
Ma prima di arrivare alle tecniche, iniziamo con una domanda importante:
Qual è la differenza tra arrangiare e orchestrare?
Arrangiamento musicale prende la composizione originale poi si adatta e sviluppa. Può essere dato diversi strumenti o voci, ri-armonizzazione, aggiunte, modulazioni e parafrasi.
Con l’orchestrazione musicale, la sostanza musicale rimane sostanzialmente invariata, ma alle linee melodiche vengono date voci diverse. Sembra semplice?
In realtà, una delle principali difficoltà con l’orchestrazione è anche uno dei suoi maggiori vantaggi: stai scrivendo per veri musicisti che suonano strumenti reali, e hanno dei limiti. Maggiori informazioni su questo più tardi, perché la definizione sopra riporta anche la domanda successiva.
Quando usare l’orchestrazione?
Si consiglia di potenza orchestrale dietro una traccia vocale, o usarlo per portare una colonna sonora di film o pubblicità TV per la vita. Qualunque cosa tu stia orchestrando, perché la sostanza musicale non cambia, cerca di avere l’intero pezzo a posto prima di iniziare. Rende il processo molto più facile.
In breve, la musica ben composta tradurrà sempre meglio l’orchestra. Vale la pena prendere il tempo per assicurarsi che sei felice con le note prima di iniziare a decidere quali strumenti dovrebbero giocare loro.
Quali strumenti?
C’è un sacco di scelta quando si tratta di strumenti, e trovare la voce giusta per ogni linea può essere scoraggiante. Prima di iniziare, vale la pena sapere come è strutturata l’orchestra:
La dimensione dell’orchestra dipende da te e dipende in gran parte dalla tua idea musicale originale. Una colonna sonora cinematografica potrebbe aver bisogno della potenza sovralimentata di un’orchestra sinfonica a grandezza naturale. Una traccia vocale potrebbe aver bisogno del suono più intimo di un’orchestra da camera più piccola.
Come regola generale quando si tratta del peso e della forza orchestrale, gli ottoni e le percussioni sono i più forti, seguiti dagli archi, quindi dai legni. Tuttavia, se sei nuovo all’orchestrazione, c’è solo un modo infallibile per valutare la potenza e il suono di ogni famiglia strumentale: ascoltarli.
Equilibrio, miscela e strumentazione
Come orchestratore, trovare equilibrio e miscela è la parte più importante del lavoro. Dopo tutto, stai puntando a un ricco colore orchestrale. Non vuoi che gli strumenti competano l’uno contro l’altro o che anneghino la linea vocale in un fangoso lavaggio del suono.
Per assicurarsi che ogni riga sia chiaramente ascoltata, ecco alcune cose da tenere a mente:
Qual è la relazione verticale tra le parti? La linea superiore della trama è più facile da ascoltare, la linea di basso la successiva più semplice. Le voci più difficili da sentire sono quelle nel mezzo.
Quanti strumenti suonano la linea? Più giocatori, più potente è la linea. Tuttavia, fai attenzione a come lo usi. In primo luogo, costante full-on intensità suonerà noioso e in secondo luogo, più potenza equivale a meno miscela. Raggruppa gli strumenti in base al colore del tono, non registrati. Ad esempio, una tromba può suonare allo stesso registro di un flauto piccolo, ma ciò non significa che suoneranno bene insieme.
Quale registro stanno giocando? C’è un’enorme differenza tra strumenti virtuali e reali. Uno strumento generato da tastiera ha praticamente lo stesso colore tonale e peso dinamico, indipendentemente dal registro. Lo strumento vero e proprio, suonato da un musicista di sessione, suonerà completamente diverso a seconda che sia nei registri bassi, medi o alti.
Quanto spazio tra le parti? Più le voci strumentali sono distanti, più è facile discernere l’una dall’altra.
Quanto movimento c’è? Più una parte si muove, più sporge. Farlo muovere meno e si fondono in background.
Ed ecco alcuni consigli utili su come utilizzare diversi strumenti:
Corde
Per una melodia ad alto registro, i violini 1st sono generalmente una buona scelta-e con due sezioni di violino a vostra disposizione, è possibile utilizzare i violini 2nd per contromelodia e risonanza armonica. Per una maggiore densità, prova a raddoppiare la melodia del violino con i fiati un’ottava più bassa.
Le viole – e talvolta i 2 ° violini – sono spesso viste come la “sala macchine” dell’orchestra, fornendo un forte movimento in avanti con note e ritmi ripetuti. Funzionano bene sotto la voce, ma possono anche aggiungere ricchezza lussureggiante alla linea melodica. Raddoppia la viola con il fagotto nel suo registro tenore per un tono di colore incredibilmente sonoro e penetrante.
Raddoppiando il violoncello con il contrabbasso con dare la vostra linea di basso più impatto. Ma ricordate, entrambi gli strumenti sono in grado di più di linee di basso. Mescola un po ‘ le cose incrociando le voci-dai alle viole la linea di basso e metti la melodia nei violoncelli. Il vostro contrabbassista vi ringrazierà anche per la melodia occasionale.
Una sezione di stringa non è una tastiera. Possono fornire note lunghe e sostenute – e in un ruolo armonico di supporto possono aggiungere una morbidezza unica. Cercare le note condivise tra gli accordi e tenerli attraverso il più possibile. Se vuoi più ritmo puoi usare la stessa idea, ma con note ripetute.
Per gli accordi di stringa, non è sempre necessario segnarli dal basso verso l’alto. Dare lo spazio accordo spostando la terza un’ottava più alta e segnando per il 1 ° violini.
Utilizzando pizzicato (pizzicate) stringhe è un ottimo modo per aggiungere texture. Per una risonanza lussureggiante, segnali in una dinamica tranquilla, combinata con un legato legni o melodia vocale. Una dinamica pizzicato più forte produrrà un suono percussivo più aggressivo.
Per informazioni approfondite, controlla il nostro post sul blog dedicato incentrato esclusivamente su come organizzare le stringhe.
Legni
Con i legni, avete a disposizione una gamma di colori di tono flessibile, quindi vale la pena prendere il tempo per conoscere le caratteristiche individuali di ogni strumento.
Rimsky Korsakov, che sapeva una cosa o due sull’orchestrazione, li descrisse in questo modo:
- Flauto-Freddo in qualità, particolarmente adatto, in chiave maggiore, a melodie di carattere leggero e aggraziato; in chiave minore, a lievi tocchi di dolore transitorio.
- Oboe-Senza arte e gay nel maggiore, patetico e triste nel minore.
- Clarinetto — Duttile ed espressivo, adatto, nel maggiore, a melodie di carattere gioioso o contemplativo, o a scoppi di allegria; nel minore, a melodie tristi e riflessive o passaggi appassionati e drammatici.
- Fagotto — Nel maggiore, un’atmosfera di beffa senile; una qualità triste e malata nel minore.
Come sezione, i legni hanno grandi possibilità di legato sostenuto. Ma sono anche atleticamente abili a corse veloci e fiorisce. Per le melodie che possono usarli in ottave tra loro, distribuire la linea in quinte, sesti o terzi tra gli strumenti o con altre sezioni.
Legni e archi risuonano bene insieme. Raggruppare i singoli legni con le corde è un modo utile per cambiare l’umore e il timbro senza alterare l’armonia o la melodia.
Ottone
La cosa più importante da sapere sulla sezione ottone è che è molto potente. Quindi fai attenzione a come organizzi la sezione di ottoni, altrimenti può dominare tutto il resto nell’orchestra, specialmente nei registri più alti.
Trombe, tromboni e tuba hanno approssimativamente uguali quantità di potenza – con il suono che diventa più brillante man mano che si muovono sul registro. Tenete a mente che le corna francesi hanno circa la metà della forza quando si gioca forte.
Gli ottoni sono generalmente meno flessibili dei legni, ma sono ottimi per suonare le onde drammatiche dal pianissimo al fortissimo e viceversa. Legni e ottoni insieme è una combinazione comune nell’orchestrazione-e i venti possono venire in tuo soccorso se sei preoccupato per il dominio degli ottoni. L’ottone più nitido taglierà sempre, ma i venti forniscono un cuscino morbido, rendendo il suono più dolce.
I silenziatori in ottone e le note fermate sul corno sono un modo utile per aggiungere una più ampia varietà di toni. L’ottone in sordina crea un suono nasale più spigoloso nei registri inferiori.
Percussioni
Gli strumenti a percussione offrono un’enorme gamma di timbri. Metallo, pelle o legno, alcuni lanciato, altri unpitched-sono uno dei modi più efficaci per aggiungere eccitazione e atmosfera. Ma devi usarli saggiamente.
Pensate a loro come condimento-accenti nei momenti chiave. Non essere tentato di usare le percussioni come sezione ritmica di guida. Uniforma le cose troppo e appiattisce la trama. Un crescendo di rullante, timpani o piatti alla fine di una frase musicale è molto più drammatico di un modello hi-hat dietro assolutamente tutto.
Poche note sulle limitazioni
Come abbiamo detto all’inizio di questo blog, uno dei momenti più emozionanti del processo di orchestrazione è quando lo senti suonare da un’orchestra dal vivo. La tua idea musicale si è trasformata in una realtà viva e respirante – con colore, risonanza e profondità quasi inimmaginabili.
Il problema è che viene suonato da veri esseri umani. I fiati hanno bisogno di respirare tra le frasi, gli ottoni non possono suonare note tranquille e sostenute nei loro registri superiori, nessun suonatore di corde sulla terra può suonare pizzicato a 160 bpm. Cosa c’è di più, a meno che non si sta attenti circa le gamme di gioco pratici di ogni strumento, si può avere un ammutinamento sulle vostre mani quando si arriva in studio di registrazione.
Il modo migliore per evitarlo è imparare il più possibile sulle possibilità pratiche di ogni strumento orchestrale. Impara le loro gamme di gioco, come ogni strumento suona in registri diversi, di cosa sono capaci tecnicamente, il loro timbro orchestrale quando mescolato con altri strumenti. E in caso di dubbio, chiedi. I musicisti sono sempre felici di rispondere alla domanda
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